Bon visionnage et pour les personnes s'y rendant, rendez-vous dès jeudi au Pas Bas ! (voire même dès mercredi pour les plus chanceuses)

Et si vous voulez découvrir une partie des morceaux diffusés (certains n'étant pas disponibles sur les plateformes), voici quelques playlists :

• Dezzer
• Spotify :

Ces dernières semaines ont vu paraître une quantité d’albums qui, malgré des différences flagrantes et apparentes, partagent un point commun : ils méritent qu’on s’y attarde.

Entre introspection, expérimentation et énergie brute, la diversité est au rendez-vous, autant que la qualité.

De Snail Mail à Sunn O))), en passant par les québécois de Angine de Poitrine, voici les 5 albums à ne pas rater en ce moment.

Snail Mail - Ricochet

Avec Ricochet, Snail Mail continue de creuser une écriture de plus en plus introspective, s’éloignant progressivement de l’urgence adolescente de ses débuts. Derrière ce projet porté par Lindsey Jordan, on retrouve une volonté de ralentir, de poser les choses, d’explorer des thématiques plus lourdes (solitude, perte, passage à l'âge adulte,...).

L’album est d’ailleurs salué par les fans pour sa maturité et sa capacité à installer une douceur presque permanente, sans jamais chercher l’explosion.

Certains morceaux ("Cruise" ou "Reverie") se distinguent particulièrement par leur capacité à suspendre le temps, laissant respirer les émotions dans des arrangements plus riches et nuancés. 

Une œuvre qui préfère la persistance à l’évidence, et qui finit par s’imposer sans effort.

Angine de Poitrine - Volume 2

Angine de Poitrine confirme avec ce deuxième volume qu’il est possible de faire de la musique complexe sans jamais se prendre au sérieux. Quelque part entre un groupe de math rock qui aurait avalé une boîte de Lego, un cartoon sous acide et une fanfare coincée dans un synthétiseur défectueux, le duo propose un disque aussi absurde que jubilatoire.

Difficile de parler du groupe aujourd’hui sans évoquer le tournant qu’a représenté la diffusion de leur passage chez KEXP (les Transmusicales de Rennes) en février dernier. En quelques semaines, le live est devenu viral, propulsant le duo québécois bien au-delà de la scène underground francophone. Un succès fulgurant, presque improbable, pour une musique qui, sur le papier, aurait pu rester confidentielle.

Et pourtant, ça fonctionne. On saluera cette capacité improbable à rendre dansant et accessible un univers pourtant rempli de ruptures, de microtonalités, de structures imprévisibles. Chaque morceau semble prêt à partir dans tous les sens, mais retombe toujours sur ses pattes avec une légèreté désarmante. Là où d’autres seraient hermétiques, Angine de Poitrine choisit la joie, une joie sonore constante, qui transforme la complexité en évidence..

Corrosion of Conformity - Good God / Baad Man

Après moults années d’absences, le groupe américain revient avec un album qui joue sur la dualité annoncée dès son titre. Entre lourdeur sludge, groove southern et racines punk, le groupe oscille constamment entre deux états : maîtrise et chaos, voire tradition et évolution.

Ce retour s’accompagne d’ailleurs de changements notables au sein du groupe. Depuis leur précédent album, la formation a évolué, notamment avec le départ de certains membres historiques et une reconfiguration de l’équilibre interne. Sans chercher à bouleverser totalement leur identité, le groupe semble ici recentrer son propos, revenant à quelque chose de plus brut, presque plus direct dans l’intention. Une manière de redéfinir son son sans le trahir.

Les morceaux les plus marquants reposent sur cette tension : capables de passer d’un riff écrasant à une section plus aérienne sans perdre en cohérence. Si certains y verront un disque classique dans sa forme, on trouvera agréable au contraire cette capacité à rester fidèle à ses fondations tout en gardant une énergie intacte. Un retour solide, qui ne cherche pas à surprendre à tout prix, mais à rappeler pourquoi le groupe reste une référence.

Chamber - this is goodbye…

L’excellente surprise de ce début d’année.

Pour ceux qui ne connaissent pas encore Chamber, on ne va pas se mentir, this is goodbye… est une entrée en matière plus que brutale.

Le groupe originaire de Nashville, s’est imposé dans la scène hardcore moderne avec un son à la croisée du metalcore, du mathcore et du noise le plus chaotique. Ici, pas de compromis : l’album est dense, agressif, parfois même inconfortable. 

L’écoute nous frappe immédiatement, révélant une richesse avec le temps, à force de revenir sur ces structures complexes et ces cassures permanentes.

Certains titres explorent une violence frontale, presque suffocante, tandis que d’autres jouent davantage sur la dissonance et la tension.

Un projet qui saura marquer les passionné.e.s de moshpits intenses, qui se mérite autant qu’il se subit.

Sunn O))) - Sunn O)))

À l’opposé de tout ce qui précède, les saints patrons du style drone continuent d'explorer une musique qui dépasse la notion même de morceau.

Le son devient ici une matière, une masse presque physique. L’album nous happe par un aspect hypnotique, écrasant, où chaque note semble peser plusieurs tonnes.

L’écoute au casque prend alors tout son sens : elle permet de saisir les nuances, les vibrations, les imperfections qui composent ce mur sonore.

Là où certains jouent sur la vitesse ou l’impact, Sunn O))) impose une lenteur qui rase tout sur son passage. Une expérience exigeante, certes, mais d’une efficacité redoutable pour qui accepte de s’y abandonner.


Cinq albums, cinq approches, et autant de façons de marquer l’écoute. Qu’ils soient introspectifs, techniques, violents ou expérimentaux, tous partagent cette capacité à s’imposer durablement, chacun à leur manière. Mais au-delà de cette sélection, d’autres projets viennent rappeler que la richesse des sorties actuelles ne se limite jamais à quelques noms.

Entre évidence et surprise, les sorties d’albums de 2026 se réinventent et nous offrent une vue toujours plus diversifiée sur une scène plus discrète qui n’a de cesse de nous surprendre…

En parlant de surprise :

BONUS - Shoreline - Is This The Low Point Or The Moment After ?

Et parce que certaines sorties passent parfois sous les radars malgré leurs qualités évidentes, difficile de ne pas évoquer le dernier album de Shoreline.

Le groupe allemand continue d’affiner son mélange d’emo, de punk et de rock alternatif avec une sincérité qui frappe dès les premières écoutes. Là où d’autres projets misent sur la complexité ou l’expérimentation, Shoreline choisit une approche plus directe, presque évidente, mais jamais simpliste. Les morceaux s’enchaînent avec une efficacité redoutable, portés par des mélodies accrocheuses et une énergie contenue qui ne demande qu’à exploser sur scène.

Moins spectaculaire que certains albums évoqués plus haut, ce disque n’en reste pas moins marquant. Il s’impose autrement, par sa justesse, par sa capacité à toucher sans détour. Une proposition plus discrète, mais loin d’être secondaire.

Et pour l'occasion, ils étaient accompagnés par le groupe Ice Sealed Eyes !

Ice Sealed Eyes (Newcore - Belgique)

Il était quelque peu surprenant de voir ce genre de musique en première partie d'un tel line-up, car Ice Sealed Eyes nous propose un Metalcore moderne assez agressif. Ce qui peut d'ailleurs expliquer le pit un peu timide lors de leur concert puisque, contrairement à 2025, ils ne jouent pas avec REVNOIR. Bref, un concert assez impressionnant avec des lumières synchronisées sur chaque chanson et même deux invités surprises : James Barbosa sur "Deadweight" et le chanteur de Free Howling sur "Bloom".

Une prestation sortant donc clairement du lot pour une première partie avec en plus un merchandising assez original. Un groupe à retrouver à Paris pour un concert en tête d'affiche à la Boule Noire le 15 novembre 2026.

Wheel (Metal Prog - Finlande)

Ma malédiction débutée en 2019 semble être enfin levée et j'ai enfin pu revoir Wheel sans aucun pépin ! Que ça fait du bien de revoir le groupe jouer son dernier album Charismatic Leaders ainsi que quelques incontournables.

Le groupe n'était pas spécialement bavard, mais cela n'entache rien au fait que leur musique est un terrible rouleau compresseur ! Du Metal Progressif bien riffé ou bien planant comme il faut, ponctué par des regards bien assassins de leur chanteur James.

Bref, un pur bonheur d'un peu plus d'une heure pour notre plus grand plaisir !

Stoned Jesus (Rock Stoner - Ukraine)

On sentait tout de même que le public attendait davantage les Ukrainiens de Stoned Jesus. Il faut dire aussi que leur dernier disque, Songs to Sun, n'est sorti que l'année dernière.

C'est donc devant un public bien remonté comme il faut que le trio, accompagné de son nouveau batteur, a pu enflammer la Maroquinerie avec de nouveaux morceaux, mais aussi avec quelques morceaux pas joués en live depuis de longues années.

Bien qu'engagé politiquement contre le conflit en Ukraine, un drapeau était sur scène tout le long, la lumière était souvent bleu/jaune, une cagnotte était à disposition au merch ; le groupe a surtout prôné l'amour et le vivre-ensemble tout du long du concert (aussi l'aspect rigolo de la langue française, mais c'est une autre histoire).

Parmi les morceaux indétrônables, on a bien sûr eu le droit à l'hymne Stoner par excellence, j'ai nommé : I'm The Moutain ! Ce fut d'ailleurs l'étincelle qui fit basculer le public dans une toute autre ambiance avec une session karaoké sur le refrain, le slam du chanteur (sans sa guitare pour commencer) et des pits bien énervés. Le combo a failli être fatal pour une collègue photographe située au premier rang, le bassiste ayant pris la peine d'arrêter le concert quelques instants pour s'enquérir de son état. Bien qu'ayant demandé plus que des circle pits pour éviter tout nouvel accident, le public français a très vite repris ses mosh pits sur les morceaux suivants. Car, ce titre n'était que l'apéritif vers des morceaux plus vieux et plus énervés. Heureusement, il n'y a pas eu d'autres accidents à signaler pour la fin du concert.

En tout cas, l'énergie de ce concert fut phénoménale entre les slams du chanteur, les chants du public et le lancer d'habits de la part des membres à la fin du concert (des bouts de pantalon et le t-shirt du chanteur et les chaussures du bassiste), on ne pourra donc que se souvenir de cette soirée !

“The Sub Orbital Blues” est sans aucun doute un beau morceau d’ouverture. Si vous aviez des craintes quant à la place du chant dans cet album, soyez rassuré•e•s : qu’il s’agisse du chant clair ou du chant guttural qui arrive au cours du morceau, les deux sont assurés avec brio. La composition fait elle aussi gage de qualité car elle s’articule autour d’un thème, chantonné en ouverture, et que l’on va retrouver tout au long du morceau, que ce soit en mélodie à la guitare ou plus discrètement à la basse. C’est la batterie qui va avoir une place plus “secondaire” par des rythmiques assez carrées qui permettent de structure le morceau, tout en sachant mettre ou enlever de l’intensité selon les passages Death Metal ou les autres plus lyriques.

“Dustman” approfondira les éléments Death Metal avec une introduction plus grave, menée par la double-pédale et le palm mute. S’ensuivront logiquement des blastbeats et un Death Metal rigoureux, riffé et agressif. Ce deuxième titre semble prendre le contrepied de son prédécesseur, car le chant clair n’y vient qu’en agrément, ici c’est le growl qui est mis en avant. Son équivalent instrumental, la basse, va, elle aussi, être sur le devant de la scène avec des parties très impressionnantes qui sont un élément essentiel de la mélodie de ce morceau. On retrouve moins la dimension “Death mélodique” malgré quelques claviers en fond qui viennent apporter un peu d’ambiance, pour preuve : le chant clair n’arrive que vers le dernier tiers du morceau, et une fin abrupte nous mène au morceau.

Ce troisième morceau, c’est “Criminals”. Fidèle à sa place dans l’album, il se compose en ternaire et - preuve supplémentaire de la diversité des voix - on y découvre un nouveau timbre, plus aigu et rauque, proche du Black Metal. Ce chant se retrouvera tout au long du morceau, notamment à la fin où un passage en trémolo l’introduit à merveille accompagné de blastbeats. Un peu plus tôt, vers la moitié du morceau, une nouvelle voix fait également son apparition, un chant chuchoté cette fois-ci. Nul doute que cette diversité de chants est intéressante, et elle nous rappellerait presque Between the Buried and Me. D’autant que “Criminals”, avec ses passages au banjo et ses solos de batterie, de guitare et ses accents à la basse présente une structure relativement décousue qui pourrait nous rappeler le quatuor susnommé.

On retourne à des morceaux plus classiques avec “Despair Church”, qui est principalement mené par les guitares et les toms de la batterie. Cela permet à la fois de donner une profondeur de son, sans les textures tranchantes des cymbales, mais aussi de créer un sentiment de boucle grâce au motif qui se répète sans cesse. Contrairement au morceau précédent, on ne se perd pas dans la diversité, c’est la répétition “simple” et brève, sans ostinato, qui est recherchée pour brouiller nos repères. Même les voix sont là pour nous perdre car celles-ci sont mêlées, donnant une impression de choeur qui rejoint le titre du morceau mais créant également un lien avec la texture sonore du saxophone, qui mêle bois et cuivre et qui se rapproche de la voix humaine.

Ce saxophone, on le retrouve sur “Water & Time” qui est le morceau de transition entre la première et la seconde partie de l’album. Après une première moitié réalisée avec brio, ce cinquième titre nous offre un répit bien mérité grâce à son introduction electro assez tranquille. Ensuite, les riffs tenus à la croche, la batterie qui résonne et le chant clair continuent de nous ménager jusqu’au pont joué au saxophone qui rapporte le chant guttural. Même le solo en tapping n’est pas trop rapide et n’en est que meilleur, particulièrement grâce à son harmonisation qui crée de la tension sans rompre l’accent mélodique du morceau. 

Parce que ce saxophone, on l’a deviné sur “The Sub Orbital Blues” et il ne nous a plus quitté depuis, présent sur quasiment tous les morceaux de l’album. “House of Lights” n’y fait pas exception, puisque dès le début c’est cet instrument accompagné des claviers qui est mis en avant. Pour des instruments que l’on catégoriserait généralement comme plutôt lyriques, l’atmosphère est pourtant lourde, chargée par la saturation, le growl et les charlestons ouverts. Cela n’empêchera pas le morceau d’avoir des transitions assez fluides vers des passages plus lumineux, en chant clair, qui eux aussi bouclent bien avec ceux, initiaux, en growl. 

Le morceau suivant, “Evidence” démarre à l’inverse avec une introduction abrupte, qui ne nous laisse pas le temps de nous préparer et qui nous assaille sans sommations de growl sur un tempo rapide. C’est pour l’instant le morceau le plus agressif de l’album, grâce à son palm mute et à ses nombreuses dissonances. S’adressant de toute évidence aux amateurs de Black Metal strict et hargneux, on ne comprendra pas vraiment l’utilité d’une fin en fade-out pour un morceau qui semble se prêter plus qu’aucun autre à une fin nette et tranchée.

Une fois ce pic passé, “American Death” retourne à des compositions plus proches du début de l’album avec un sample d’introduction et des riffs moins frénétiques accompagnés de la double pédale et un chant clair plus présent. C’est cette fois le synthétiseur qui énoncera le riff, ce qui est intéressant car les notes sont moins nettes qu’à la guitare. Les cordes reprendront d’ailleurs cette même logique lors du solo auquel se mêle la réverbération qui vient elle aussi mélanger les notes.

Dans cette même dynamique, “The Logical Death” s’offrira une introduction plus posée et menée par les claviers, dans un travail d’ambiance qui colle au premier tiers de Rivers of Nihil. Le morceau étant plus calme, il aurait très bien pu sceller l’album, alors pourquoi avoir ajouté un ultime morceau éponyme, “Rivers of Nihil” ? D’autant que celui-ci est plus court que les autres et a une structure différente car il est composé de deux parties bien distinctes : une assez minimaliste, avec des guitares peu présentes, dirigée vers le travail d’atmosphère ; et l’autre qui réintroduit le growl pour clore cet album. 

Ce morceau est bon, comme tous les autres, cependant je pense qu’il aurait plus eu sa place au deuxième tiers de l’album - pour y introduire un peu de variété - qu’en fin ; et cela aurait laissé « American Death » clore l’album.

Malgré cela, Rivers of Nihil est un excellent album, qui plaira à la fois aux amateur•ice•s de Death technique et à celles et ceux en quête de mélodie. Car la diversité des chants et des instruments signifie une multiplication des possibilités lyriques, et celles-ci se mêlent très bien sans avoir ce côté “fourre-tout” qui peut déplaire chez d’autres groupes. Ici, tous les instruments sont mis en avant, et tous les types de chants.

Kaesarian (Rock Alternatif - Reims)

La soirée débuta avec le groupe Rémois Kaesarian. Un projet de Rock Alternatif piochant allègrement dans le Rock Stoner pour nous délivrer des morceaux grovvy et entraînants ! On est même parfois sur un brin de RATM ou du Stoner de bonne facture.

Si on ne savait pas qu'ils étaient du coin, on n'avait qu'à tendre l'oreille aux premiers rangs pour se rendre compte que les blagues à leur encontre fusaient tout du long ! Et ce n'est pas l'alchimie qui régnait sur scène qui allait arrêter les blagues. Le groupe a l'air d'être de bons potes qui se cherchent parfois du regard pour jouer ensemble.

Bref, une découverte très sympathique et dynamique que vous pourrez retrouver au Mégafaune Festival à Germaine le 30 mai prochain.

Dynamite Shakers (Rock - Vendée)

Jeune groupe de Rock français, 23 ans d'âge en moyenne tout de même, Dynamite Shakers semble déjà bien rôdé à l'exercice de la scène, car leur prestation fut très solide ce soir-là. Entre l'énergie bouillonnante sur scène et la captivation ambiante qui régnait dans le pit, on peut dire que le concert fut une belle réussite.

On a pu donc entendre leur premier album Don't Be Boring et même les deux titres de leur single :Nightclub et sa B-side ! Mais ce n'est pas tout, le quatuor préparant un prochain album, on a aussi pu découvrir quelques nouvelles chansons en exclusivité. Ces dernières ressemblant d'ailleurs plus à leur dernier single plutôt qu'à leur album, mais nous pourrons peut-être en reparler plus tard lors de sa sortie.

On a aussi eu le droit à quelques reprises étonnantes comme "C'est comme ça" de Les Rita Mitsouko ou même "Hot Stumps" de The Controllers. Une setlist bien chargée donc qui a pu ravir l'ensemble du public rémois, qui pour le coup n'avait peut-être pas la même moyenne d'âge ; même si quelques enfants étaient bien à fond dans le concert ! Ces derniers n'ayant pas hésité à venir au merch discuter avec le groupe ensuite pour repartir avec de beaux t-shirts signés.

L'année avance, nous sommes déjà en avril, et je vous propose alors de passer en revues 20 albums de Metal et apparentés sortis sur ce premier quart de l'année 2026 ! Une entrée en matière fulgurante, au vu de la qualité des sorties de ces trois derniers mois ! Partagez en commentaires vos découvertes de 2026 !

Pour voir la vidéo, c'est ici :

Pour écouter des extraits des groupes dont je parle, c'est là :

https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz5jWDgYKsF0cZUz1whx8Cog&si=SbB1TB9dvviReBnv

Au revoir, à bientôt.

Ou l’art de réapprendre à écouter.

Il y a des albums que l’on écoute mal, trop vite, distraitement ou avec les mauvaises attentes.

Pour moi, When a Flower Doesn’t Grow fait partie de ceux-là. À sa sortie, je pensais lancer un disque de shoegaze parmi d’autres, une nappe brumeuse que j’imaginais plus proche du post-rock qu’autre chose à laisser défiler sans y prêter attention.

Une erreur, clairement. Car dès la seconde écoute, plus attentive, plus d’un mois après, j’ai compris à quel point j’étais passé à côté d’une œuvre qui m’accompagne désormais quotidiennement.

Softcult est avant tout un duo, deux adelphes, Mercedes (she/they) et Phoenix (they/them) Arn-Horn, avec l’ambition d’un projet plus riche qu’il n’y paraît.

Certes, les textures sont bien connues : guitares noyées dans un son vaporeux, des voix effacées dans une reverb et des ambiances floues. Mais réduire l’album à cela serait passer à côté de l’essentiel. Le shoegaze n’est pas le but final du groupe mais un moyen de diffuser son message.

Très vite, le projet révèle une dualité qui constitue sa force principale. Avec d’un côté, des morceaux planants, aériens, fragiles, nous plongeant dans des mélodies douces. Et de l’autre, des titres frontaux, punk, hérités du mouvement riot grrrl, créant une tension et un sentiment de violence subie.

Une alternance qui ne relève pas juste d’un contraste esthétique mais bien là pour donner du relief à l’ensemble, pour éviter à l’album de tomber dans la monotonie que l’on pourrait craindre au vu des premiers morceaux.

Car oui, disons le clairement, When a Flower Doesn’t Grow est un ensemble profondément cohérent. Trop, diront certains. Les morceaux s'enchaînent avec une fluidité telle qu’ils finissent parfois par se confondre. Mais cette sensation n’est pas un défaut, l’album suit sa propre logique, sa propre structure, sa progression émotionnelle, faisant sens une fois vu dans sa globalité.

Cette cohérence dépasse le cadre musical, car le titre lui-même évoque une chose entravée, interrompue dans son développement. 

Une image qui résonne avec les thématiques abordées par les adelphes. Entre rapports de pouvoir, traumatismes, reconstruction et refus d’autorité. Elle fait également écho à l'esthétique visuelle du projet : Délicatesse apparente mais transpercée par une violence extérieure. Rien n’est gratuit, tout semble pensé comme un ensemble.

Parmi les morceaux qui participent à l’équilibre de l’album, "I Held You Like Glass" occupe une place particulière.

Souvent cité comme l’un des titres les plus marquants de l’opus, il incarne cette tension entre fragilité et brutalité, évoquée plus tôt, qui traverse l’ouvrage. La composition semble presque simple, cette suite d’accords qui tourne en boucle et la lente montée en puissance sait nous attirer. Les guitares, toujours plongées dans ce son embrumé, laissent place à l’émotion, le chant s’expose, renforçant un sentiment de vulnérabilité. Un titre touchant, qui semble fissurer l’ensemble de l’album, régulièrement considéré comme l’un des sommets du disque avec "Queen of Nothing".

Moins immédiat que "I Held You Like Glass", "When a Flower Doesn’t Grow" s’impose, à mon sens, comme le centre de gravité du disque. C’est là que tout se rejoint : textures aériennes, tensions, mélodies mais surtout, le propos du disque. 

A la fois fragile et intense, libre et bouleversant, celui-ci s’installe, semble prendre son temps jusqu’à révéler toute sa portée. Il ne joue pas seulement un rôle de point culminant, c’est aussi le point de convergence d’un ensemble, qui éclaire tout ce qui le précède.

Une lumière bienvenue pour l'arrivée au bout de cette traversée.

Reste que tout cela n’est pas exempt de défauts. Son approche pourrait sembler trop atmosphérique pour certains, donnant l’impression d’un relief plat. D’autres trouveraient l’album trop flou de par ses inspirations grunge et punk au milieu de ses nappes shoegaze.

Mais c’est ce qui fait sa force : When a Flower Doesn’t Grow ne se livre pas d’emblée. Il demande du temps, de l’attention et de l’émotion.

Et c’est là que réside la véritable leçon de cette œuvre. Le problème n’était pas ce que Softcult proposait, mais la manière dont je l’ai abordé. En pensant écouter un simple projet de shoegaze, je suis passé à côté d’un disque bien plus nuancé, plus engagé, et plus cohérent que ce que j’imaginais.

Comme quoi, parfois, il ne s’agit pas de chercher autre chose… Il faut simplement mieux écouter.

Non ?

Bon, tant pis alors… je garde mon gâteau pour moi.

Oh, et puis vous savez quoi ? Je veux bien quand même vous partager l’épisode.

Aujourd’hui, on attaque un monument de la scène rock et metal française : Trust, avec l’album intemporel Répression.

(Vous trouverez évidemment l’épisode sur vos plateformes de podcast préférées, en plus de YouTube.)

Les sources:

https://www.discogs.com/master/155391-Trust-R%C3%A9pression

https://fr.wikipedia.org/wiki/R%C3%A9pression_(album_de_Trust)

https://www.ina.fr/ina-eclaire-actu/video/r08241516/trust-en-concert-au-havre

https://fr.wikipedia.org/wiki/Antisocial_(chanson)

 "Yellow”, le morceau d’ouverture est plutôt court et instrumental. On y retrouvera seulement de la guitare ainsi que de la flûte, jouée par Ember Belladona, ce qui va donner une ambiance très bucolique à ce début d’album.

Mais passé cette introduction, “White” se révèle plus ambitieux car si la guitare et la flûte continuent leur duo, la guitare entame quant à elle un crescendo qui permet de bien nous préparer à l’arrivée de la distorsion et de la batterie. On est déjà un peu plus dans le Metal, et ce palier est atteint par l’émergence progressive de sonorités Blackgaze qui viennent couvrir l’espace sonore. Autrefois occupé par des airs légers, le morceau continue de leur laisser une place au travers de guitare sèche et de chants clairs mêlés, mais ceux-ci ne seront plus jamais proéminents, ils se développeront toujours sur une toile de saturation. 

C’est toujours dans cette logique de contraste entre des passages clairs et d’autres saturés que le chant Black va émerger. Malgré son timbre râpeux et sa maîtrise toute relative, il apporte vraiment du coffre au morceau et va être mis en avant sans occulter pour autant les chœurs en fond qui nous rappellent à l’ingénuité initiale. 

On pourrait croire la retrouver avec “Pink” et son ouverture à la harpe. Mais la rupture est nette et irréversible avec le surgissement d’un passage Black assez froid et aigu et toujours cette voix grésillante. La guitare est pleine de saturation et se mêle bien aux chœurs, à la harpe et au chant clair en leur donnant un support acoustique. Malgré son titre, c’est bien le Metal Noir qui est mis en avant sur ce morceau, à tel point que l’outro est quasiment entièrement composée d’une longue période de saturation qui donnerait une transition presque Noise vers le morceau suivant.

À savoir “Red”, qui continue dans la lancée avec un thème Black dissonant. Mais, on remarquera immédiatement la différence de qualité sonore, ce morceau-ci semble en-deçà avec une batterie trop présente et une voix qui a beaucoup trop de réverbération. On retrouve la démarche de l’album dans sa volonté de lier des passages de Folk romantiques au Black Metal, mais la liaison ne fonctionne pas ici, le morceau semble composé de deux parties juxtaposées avec un solo de batterie qui fait plus “prétexte” que pont.

“Blue” corrige le tir avec une structure plus carrée et des influences Thrash Metal explicites, de l’introduction au shred un peu flottant. Dans sa volonté d’être un morceau plus “épique”, “Blue” reste assez simple à suivre et ne tombe pas dans les écueils de son prédécesseur, mais - sans que le morceau ne soit mauvais - je ne m’explique pas sa présence dans l’album, on ne voit pas où est passée la démarche entamée au début de Spectrum. 

D’autant que, bien que “Black” continue dans cette lancée lors de son introduction, ce sixième titre revient assez vite à des passages plus calmes comme on a pu en avoir au début de l’album. On retrouve également le chant guttural mêlé au clair, là encore comme ce à quoi le projet nous a habitué•e•s. Les chants sont bien mis en avant, quelle que soit leur tessiture, d’autant qu’on en découvre une nouvelle car la fin tranquille à la basse et aux claviers nous prépare au chant clair d’Axel Roach qui clôt ce morceau.

Et c’est même l’album qui se termine, car avec “Green” on retrouve la guitare et la flûte d’Ember Belladona dans une ambiance pastorale en guise d’outro.

La pochette de l’album ne ment pas, celui-ci est bigarré. Bien entendu, le mélange de genre est volontaire, mais il aurait pu être réalisé avec plus de dextérité. Cependant, cela confère à Spectrum une certaine naïveté qui colle à son univers : qu’il s’agisse du nom du groupe, de la pochette, du chant ou des atmosphères, tout semble baigner dans une certaine innocence à laquelle nous ne sommes pas habitué•e•s dans la scène Black Metal.

Vous pouvez découvrir la playlist Spotify du concert ci-dessous :

Si vous voulez, la playlist existe aussi en format Deezer : https://www.deezer.com/fr/playlist/15120114623

Archive (Rock Prog/Trip-hop - Royaume-Uni)

C'était une Cartonnerie sur le point d'exploser qui attendait la montée sur scène d'Archive ! Première date de la tournée européenne pour défendre son nouvel opus Glass Minds, il y avait en effet de quoi être impatient !

Et on peut dire que le groupe nous l'a bien rendu : quasi 20 morceaux pour plus de 2 heures de concerts (02h08 à en croire la setlist sur la scène).

La lumière était somptueuse, avait beaucoup d'effets de clair-obscur en rythme avec la musique, chacun avait le droit à son moment de gloire, même si le bassiste était quelque peu caché dans un coin de la scène. Le panneau LED géant derrière le groupe permettait de diffuser plusieurs animations, des captations en direct des différents membres avec quelques effets visuels (quelque peu discutables sur Lines ou aveuglants sur Pills), mais aussi un karaoké sur le "Feel, Trust, Obey" de Dangervisit.

Bref, la scénographie était quasi irréprochable et appuyée par un mix tout bonnement impeccable ! Ainsi, toutes les conditions étaient réunies pour passer un superbe moment ; petit bémol pour quelques membres du public qui discutaient comme s'ils étaient seuls au monde pendant les chansons.

Vu la longueur de certains morceaux, il n'était pas rare de voir quelques membres disparaitre pendant les morceaux, comme la chanteuse Lisa Mottram souvent absente sur les vieux morceaux).

On eut le droit aussi à deux morceaux rappés par le même artiste présent sur le live avec orchestre diffusé il y a quelques semaines (Heads are Gonna Roll et Bastardised Ink).

Bref, une superbe soirée riche en intensité qui a pu voir le groupe jouer la quasi-totalité de son dernier album ainsi que quelques morceaux indétrônables. Après 30 ans de carrière, dur de contenter tout le monde, mais on peut dire que le collectif a su se montrer généreux !

Même s'ils n'étaient pas bavards, on voyait qu'il était heureux de présenter son nouvel album. Une superbe soirée dont on se souviendra longtemps !

L'interview est disponible sur Youtube :

La programmation a mis en avant une diversité d’univers au sein de la scène metal. Yarostan a ouvert la soirée en installant une première atmosphère immersive, posant les bases d’une montée en intensité progressive.

La scène a ensuite accueilli Fange, dont la proposition plus abrasive a marqué un changement de ton. Leur passage a renforcé la tension dans la salle et a suscité une réaction immédiate du public.

Avec Verdun, l’ambiance s’est encore densifiée. Le groupe a proposé un set massif, contribuant à installer une continuité sonore marquée et une certaine homogénéité dans l’intensité de la soirée.

Le passage de Shaârghot a apporté une dimension plus visuelle et performative. Leur univers, mêlant musique industrielle et esthétique scénique travaillée, a offert un moment distinctif au sein de la programmation.

La soirée s’est poursuivie avec Doodseskader, qui a proposé une prestation plus intimiste et efficace, avec une scénographie originale, éclairée à l'aide d'un video projecteur. Cela a apporté une autre dimension au show.

Avec Carpenter Brut, le festival a pris une orientation différente, intégrant des sonorités électroniques tout en conservant une forte intensité. Leur passage a fédéré une large partie du public et a marqué un temps fort de la soirée.

Enfin, Harakiri for the Sky a conclu cette édition avec une performance plus atmosphérique. Le groupe a installé une ambiance particulière pour clôturer le festival, offrant une fin cohérente et immersive à ces deux jours.

Tout au long de cette soirée, le public est resté réactif, contribuant à une ambiance constante. Cette dernière journée a ainsi confirmé le potentiel du Headbang Festival, qui a su proposer une programmation variée et fédératrice pour sa première édition.

Une courte vidéo pour vous présenter la nouvelle sortie d'un groupe que j'adore : SKAPHOS ! L'album The Descent, qui réinterprète d'anciens titres du groupes parus sur les albums Bathyscaphe et Thooï, sort chez Les Acteurs de l'Ombre le 10 avril ! Après l'excellent Cult of Uzura chez Transcending Obscurity l'année dernière, le groupe ne prend aucun repos !

On remercie chaleureusement le label d'avoir pu me permettre d'écouter le disque avant sa sortie pour vous en parler !

La vidéo :

D'ailleurs, le groupe part en tournée avec Antania (Indus Death américain) à partir du 16 avril pour vous noyer dans les profondeurs abyssales ! Nous sommes partenaires de la date organisée par Sanit Mils à Paris, sur la Péniche Antipode, le 16 :

https://my.weezevent.com/skaphos-antania-paris-peniche-antipode

Si vous êtes vers Lille, date à Courtrai en Belgique le 20 avril, si vous êtes dans l'Est du pays, date à Bâle en Suisse le 25 et pour les lyonnais, la tournée se finira le 27 au Rock'N'Eat !

Pour écouter Skaphos, petite playlist ici :
https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz4LSrpO0GTqUN7R8eXV9ALq&si=tuYtv_HHsdVDCjA_

Quelques liens pour suivre Skaphos :

Facebook : https://www.facebook.com/skaphosofficiel
Instagram : https://www.instagram.com/skaphos.officiel/
Bandcamp : https://skaphos.bandcamp.com/music
Bandcamp LADLO : https://ladlo.bandcamp.com/album/the-descent LADLO : https://www.lesacteursdelombre.net/skaphos/
Pour précommander The Descent : https://www.lesacteursdelombre.net/product-category/bands/skaphos/

Au revoir, à bientôt.

Vous pouvez d'ailleurs la regarder sous ce lien qui décompose chaque moment du concert, chansons et discours, comme une unique vidéo :

• Volcan en Torpeur (feat. Adiel Goliot)
• Retour à James Billie Park (feat. Sélia Louise Château)
• Discours de Virginia B. Fernson
• L'œil du Cyclone (feat. Garance Ameline)
• Narciso (feat. Simona Maurone absente lors de la captation)

Bien que la vidéo puisse vous rappeler ce petit moment hors du temps, cette sortie s'accompagne aussi d'une belle sortie physique en K7 peinte à la main.

Sachez que les bénéfices de toute vente physique ou numérique seront reversés à l'Unicef pour le programme "Back to learning" destiné aux enfants de Gaza.

Ce qui fait notamment écho à une partie du discours prononcé par Virginia B. Fernson ce soir-là, ainsi que les poèmes de la Palestinienne Naema Hassan déclamés par l'ensemble du collectif.

Une belle occasion de découvrir la puissance du groupe en concert ainsi que les nouveaux habillages sonores partagés sur scène avec des phrases de figures telles qu'Adèle Haenel, Judith Godrèche, Ursula K. Le Guin ou Laurène Marx.

Pour citer le dossier de presse : "L’idée : tisser une narration poétique et politique autour de la représentation des minorités de genre".

Le concert de l'époque était quand même plus long, mais le collectif a du faire des choix entre les morceaux captés et ceux présents sur la K7. Mais ces derniers vous apporteront tout de même une bonne idée de ce qu'est le collectif en concert.

Par ailleurs, si Retour à James Billie Park vous dit quelque chose, c'est normal ! C'est le morceau Monstruations avec un nouveau texte inédit.

Si vous le souhaitez aussi, vous pouvez redécouvrir le live report que l'on avait réalisé de cette soirée sous ce lien. Et peut-être que vous reconnaîtrez la photo de la sortie… En effet, Anne Béguin, qui a fait la mise en page, a utilisé une de nos photos de la soirée pour réaliser la pochette et pour cela nous la remercions encore !

Et si jamais, vous ne connaissiez pas le projet, nous pouvons vous proposer de découvrir les articles suivants :

• la chronique de leur album éponyme sorti le 14 mars 2025,
• une discussion avec l'ensemble du collectif réalisée le 9 mars 2025.

En avril 2023 sortait le dernier album des Lyonnais Where Mermaids Drown (Post-Rock Instrumental), suivi par un EP live en avril 2024 avant de conclure leur histoire avec une mini-tournée française. Pourquoi conclure ? Le groupe entrait en effet en hiatus pour une durée indéterminée à cause du départ au Japon de leur batteur Jean-Sébastien Mattant pour raisons professionnelles ainsi que de l’emploi du temps de plus en plus compliqué du guitariste Pierrick Bacher.

Il était donc incertain d’avoir des nouvelles du groupe, et pourtant, le 14 février 2026, le groupe annonçait quelque chose … Puis, un mois après, l’annonce d’un nouvel EP Embrace the Ineluctable était faite !

De quoi piquer notre curiosité quant à l’avenir de ce nouveau trio et à la forme que prendrait leur musique.

Car, une fois le groupe séparé physiquement et avec un guitariste en moins, quelle direction pourrait-il bien prendre ?

L’EP se décompose comme suit :

• Resign with grace
• Rebirth. Again.
• Grateful

On peut apprendre tout d’abord que l’album a été enregistré à proximité de Lyon avec un de leur ancien collaborateur Mickael Kassapian au mix et mastering.

Pourtant ce dernier a vraisemblablement été composé différemment qu’à l’accoutumé et a nécessité de multiples essais avant d’obtenir un résultat satisfaisant. Le temps, effectivement, de s’habituer à l’absence de Pierrick Bacher et, j'imagine aussi, de leur éloignement géographique. On peut ainsi découvrir une place plus prédominante du piano, comme s’il fallait tout de même un quatrième instrument pour combler cet espace vide laissé par cette deuxième guitare absente.

Pourtant, il est loin d’être présent partout, mais prend véritablement son importance dans le titre final de l’EP. Les autres morceaux sont certainement plus “classiques” avec une construction autour de la guitare (seule ou en multipistes), de la basse et de la batterie.

Le groupe nous propose donc une formule différente, dans le sens où l’on perçoit aisément un changement dans la structure des morceaux, qui nous permet d’aborder une nouvelle facette du projet. Une facette toute aussi belle, mais dont une absence se fait ressentir.

Néanmoins, on se laisse transporter avec la même magie qu’à l’accoutumée dans des mélodies magnifiques et aux crescendos salvateurs.

Décidément, la recette est différente, mais la sauce est toujours aussi bonne et on ne cesse d’en redemander.

La structure de l’EP pourra, j’imagine, être interprétée de plein de sortes, mais les titres ne peuvent pas nous empêcher de penser au processus qu’a dû suivre le trio tel un deuil :

• Tout d’abord, se résigner avec grâce de la situation,
• Puis, renaître à nouveau,
• Et enfin être reconnaissant envers l’amour et le soutien reçus.

Et, je dois bien l’avouer, c’est aussi en quelque sorte le parcours que l’on fera à l’écoute :

• Tout d’abord, se résigner au changement et à l’évolution de leur musique,
• Puis, retrouver tout notre appétit et notre curiosité,
• Et enfin être reconnaissant de recevoir ce beau cadeau.

Car c’est aussi ça Embrace the Ineluctable : un cadeau ! Une chance qui nous est donnée d’aimer une nouvelle fois la musique de ce projet lyonnais qui arrive toujours autant à nous épater. D'autant plus à travers ce splendide voyage.

Par ailleurs, je préfère vous prévenir de suite, ne pensez pas à cause de la pochette que cet EP sera quelque chose de froid ou de triste. En effet, cette pochette dénote du reste de la discographie par cet univers froid et urbain par rapport aux autres plus poétiques, mais cette dernière cache un album empreint de mélancolie mais aussi de joie et de lumière.

Bref, je ne vous en dis pas plus, hormis de foncer écouter cette sortie exceptionnelle de Post-Rock français !

Encore merci Jean-Sébastien de t’être rappelé de mon amour pour le groupe lors de la sortie de votre EP, ce qui m’a valu de le dévorer sans fin ces derniers jours…

Collëtte (Jazz-Pop/Electro - France)

J'ai alors pu découvrir un duo, même si j'ai cru comprendre qu'une troisième personne les accompagnait habituellement, composé d'une chanteuse et d'une claviériste joueuse de pad.

On est sur de la Pop chantée en français avec plusieurs touches d'électronique et de saxophone (sur bandes). Un univers très poétique et joli qui était parfait pour commencer en douceur notre soirée.

Vous pourrez, si vous le désirez, découvrir son prochain single "Rêve" le 3 avril, joué pour nous ce soir-là.

Tessa Rose Jackson (Folk/Pop/Rock Atmosphérique - Royaume-Uni/Pays-Bas)

Cela faisait bien longtemps que Tessa Rock Jackson n'était pas venue jouer à Paris, il faut dire aussi que la dernière fois le public n'était que d'une quinzaine de personnes. Bien loin d'elle l'idée de dire qu'elle ne les aimait pas, mais si ces personnes étaient là encore ce soir, elle les aimait encore plus !

Une belle entrée en matière qui nous a donné le ton de la soirée : Tessa Rose Jackson est d'humeur partageuse et n'hésitera pas à nous raconter plein d'anecdotes sur sa vie ou les morceaux qu'elle a joués pour nous (seul un morceau n'a pas eu ce traitement !). Ce qui a renforcé ce moment suspendu, vécu à la fois par le public qui écoutait tout de manière très attentive et le groupe qui voyait un public tolérant et curieux.

The Lighthouse est un album sur la mort. Mais rassurez-vous, pour elle, parler de la mort revient à parler aussi de la vie, qui est un phénomène très chaotique. Une occasion pour elle de parler aussi de sa jeunesse, où elle fut élevée par deux mères, et de la disparition de sa mère américaine. Une disparition qui a inspiré plusieurs chansons comme Gently Now ou Wild Geese. La première est une chanson dans laquelle sa mère reviendrait la hanter et où elle pourrait parler avec elle. Mais rien de lugubre ou d'effrayant, juste un moment émouvant où elle voudrait juste la revoir et échanger avec elle. La seconde chanson parle du fait qu'à la fin de sa vie, sa mère était confinée chez elle et elle l'a donc imaginée en oie sauvage survolant le "Lac Supérieur" au Minnesota. Un endroit dont sa mère parlait toujours amoureusement.

On eut le droit aussi au secret de la création de By Morning, issu d'une dispute avec son compagnon dans laquelle elle était super investie jusqu'à ce qu'elle se rende compte qu'elle avait tort. En cherchant une façon digne de s'en sortir, elle est montée à l'étage où lui est venue une partie de la chanson qu'elle lui a chantée pour mettre fin à la dispute.

On eut aussi le droit à quelques plus vieilles chansons écrites sous le nom Someone. Un pseudonyme que Tessa a arrêté d'utiliser pour plein de raisons, dont une toute simple : le référencement sur internet.

Mais aussi plusieurs chansons de l'EP collaboratif A Mirror Sometimes avec lequel je l'ai découvert, donc j'étais vraiment aux anges d'entendre lesdits morceaux en concert ! Un EP de 7 titres qui a été composé avec des ami·es qu'elle admire, un sentiment qui va souvent de pair pour elle.

Sans rideau pour s'exfiltrer, pas de rappel pour nous ce soir mais une simple coupure temporaire avec de bons applaudissements.

Une belle occasion pour chanter une chanson sur un weekend romantique dans la capitale de l'amour : Paris at Midnight ! Ce qui n'était donc pas Édimbourg comme le pensait le batteur tout fier de sa bêtise. Et c'est vrai que c'est quelque chose qui frappe aussi : l'alchimie qui règne sur scène entre l'ensemble du groupe : entre les regards, les sourires, les moments karaokés, les rires francs et les blagues, on sent qu'on est face à un groupe très passionné et respectueux de la musique qu'ils jouent.

En tout cas, ce concert était tout bonnement mémorable et comme le soulignait Tessa sur scène : "Je ne sais pas ce qu'il s'est passé cette nuit, mais je m'en souviendrai longtemps".

Si cela vous intéresse, Tessa Rose Jackson est une artiste de Folk, mais dont les morceaux révèlent presque un aspect Rock Atmosphérique en live, ce qui donne un côté cocon très agréable. On a le droit à plusieurs chœurs, une guitare très aérienne, le clavier qui donne du corps aux morceaux (ça tombe bien, le claviériste est coproducteur du dernier album), voire parfois qui remplace certains instruments comme la trompette… Bref, si vous avez été un tant soit peu captivé par cette artiste, elle est définitivement à voir en concert !

My Thinking Face (Rock Alternatif - Paris)

Un brin en retard à cause de l'interview, j'ai raté qu'une petite moitié du concert de ce quintet parisien. Il était assez étrange de découvrir une musique mélangeant plusieurs styles plutôt antinomiques à la base comme le Post Rock, le Rock Alternatif et le Surf Rock. Ce qui nous donnait donc tantôt des passages bien entraînants, tantôt planants. Un mix plutôt incongru qui m'a laissé plus dubitatif que véritablement conquis. Il faut dire aussi que tout ce qui est Pop Punk m'intéresse généralement moins.

En tout cas, le concert était très intéressant !

Neon Bay (Grunge - Paris)

Un quatuor bien Grunge super prometteur, voilà ce qui vous attend si vous arrivez à découvrir ce groupe !

Le combo a bien réussi à me scotcher, d'autant plus que les deux voix des chanteuses se mariaient à la perfection, que ce soit en chœur ou en alternance selon les chansons.

Je n'ai pas pu m'empêcher à penser à Faetooth avec que du chant clair en les découvrant et je pense que la comparaison n'est pas trop mauvaise.

On a même pu découvrir une reprise de Running Up That Hill (A Deal With God) de Kate Bush pour nous assurer de nous souvenir d'au moins un titre de cette soirée. Il faut dire que pour le moment, il n'y avait pas de merch à se mettre sous la dent. Heureusement qu'il y a un petit single qui traîne pour se rappeler ce sublime moment.

Le quartet est à retrouver prochainement en région parisienne :

• le 3 avril à la Télévision à Paris avec Feia,
• le 22 avril au Klub à Paris avec Bandeliers et Grundeis.

Black Foxxes (Art Rock - Royaume-Uni)

Troisième fois que je les voyais en concert pour ma part, mais contrairement à l'adage, ce n'était pas tout à fait le line-up habituel. En effet, le saxophoniste a été remplacé pour la tournée et le groupe a enfin enrôlé leur nouvelle bassiste. Ainsi encore une fois ce concert promettait d'être unique en son genre. Il faut dire aussi que le quatuor adore revisiter ses morceaux, comme le démontre très bien leur album Live at Vada, mais cette fois-ci un chœur féminin donnait une toute autre couleur aux morceaux.

On a même eu le droit à trois nouveaux morceaux, puisque le prochain album est quasiment prêt, les titres sont bien sûr temporaires (on se souvient des écarts de noms entre le livret de The Haar et du pressage vinyl) :

• searching for something real
• dog called franck
• kick it

Des morceaux un peu plus paisibles dans la setlist du jour, plus orientée sur l'éponyme que sur The Haar.

En tout cas, c'était une véritable expérience que le groupe nous a partagée une nouvelle fois : entre les improvisations multiples, les changements d'arrangements entre la version studio et live, le saxophone qui sublime toujours autant les morceaux ou qui s'amuse à remplacer d'autres instruments présents sur les albums...

Difficile de dire que la soirée aurait pu être meilleure vu que le groupe a quasiment joué 1h30 !

Une soirée sans aucun doute placée sous le signe de l'émerveillement et de la joie, que ce soit du côté des artistes ou du public comblé ! Même si certains membres du public tentaient quelques cris et interactions avec le reste du public qui ont eu pour effet de rendre quelque peu confus le chanteur... (même si ces dernières n'étaient pas déplacées en elles-mêmes)

Bref, une magnifique soirée que l'on vous invitera à découvrir sous un autre angle lors de la sortie de notre interview avec le chanteur Mark enregistrée ce soir-là.

Sker (Rock Alternatif - Ivry-sur-Seine)

Sker est un jeune groupe de Rock Alternatif n'hésitant pas à lorgner sur le Progressif ainsi que surquelques sonorités bien groovy avec plusieurs textes engagés ! Pour les avoir vus en 2025 au Chinois à Montreuil, j'ai pu être agréablement surpris par ce concert, puisque le combo semblait avoir gagné en aisance et prestance scénique. Les compositions paraissaient plus en place et la chanteuse n'hésitait pas à arguer ou jouer avec le public de nombreuses fois.

Si cela vous intrigue, Sker prépare un nouvel album qui sortira prochainement on l'espère et est à retrouver en région parisienne prochainement :

• 27 mars 2026 au Nouveau Sauvage à Montreuil
• 10 avril 2026 au Gambetta Club à Paris.

The Pearly Gates (Rock Psychédélique - Nice)

C'est alors enchaîné un groupe de Rock Psychédélique niçois avec une direction artistique bien sympa. Je ne sais pas pourquoi, mais le chant typé Cold Wave m'a vraiment rappelé le projet français Serpent et je n'ai pas pu m'empêcher de faire une fixette dessus tout du long.

Je dois bien avouer que le concert ne m'a pas forcément touché en plein cœur. Je n'avais pourtant pas d'attentes particulières, certains morceaux étaient absolument excellent en plus, mais d'autres me laissaient un peu sur le carreau. Il faudrait que je leur laisse une deuxième chance assurément dans une autre condition pour un peu plus profiter maintenant que je les connais un peu.

Ce qui m'a surpris toutefois, c'est parfois les sonorités bien groovy et tranchantes à l'image, si je ne m'abuse, de leur reprise de Out Of The Black de Royal Blood qui paraissait bien plus acérée que le reste de leur set. Néanmoins, ils ont conclu leur concert avec un morceau tout aussi riffé, mais pour le coup j'ignore si c'était un morceau original.

Bref, j'étais bien intrigué, mais pas super captivé par l'ensemble de la proposition. A charge de revanche.

Rosalie Cunningham (Rock Progressif Psychédélique - Royaume-Uni)

Voilà donc le premier concert en tête d'affiche pour Rosalie Cunningham ! Un concert très survolté sur scène, ou dans le choix des musiques, avec une alchimie magnifique entre ses membres !

On a eu même le droit à une petite nouveauté avec le titre Rabbit Fur disponible sur le dernier single 7" du combo "The Medical Trials". Même si je n'aurais pas dit non à un petit Return Of The Ellington, la setlist était très chouette. Le quintet a joué pendant une bonne heure une bonne partie de son dernier album ainsi que d'autres morceaux. En tout cas on a pu se laisser transporter dans ce magnifique univers Rock délicieusement kitsch et Prog sublimé par de superbes chœurs.

Bref, ça valait le détour, surtout quand le groupe pensait conclure son set à cause du temps déjà écoulé et qu'ils ont pu jouer deux morceaux en plus !

Formé en 2012 à Stavanger, en Norvège, Kal-El s’est progressivement imposé comme une formation à part dans la scène stoner-doom européenne. Mélangeant hard rock, heavy metal, psychédélisme et doom, le groupe a construit une identité forte autour d’un imaginaire très marqué par la science-fiction. Dès leur premier EP Dark Moon Voyage en 2013, ils attirent l’attention de la scène norvégienne et sont même élus meilleur nouveau groupe rock sur la plateforme NRK Urørt.

Depuis, leur discographie s’est enrichie d’albums marquants comme Pakal (2014), Ecosphere (2015), Astrodoomeda (2017) ou encore Witches of Mars (2019), disque qui a marqué une véritable percée dans la scène stoner internationale.

Avec Dark Majesty en 2021, puis l’EP Moon People en 2023, le groupe continue de développer son univers cosmique fait de riffs lourds, de grooves dominés par la basse et d’ambiances psychédéliques portées par les récits de SF écrits par leur chanteur, le Captain.

Mais tout capitaine sans son équipage n’est rien, il faut aussi rendre les honneurs à des musiciens talentueux, Josh et Doffy aux guitares, Knutsen à la basse et Judas à la batterie. Un ensemble qui tient la barre au travers des voyages du groupe.

Après avoir sillonné l’Europe et les États-Unis, le groupe poursuit son odyssée musicale avec Astral Voyager, un projet en deux volumes. Le premier volet avait déjà été salué par la presse spécialisée pour ses riffs massifs et son atmosphère spatiale.
Ce Astral Voyager Vol.2 vient donc conclure cette exploration interstellaire à travers six titres qui confirment la maîtrise du groupe en matière de stoner cosmique.

L’album s’ouvre avec "Juno", un titre efficace qui condense immédiatement les éléments attendus d’un album de stoner : riffs lourds, groove solide et chant habité. Une entrée en matière directe qui installe l’atmosphère du disque et donne rapidement une envie de poursuivre le voyage.

Le second morceau, "The_Nine", change sensiblement de registre. Avec ses 10 minutes 16, le titre prend le temps d’installer une ambiance plus aérienne. Les riffs ralentissent et les refrains semblent étirer la tension encore davantage, créant une atmosphère presque suspendue. Le pont central évoque sans équivoque (pas facile à dire ça) les mélodies désertiques de Yawning Man, apportant une légèreté inattendue avant que le morceau ne replonge dans une conclusion plus lourde et dissonante.

"The Prophecy", troisième piste de l’album, surprend par un break central particulièrement entraînant. Un riff presque thrash metal, donnant envie de bouger en rythme avant que le morceau ne revienne plus progressivement vers son atmosphère stoner, voir doom.

Mais le véritable sommet de l’album arrive avec "Juggernaut". Mon énorme coup de cœur du disque. Long de 6 minutes 47, le morceau est un véritable voyage. Les mélodies vocales apportent un côté presque hypnotique et les pré-refrains installent parfaitement la libération des tensions avant l’arrivée de refrains absolument sublimes. On y retrouve une vibe très Truckfighters, étonnamment positive, portée par des accords plus ouverts qui contrastent avec les couplets plus appuyés. 

Mais c’est avec la seconde moitié du morceau que l’expérience va plus loin encore, un guitare clean apparaît pour la première fois de l’album et installe une atmosphère lumineuse, presque apaisante. Une seconde guitare saturée vient progressivement épaissir l’ensemble, donnant une dimension presque spatiale au morceau. La tension monte, le mur sonore se construit, jusqu’à l’arrivée d’un solo de guitare totalement hors du temps qui permet un véritable échappée avant le retour aux riffs plus lourds. Le dernier pré-refrain laissant presque une frustration tant on aurait aimé entendre un dernier refrain exploser.

"Pan" propose un registre différent. Les couplets sont plus rapides, limite plus techniques, avec une construction qui évoque parfois les premiers Alice in Chains. Les refrains permettent au chant de s’exprimer avec davantage de liberté et d’ampleur. Le solo rappelle par moments celui de "Juggernaut", mais c’est surtout le riff final qui marque durablement par son efficacité.

"Asteroid" à la lourde tâche de clôturer l’album après deux morceaux particulièrement marquants. Le titre conserve les qualités du disque : riffs solides et chants toujours aussi convaincants. Cependant, sa structure semble plus maladroite. Il faut attendre près de trois minutes avant de se sentir accrocher par le refrain. Le pont nous offre alors un riff prometteur laissant espérer un développement plus marquant qui ne se concrétise malheureusement pas totalement.

Le morceau se termine néanmoins sur un riff final massif et brutal qui promet de beaux moments de headbang en concert et laisse entrevoir de bonnes choses pour la suite du groupe.

Au final, Astral Voyager Vol.2 confirme la capacité de Kal-El à proposer un stoner massif mais habité, capable d’alterner entre riffs écrasants et envolées plus psychédéliques. Si certains passages auraient mérité d’être davantage développés, notamment sur le morceau final, l’ensemble reste solide et porté par plusieurs moments particulièrement marquants, "Juggernaut" en tête. 

En concluant son diptyque cosmique, le groupe norvégien démontre qu’il maîtrise parfaitement son univers fait de fuzz, d’espace et de grooves lourds, confirmant la place du groupe parmi les formations émergentes les plus intéressantes de la scène européenne actuelle.

Nous en avons reçu Enno et Sylvain pour y voir un peu plus clair, l'interview est disponible sur YouTube :

Witchorious (Stoner Doom - France)

Il suffisait de passer entre les gouttes une fois sorti des embouteillages parisiens pour se prendre une bonne claque d'entrée avec Witchorious !

Inquiet de mon retard, je fus heureux de pouvoir profiter de ce trio pendant une bonne vingtaine de minutes. Un Stoner Doom de bonne facture bien accrocheur, bref un superbe amuse bouche pour la délicieuse soirée qui s'annonçait.

En tout cas, ils sont en train de préparer un nouvel album dont on risque d'avoir des nouvelles prochainement.

Ponte del Diavolo (Doom Metal - Italie)

Après un concert au Roadburn Festival 2025 qui m'avait bien fasciné, il était enfin temps de reprendre ma dose ! Mais entre-temps le groupe a pu sortir chez Season of Mist son nouvel album De Venom Natura ; une belle occasion donc pour se replonger dans l'univers de ce quintet. Une musique bien lourde teintée de Cold Wave, de Black Metal et de Doom chanté, essentiellement, en italien.

Un mix terriblement accrocheur, surtout avec une chanteuse aussi captivante sur scène. Un jeu de scène certes minimaliste, mais une ambiance pesante et prenante tout du long qui arrive à nous accrocher tout du long !

Ils ont même pu jouer une reprise du groupe de Rock Gothique Bauhaus (In the Flat Field). Une très belle reprise, même si je dois bien l'avouer, dont je ne connaissais pas l'originale jusqu'ici.

Bien que le groupe fût peu bavard pendant leur prestation, il n'en avait pas vraiment besoin pour montrer sa joie de jouer devant un public aussi réceptif à ses chansons.

Si cela vous tente, vous pourrez toujours vous rattraper à Montpellier le 7 mai pour les revoir en France !

Vous pourrez profiter de la voix douce et suave de notre chroniqueur qui vous susurrera des anecdotes sur vos albums préférés là-bas en plus de vos plateformes de podcasts habituelles.

Et quoi de mieux cette semaine que d'ouvrir les hostilités avec un épisode sur l'album le plus marquant de la fin des années 90 : Follow the Leader par Korn

Sources:

Interviews:

1. Jonathan Davis pour Kerrang! - 1998
2. Jonathan Davis pour Rolling Stone - 1998
3. Jonathan Davis pour Metal Hammer - 2013
4. Jonathan Davis pour Guitar World - 1999

Liens:

1. https://www.allmusic.com/album/follow-the-leader-mw0000596961
2. https://www.billboard.com/artist/korn/
3. https://www.grammy.com/artists/korn/14750
4. https://www.loudersound.com/features/korns-follow-the-leader-the-story-behind-the-album
5. https://en.wikipedia.org/wiki/Follow_the_Leader_(Korn_album)

Le premier jour à débuté avec Soul Splitter, qui a ouvert les hostilités avec un set intense et direct. Le groupe a  immédiatement donné le ton et a plongé la salle dans une atmosphère énergique, parfait pour lancer cette première édition du festival.

C’était ensuite au tour de Aurore de prendre possession de la scène. Entre puissance et passages plus atmosphériques, la formation propose une prestation immersive qui capte rapidement l’attention du public. Le chanteur de Soul Splitter est venu rejoindre le groupe pour performer sur une chanson en commun.

La tension à monté d’un cran avec Spleen, dont l’univers sombre et la présence scénique marquée apportent une nouvelle intensité à la soirée, confirmant la richesse stylistique de la programmation.

Le passage de Ten56 marque également la soirée. Avec un set puissant et une énergie communicative, le groupe parvient rapidement à embarquer le public. L’intensité ne retombe pas un instant, et la fosse répond présente tout au long de la performance.

Au fil de la soirée, d’autres figures marquantes sont  venues compléter l’affiche, notamment Sorcerer, Rise of the Northstar et Headbussa, qui ont contribué à faire de cette première édition un moment fort pour la scène metal.

Je ne vous avez pas vu (en même temps, difficile de voir à travers ces écrans).

Vous allez bien ? Oui bon, on s'en fiche un peu... Tout ce que je peux vous proposer c'est de passer un peu de temps ensemble avec un de mes albums préféré: Somewhere Along The Highway de Cult of Luna.

Sources :

Wikipedia
Wikipedia FR
Metalorgie
AlbumoftheYear.org
metal.nightfall.fr
Bandcamp Daily

Welcome to Sky Valley de Kyuss

Les sources ?
Bien sûr !

Ce documentaire

Le livre Queens of the stone age - No One Knows de Joe McIver chez Omnibus Press en 2014

Les Interviews de Josh Homme pour Guitar World et Rolling Stone Magazine à propos des tensions au seins de Kyus et la vision derrière Welcome to Sky Valley

Liens utiles:

https://www.loudersound.com/features/1992-how-kyuss-sparked-a-stoner-rock-revolution

https://www.loudersound.com/features/kyuss-stoner-metal-band-history-interview

https://faroutmagazine.co.uk/bands-kyuss-brant-bjork-calls-low-desert-punk/

https://www.decibelmagazine.com/2008/11/18/kyuss-welcome-to-sky-valley/

https://cvindependent.com/2023/08/desert-rock-pilgrimage-kyuss-fans-from-around-the-world-make-an-annual-journey-to-the-welcome-to-sky-valley-sign/

https://en.wikipedia.org/wiki/Welcome_to_Sky_Valley

Il y a des groupes qui sortent des albums bourrins, des projets qui veulent sortir des morceaux techniques, d’autres qui aiment faire voyager et parfois, seulement parfois, ceux qui réussissent l’exploit de mêler ces trois dimensions parfaitement.

Aujourd’hui sort le nouvel album d’ERRA et il fait clairement partie de cette dernière catégorie.

Silence outlives the earth devrait convaincre tous les amateurs de metalcore moderne.

Deux ans après avoir été scotché avec le superbe Cure, nous voici face à une nouvelle proposition familière avec, au programme, des riffs complexes, des voix parfaitement harmonisées, des parties pensées pour le chaos des concerts, mais aussi, et surtout, ce qui fait le succès de ERRA depuis quelques années, des envolées aériennes qui nous transportent dans leurs mélodies.

La formation n’a pas changé depuis l’album précédent: 

Alex Ballew à la batterie, Jesse Cash au chant clair et à la guitare, JT Cavey au chant lead, Conor Hesse à la basse et Clint Tustin désormais pleinement intégré à la guitare. Le groupe aurait-il enfin trouvé une stabilité ?

Sur les 11 pistes de l’album, la cohérence de l’ensemble et la qualité de la production laissent peu de place au doute : ERRA a trouvé son équilibre.

Les plus assidus auront remarqué, grâce au dernier single sorti, la présence d’un morceau découpé en plusieurs parties. En effet les trois derniers titres de silence outlives the earth nous proposent un ensemble de plus de dix minutes, alternant entre les ambiances propres à l’univers musical d’ERRA et une touche progressive, lourde et introspective bien plus présente, laissant présager du bon pour la suite du groupe et les futurs albums.

Aucune note ne dépasse et le superflu est mis à la porte. Dès les premières notes de l’album avec stelliform, on comprend parfaitement où le groupe nous emmène, il sait ce qu’il fait et continue de nous submerger tout au fil de l’album d’un mur sonore aussi massif qu’harmonieux.

Déjà évoqué plusieurs fois, mais je continue de souligner l’importance de l'écriture des riffs dans cet album, pensés plus simplement que sur Cure, ils n’en demeurent pas moins efficaces, catchy et restent en mémoire longuement après écoute.

Les morceaux nous font part des réflexions du groupe sur l’existence, l’incertitude et la transformation intérieure ainsi que, comme le rappellent certains titres, la confrontation avec des forces qui nous dépassent.

L’album s’écoute tout seul, les morceaux s'enchaînent et ne se ressemblent pas (pas trop en tout cas). Puis, vient le final de l’album sur twilight in the reflection of dreams et les dernières notes de l’album sur un chant clair qui émerge presque du mix, par-dessus une guitare très ouverte, laissant une envie de réécouter le tout encore et encore pour profiter jusqu’à plus soif de la magie dont les membres d’ERRA sont devenus maîtres.

On soulignera néanmoins l’absence de prise de risque du groupe dans un ensemble musical sans doute trop proche de ce que l’album précédent proposait, ce qui confirme pourtant la direction actuelle que prend ERRA mais un morceau plus violent ou dans un registre différent n’aurait pas été de trop.

Silence outlives the earth… Le silence perdure au-delà de la Terre, le groupe a sans doute raison, mais s’il pouvait continuer de nous bercer de sa musique le plus longtemps possible, alors ce silence-là pourrait bien attendre.

Aujourd'hui, de la douceur. Ou pas. Quoi qu'il en soit, nous voici à explorer le Post-rock et le Post-Metal au travers des sorties dans le genre parues en 2025. Et non, cette vidéo n'est pas sponsorisée par Pelagic Records (mais on aime bien le label, ici). Partagez en commentaire vos découvertes récentes dans cette catégorie, je serais ravi d'en discuter !

Le top en vidéo :

Pour écouter des extraits des groupes dont je parle, c'est ici :
https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz5NXTsD7lXp_g_jllooUpaR&si=zJvfwZH1p6LF4VzX

Au revoir, à bientôt.

Hana Lili (Pop Rock - Pays de Galles)

Depuis quelques années, Hana Lili partage plusieurs de ses singles dont notamment quelques EP, le prochain, Hana, étant prévu à la mi-avril.

L'artiste mêle Shoegaze, Pop et Rock pour délivrer des morceaux accrocheurs ou un brin mélancoliques, mais toujours avec une véritable efficacité.

C'est donc accompagnée qu'elle est venue défendre en Union Européenne pour la première fois quelques uns de ces morceaux. Une véritable aventure qu'elle a partagée en van avec une photographe, un régisseur et, bien sûr, ses acolytes.

On a eu le droit à quelques anciennes chansons, mais aussi certaines nouveautés, Ur Girlfriend's a Lawyer ou Sick of Myself. C'est d'ailleurs cette dernière qui a conclu la soirée sur quelques sauts et un petit wall of death.

Malheureusement, qui dit fin de tournée, dit merch épuisé. En effet, à part une seule taille de t-shirt et quelques stickers, il n'y avait plus grand chose pour la soutenir financièrement. Mais au moins on pouvait discuter avec elle vu qu'elle "n'était pas aussi effrayante qu'elle en avait l'air". (NDLR : pendant le concert elle disait qu'on pouvait la voir après le concert, qu'elle n'était pas aussi effrayante que ça, même si elle pouvait se faire peur parfois).

Mouth Culture (Rock Alternatif - Angleterre)

Ainsi, c'était leur dernière date en Europe, mais aussi leur première date en tête d'affiche à Paris. Un moment très privilégié pour tout le monde ici ce soir, tellement que l'ambiance était à la fête.

Les premiers rangs chantaient sans cesse les paroles, le groupe sautait et dansait sur scène (ou même dans le public), le public était ainsi plus que réceptif à la magie qui s'est déroulée ce soir-là. Le chanteur Jack Voss n'hésitait pas à jouer avec le public, à aller presque chanter certains couplets ou refrains directement à certaines personnes.

Par ailleurs, ils ont pu réparer un acte manqué de leur dernier concert parisien et faire une chanson avec la lumière des flashs de la fosse. Il faut dire aussi qu'entre les sourires et les chants du public, cela rendait la prestation très touchante. Ce qui n'a pas manqué de faire monter les larmes aux yeux du chanteur : "vous m'avez presque fait pleurer"... (NDLR : malheureusement je ne connais pas la chanson en question)

Bref, un cocktail explosif qui ne pouvait que rendre le concert qu'exceptionnel, d'autant plus avec autant de gratitude témoignée de la part du groupe pour une telle ambiance. Il était d'ailleurs un peu honteux de ne venir avec que des vêtements alors que beaucoup de personnes portaient déjà fièrement le merch officiel du groupe. Ce qui est super important à leurs yeux car c'est le seul moyen de survivre en tant que groupe aujourd'hui.

De plus, Mouth Culture était super heureux de leur tournée européenne durant laquelle ils se font "des ami·e·s pour la vie", un parfait moment pour remercier et applaudir Hana Lili qui était dans le public tout du long.

Si vous voulez (re)vivre cette expérience, sachez qu'ils seront de retour cet été pour plusieurs festivals comme Rock Am Ring, Graspop ou Rock For People. Tous ne sont pas forcément proches de nous, mais peut être que ça vous donnera envie de voyager, qui sait ?

“Void Meridian” nous introduit à l’album aussi progressivement qu’on aurait pu le souhaiter : ce sample, calme d’abord puis qui accélère, nous met assez vite dans la dynamique du morceau et semble entraîner avec lui les instruments qui viennent peu à peu. On notera déjà la qualité du mix puisque toutes les parties sont bien audibles, y compris la basse, ce qui est important dans le Doom. La voix, quant à elle se taille la part du lion en se faisant remarquer d’emblée, avec la réverbération qui lui donne de l’ampleur et lui permet de ne pas être étouffée par les instruments qui disposent du même effet ainsi que de saturation. 

On comprend assez vite pourquoi ce morceau a été choisi comme introduction à l’album : avec son tempo médium, il n’est pas frénétique mais assez rapide pour nous prendre à son jeu et la basse en croches nous donne un repère auquel s’accrocher tout du long. Peut-être est-ce en hommage aux années 80s et au Post-Punk qui y a prospéré que la basse est si présente mais c’est un leitmotiv que nous retrouverons tout au long de l’album. Mon seul regret dans cet album est la présence si tôt d’un solo de guitare qui brise l’immersion que le morceau a créé et le travail d’ambiance entamé par The Spin. 

On renoue avec les atmosphères de l’album précédent avec “At Races” dont les influences Southern Rock rappellent Close. Cela permet de bien saisir le groove du morceau, porté là encore par la basse, si bien que la guitare ne semble venir qu’en agrément pour ajouter un peu de tension. Cette tension vient aussi du chant, qui est assez souvent harmonisé, ce qui fait que la ligne mélodique semble, pour ainsi dire, “floutée”. 

Enfin, quand le groove s’arrête, c’est pour un retour à un Doom plus “classique” qui ajoute certes de la lourdeur au morceau mais qui ne le rend pas étouffant pour autant. Ces passages Doom sont bien exploités comme des moments de transition et de pause pour travailler l’ambiance du morceau, comme des moments contemplatifs qui nous laissent le temps de souffler.

Ces éléments de Rock américain continuent sur “Fire on the Roof”, mais s’y ajoute le synthétiseur qu’on a entendu en début d’album. Le morceau reprend tous les codes de The Spin, avec un accent sur les contrastes entre des passages épurés et le lourd refrain “Fire on the Roof” chanté en aigu par Sara Bianchin, ce qui lui offre de bien trancher dans la saturation de la guitare et de la basse. On entend également sa voix de tête qui lui permet d’aller chercher des notes plus hautes.

Mais le morceau qui met peut-être le plus en avant ce chant est “Immolation”, morceau de transition pour ce milieu d’album puisqu’il se fait au piano et au chant. Avec le clavier en arpèges et de belles progressions vocales, ce quatrième moment est sans aucun doute le plus lyrique de tout l’album. On constate aussi la capacité de Sara d’alterner entre une voix sombre et une autre plus lumineuse. Il en ressort toujours une certaine chaleur grâce au grain du morceau qui n’est pas sans rappeler les vinyles que l’album met volontairement en avant. Ceux-ci sont un symbole des années 80s auxquelles l’album rend hommage, par son titre mais aussi par les influences qu’il disperse tout au long de ses pistes.

Ce n’est pas “The Dress” qui prouverait le contraire : à tous ces tropes, le morceau ajoute un magnifique solo de trompette qui rappelle le Jazz sombre des années 80s. Mais on n’est pas non plus dans le pur rétro, puisque de ce solo naissent des blastbeats et une ambiance bien plus fournie qui montre que Messa a encore un pied dans le Metal extrême. Mais surtout, contrairement à “Thicher Blood”, ce solo n’est pas kitch parce que l’album a eu le temps de développer ses atmosphères et que le solo mène quelque part, il n’est pas gratuit dans l’économie du morceau. 

Ces influences Metal restent présentes dans “Reveal” qui, passé son intro’ chaotique, retrouve le chemin du Metal grâce aux guitares saturées et aux blastbeats. Le morceau demeure, dans l’ensemble, semblable au reste de l’album, à l’exception de son solo de fin qui reprend la guitare chaotique du début - ce qui, très sincèrement, ne me convainc pas. 

Fort heureusement, c’est le très bon “Thicker Blood” qui vient clore The Spin. Très bon car il apporte une nouvelle influence des années 80s : la musique gothique et ses nappes de synthétiseur qui durent une éternité, avec un léger vibrato. Ce clavier sert à l’ambiance en déployant ses nappes assez chaudes pour une ambiance assez feutrée. Et comme dans “The Dress”, cela se marie bien à la basse saturée et aux murs de son que les instruments sont capables de créer. 

Avec presque 9 minutes, “Thicker Blood” est le morceau le plus long de l’album, et c’est une très bonne chose car Messa y prend le temps de bien finir l’album en ramassant tout ce que l’album réussit : le travail d’atmosphère, les influences 80s, le chant harmonisé, le Metal extrême - et ce jusque dans la voix de Sara que l’on entend enfin en chant saturé ! Sur une période plus courte, ces éléments auraient semblé un peu injustifiés, mais la possibilité de développer les atmosphères de créer des tensions et de les résoudre permet d’éviter un aspect “patchwork” et de passer d’une ambiance à une autre de manière assez fluide. 

Mon seul regret sur ce morceau est sa fin en fade out au tempo ralenti, que je trouve un peu paresseuse (encore que ! c’était monnaie courante dans les années quatre-vingt), mais qui est à mes yeux une opportunité manquée de boucler sur le sample d’introduction de l’album. À la fois pour rendre hommage aux albums concepts qui ont pullulé dans les années 80s mais aussi en hommage à l’ouroboros qui orne la pochette de The Spin. 

Mais si je me permets de pointer ces petits impairs, c’est parce que l’album n’en a pas de gros. C’est un très bon album, et sans doute le meilleur de Messa à ce jour. Tous•tes les musicien•ne•s sont présent•e•s au premier plan à un moment ou un autre, notamment grâce à ce mix réalisé avec brio et que dire de la voix de Sara Bianchin qui porte l’album du début jusqu’à la fin. On ne s’ennuie pas non plus grâce aux spécificités de chaque morceau et grâce aux innovations qui sont apportées dans chaque piste sans pour autant rompre les constructions d’ambiances. 

Après le bruit, le réconfort : Voici mon petit Top Heavy pour l'année 2025, durant laquelle on a eu pas mal de bonnes sorties dans le genre ! 10 groupes, dix albums, qui devraient vous ramener dans les années 80 (voire même 70). Et vous, c'est lesquels vos albums de Heavy de l'année 2025 ?

Le Top en vidéo :

Pour écouter des extraits des groupes, c'est par ici : https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz6A9QG8_A8e8yYCqEjN9cN4&si=4PwEBrp9e4pym8hD

Je le mentionnais dans la vidéo, le site du Rising Fest (avec Palantyr, Artillery, Uli Jon Roth, Ambush, etc.) : https://risingfest.com/

Au revoir, à bientôt.

Une belle soirée placée sous le signe du Shoegaze, du Post-Rock, du Blackgaze et du Doom...

Sarita Idalia (Shoegaze/Dream Pop, France)

Invitée par Faetooth, c'est donc Sarita Idalia qui ouvrait le bal avec une prestation en solo. Si jamais, elle sera accompagnée d'un batteur à son prochain concert au Chinois le 13 mai prochain.

Elle a donc pu nous présenter quelques chansons de ses précédents disques ainsi qu'une reprise de Sparklehouse, Heart of Darkness.

Cette chanteuse et musicienne américaine a pu nous envoûter dans son univers empreint de Shoegaze et de Dream Pop avec sa voix très aérienne. Une simplicité troublante qui n'a pas laissé le public indifférent.

Elle proposait d'ailleurs au merch, la dernière cassette de son album Life Eternal ainsi que quelques uns de ses dessins. Malheureusement, elle est partie avant la fin de la soirée, je n'ai donc pas pu en profiter...

Coltaine (Post-Rock/Blackgaze, Allemagne)

Petite découverte pour ma part, cette formation allemande de la Forêt-Noire m'était jusqu'ici totalement inconnue.

Et là encore, nous sommes partis dans un voyage exceptionnel. On était aisément emporté par les mélodies Post-Rock puis balancé aux quatre vents lorsque les moments Blackgaze apparaissaient.

Une belle musique bien contrastée comme il faut qui nous permettait de ne jamais nous ennuyer. Définitvement un groupe très intéressant à découvrir, surtout en concert où l'énergie qui règne sur scène avec sa chanteuse est très à propos.

Si jamais cela vous intéresse, le groupe retournera en France cet été au moins pour le Rock in Bourlon pour lequel il a déjà été annoncé.

Faetooth (Fairy-Doom, Etats-Unis)

Définitivement le plat de résistance ! Une petite entrée sur du Mozart, et nous voilà embarqués dans un concert tumultueux dont nous en sortirons qu'au rappel avant de ressortir sur un petit nuage après l'ultime morceau.

Après avoir découvert la bande au Roadburn Festival sur une des plus grandes scènes, j'étais impatient de voir ce qu'allait donner leur musique dans un club. J'avoue que cela était encore au-dessus de mes attentes, tellement que la proximité avec les artistes ainsi que le jeu de scène du groupe rendent l'expérience plus follle.

Les trois acolytes, Ari Bone, Jenna Garcia et Rah Kanan sont assez amusantes. Leur alchimie sur scène transpire véritablement : on les voit souvent se chercher, s'envoyer des regards, aller voir une autre camarade pendant un moment instrumental. Aucune ne joue dans son coin, elles jouent totalement ensemble ce qui apporte un aspect encore plus fascinant sur scène.

La soirée avait beau être enregistrée, à part un petit mot de la bassiste Jenna "Coucou maman, coucou papa", le groupe n'était pas trop bavard, mais n'en était pas moins généreux. Un véritable partage avec le public qui nous donne des frissons.

La setlist était d'ailleurs assez équilibrée entre les deux albums, même si les cinq premières chansons étaient les cinq premières de leur dernier album. Il fallait donc attendre un peu avant de (re)découvrir un peu plus leur premier album, Remnants of the Vessel. Par contre, si vous aviez adoré Labyrinthine, vous étiez aux anges dès le début.

Bref, un moment suspendu qui nous ensorcele et qui nous fait dire : vivement la prochaine fois !

Beau temps, n'est-ce pas ? J'ai aperçu un boug en ville, il avait un Tee-shirt Bathory... Je ne pouvais pas passer à côté et ne pas vous parler de l'album le plus culte de ce projet incroyable: Blood Fire Death.

Alors oui, comme toujours, je ne peux que vous conseiller d'aller écouter ce podcast sur votre plateforme préféré, que ce soit Apple Podcast, Amazon Music, Audible, Deezer ou encore Spotify.

Sources utilisées :

Livres:

Black Metal: Evolution of the Cult - Dayal Patterson 2013 

Lords of Chaos - Michael Moynihan et Didrik Soderlind 1998 (chapitres sur Bathory et la perception de l’album Blood Fire Death a sa sortie)

Interviews:

https://www.deathmetal.org/interview/quorthon-bathory/

https://www.anus.com/metal/about/interviews/quorthon/

(ce n'est pas une blague, promis)

liens:

https://en.wikipedia.org/wiki/Blood_Fire_Death

https://www.spirit-of-metal.com/fr/album/Blood_Fire_Death/1496

https://www.deathmetal.org/news/bathory-blood-fire-death/

https://www.thrashocore.com/chroniques/chronique/3294-bathory-blood-fire-death-1988-chronique.html

Reddit/bathory et Reddit/BloodFireDeath

Paleface Swiss

Stick To Your Guns

On vous propose de (re) découvrir ce moment suspendu à travers nos photos :

Crimson Effect (Post-Punk, FR)

La soirée a débuté avec le trio rémois Crimson Effect. Un projet plutôt typé Post-Punk lorgnant sur la Cold Wave chanté en anglais.

Un projet un peu surprenant à découvrir avant les Wampas, mais la musique fait mouche, le groupe est énergique, la lumière les met bien en valeur. Bref, un bon petit cocktail pour mettre doucement en jambe le public rémois.

Les Wampas (Punk Rock, FR)

Ça y est, c'est l'heure : le groupe entre sur scène sur "L’amour est un bouquet de violettes" de Luis Mariano. Est-ce la proximité avec la Saint-Valentin qui a dicté cette musique d'ouverture ?

Pas le temps de se poser de questions, que le quintet est déjà parti pour nous enchaîner plein de titres !

Pour les personnes voulant découvrir le nouvel album, c'est réussi : ce n'est pas moins de 6 nouveaux morceaux que nous pourrons découvrir sur scène !

Pour le reste, pas de grands changements, les rituels entre l'infatigatible roadie "Monsieur Pinto" qui vient aider Didier à changer d'instruments, un public de tous les âges et la foule qui scande "Didier Wampas est le roi !", nous voilà dans nos petites habitudes confortables. Malgré sa volonté de changer un peu les choses, Didier n'a pas pu s'empêcher de faire monter une enfant pour demander quel jour nous étions pour lancer le fameux titre "Ce soir, C'est Noël".

Bien qu'elle n'ait pas réussi à répondre à la question, elle n'a pas hésité à demander en cadeau le premier album de Sugar Tiger ainsi qu'à assister au mariage de Didier Wampas et de sa femme. Une proposition qui a bien surpris tout le monde, Didier en premier, qui n'a pas hésité à accepter cette requête. À voir maintenant, si c'est bien prévu dans leur agenda.

Bref, une belle soirée placée sous le signe de la bonne humeur qui ne pouvait que faire du bien après ce weekend pluvieux ...

Lorna Shore

WhiteChapel

Shadow Of Intent

Humanity's Last Breath

Un samedi comme tant d'autres, gris, les routes sont saturées de voitures à l'arrêt, ah oui, les départs en vacances ... Et c'est aussi la Saint-Valentin. Peut-être que comme moi, vous êtes coincés sur la route des vacances dans cet embouteillage interminable, entouré d'inconnus pressés, fatigués et définitivement désabusés.

Le genre de moment dont on se passerait, on se dirige vers les sorties musicales pour se changer les idées et bonne nouvelle :

Converge est de retour.

Mauvaise nouvelle : Converge est de retour.

Après près de 9 ans sans véritable album, le quatuor de Boston livre un disque fidèle à sa réputation : court, dense et violent mais jamais gratuit ni simpliste.

Jacob Bannon au chant, Kurt Ballou à la guitare, Nate Newton à la basse et Ben Koller à la batterie, le groupe reste donc inchangé depuis 1999 et nous livre 10 titres :

• Love Is Not Enough
• Bad Faith
• Distract and Divide
• To Feel Something
• Beyond Repair
• Amon Amok
• Force Meets Presence
• Gilded Cage
• Make Me Forget You
• We Were Never The Same

Dès son ouverture, son morceau titre, Converge nous pose le décor "Love is not enough"/"l'amour ne suffit pas". Tout est dit. Pas de romantisme naïf, seulement la lucidité d'un monde qui écrase ce qu'il prétend chérir.

Musicalement, Love is Not Enough nous baigne de riffs exceptionnels, Bad Faith, Force Meets Presence ou Amon Amok rappellent à quel point Kurt Ballou n'a pas perdu de son talent à façonner des riffs tranchants, instables et presque physiques.

Chaque morceau construit une tension d'ensemble, telle une colère contenue et nerveuse, qui s'accentue au fil de l'album.

La section rythmique, implacable, maintenant cette pression constante en refusant toute concession, nous refusant ainsi tout échappatoire ou lueur d'espoir.

Mais il serait trop simple de limiter cet album a une simple rage brute/frontale(?) tant l'album est traversé d'ambiances oppressantes, Beyond Repair et Gilded Cage en sont des exemples frappants, des titres étouffants emplis d'une douleur intérieure qui n'explose pas. "This gilded cage is all we know"/"Cette cage dorée est tout ce que nous connaissons", au delà de la brutalité c'est d'enfermement émotionnel, relationnel et sociétal dont nous parle Jacob Bannon, des schémas dont on ne peut s'extraire facilement.

Enregistré et mixé au God City Studio par Ballou lui-même, l'album conserve ce son cru et organique signature du groupe. Rien n'est adouci ou poli, rien n'est rassurant même lors des rares moments plus lents et introspectifs comme Beyond Repair. Ce n'est pas un répit mais plutôt un malaise ... Une pluie fine et sale qui s'infiltre.

L'album arrive à sa fin et nous laisse une frustration difficile à ignorer : l'album est peut-être trop court. À peine plus d'une trentaine de minutes, et une conclusion qui manque d'un véritable coup de grâce. We Were Never The Same ferme le disque honnêtement mais sans être ce morceau final capable de laisser une marque durable. "Nous n'avons plus jamais été les mêmes", on ressent la justesse du propos mais surtout cette envie d'aller plus loin, d'avoir une dernière claque, un vertige supplémentaire, un point final.

Mais malgré cela, il ne faut pas oublier que Converge nous livre un excellent album, sombre, lucide et parfaitement adapté à ce samedi de Saint-Valentin pluvieux. Le groupe ne nous livre pas de faux espoirs et son message est là : l'amour est nécessaire mais pas suffisant. Et parfois, coincé sur la route, dans les embouteillages, c'est exactement ce qu'on a besoin d'entendre.

Aujourd'hui, pour fêter la Saint-Valentin, ce sera vachement moins audible. Mes respects à toutes les personnes qui subissent les lubies musicales de leurs partenaires (et notamment à ma femme).

Pour la peine, voici une petite sélection de 8 albums parus en 2025 issus des microcosmes Noise, Drone, Ambient, Indus, et souvent un peu de tout ça à la fois. J'espère que vous aimez les bruits de chantier ! N'hésitez pas à partager vos découvertes dans le genre en commentaire de la vidéo !

La vidéo :

Et pour écouter des extraits de tout ça, c'est par ici :

https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz7efrI0ZrZInWchyyTbTEF3&si=jzENLI6hw1qfwA2B

Au revoir, à bientôt.

Le groupe italien de doom/black metal, acclamé au Roadburn 2025, sera accompagné des Français de Witchorious (Argonauta Records).

Ponte del Diavolo (Italie - Doom / Black Metal, Season of Mist)

Né à Turin en 2020, Ponte del Diavolo s’impose avec une signature rare : doom/black metal occulte porté par une double basse, une batterie abrasive et la voix incantatoire d’Erba del Diavolo. Signé chez Season of Mist, le quintet a sorti son premier album Fire Blades from the Tomb en février 2024, acclamé par la presse spécialisée et lors de leur passage au Roadburn Festival 2025. Sur scène, leur mélange de noirceur old-school et de modernité crée une atmosphère aussi envoûtante qu’implacable.

Witchorious (France - Doom Metal, Argonauta Records)

Originaire de Chelles (77), Witchorious délivre un doom sombre et enragé, puisant dans Black Sabbath, Amenra ou Electric Wizard. Le trio a sorti son premier album en février 2024 via Argonauta Records, et s’impose déjà sur les scènes majeures (Hellfest, DesertFest, Westill) et en Europe. En concert, leur fuzz épais et leurs chants habités invoquent la Sorcière, figure centrale et magnétique de leur univers.

Cette semaine c'est moi qui régale, que diriez-vous d'un délicieux album de Slayer ?

Et évidemment, n'hésitez pas à aller nous écouter sur la plateforme de votre choix puisque le podcast est disponible sur Apple Podcast, Amazon music, Audible, Deezer et Spotify.

Sources utilisées:

https://en.wikipedia.org/wiki/Reign_in_Blood

https://en.wikipedia.org/wiki/Raining_Blood

https://www.youtube.com/watch?v=FAe37_YUaCk

https://blabbermouth.net/news/dave-lombardo-reflects-on-making-of-slayers-classic-song-raining-blood-jeff-hannemans-demo-blew-us-away

https://metalinjection.net/interviews/dave-lombardo-on-35-years-of-slayers-reign-in-blood-i-look-at-that-album-as-a-masterpiece

https://blabbermouth.net/news/rick-rubin-reflects-on-his-work-on-slayers-reign-in-blood-i-wanted-to-hear-the-precise-tightness-of-the-music

https://www.metalzone.fr/chroniques/226226-reign-in-blood-album-reference-slayer/

A cette occasion, la soirée a été ouverte par le groupe TV Sundaze.

TV Sundaze (Garage Rock - Fr)

Ne m'étant pas renseigné au préalable, j'étais très curieux de voir de quelle manière nous allions être accueillis ce soir-là. TV Sundaze est un groupe qui propose un Rock au sens large, bourré d'énergie et entraînant comme il faut.

Un parfait échauffement avant un groupe de Post-Punk dansant, par exemple.

Les deux voix se mêlent parfaitement, on se laisse accrocher par les mélodies, surtout par celle du dernier morceau presque psychédélique, parfait pour finir en apothéose ! L'aspect majoritairement instrumental, couplé à une belle montée en puissance d'un riff bien groovy nous a vraiment laissé sur une excellente note ! Surtout que ce morceau détonne par rapport au reste de la setlist composée majoritairement de titres courts et chantés.

Nastyjoe (Post-Punk - Fr)

Quelle patate : le groupe était en feu et le public aussi ! Petite mention spéciale à la personne qui a ramené de Disneyland Paris sa machine à bulles pour égayer le pit pendant une bonne partie de la soirée !

Les morceaux étaient efficaces, les arrangements joués sur bandes, bref on a mangé du très bon Rock toute la soirée !

Le groupe n'a pas pu s'empêcher de marquer sa joie de jouer dans une salle quasi pleine, surtout à Paris pour un groupe bordelais venant de sortir son premier album. Il pouvait d'ailleurs compter sur le groupe chest. caché dans le public (et derrière la console de son) pour les soutenir !

Leur ami et producteur de l'album, Baptiste Leroy, est même monté sur scène le temps d'un morceau pour les accompagner à la guitare ! Et contrairement a ce qui a été dit, il n'était pas venu pour une reprise de Christophe Maé. Même si ça aurait pu, puisque le concert s'est conclu par une chanson de Soft Play (ex-Slaves) pour les parents du chanteur qui étaient présents ce soir.

Quant à leur manager, Loïc, il n'a pas pu s'empêcher de slammer pendant les festivités. D'autant plus qu'étant le jour de son anniversaire, le public ne s'est pas fait prier pour pousser la chansonnette, sitôt informé.

Bref, entre la lumière, le son, l'ambiance sur scène et dans le public, tous les ingrédients ont été réunis pour passer une excellente soirée placée sous le signe de la bonne humeur !

Aujourd'hui, j'ai une folle envie de vous parler de Power Metal ! Il faut dire que 2025 a été une année riche pour le genre. Tant et si bien que je vous propose un TOP 18 ! Dites-moi quels groupes dans le genre vous avez découverts récemment, on en discute en commentaire !

Pour écouter les groupes dont je parle, c'est ici : https://www.youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz65CCqpGEEf20nNPCsTVJnN

Et pour voir la vidéo du TOP 18 POWER METAL 2025, c'est ici :

Au revoir, à bientôt.

Lisen Rylander Löve (Experimental/Jazz - Suède)

Pour commencer en douceur, la saxophoniste Lisen Rylander Löve a pu nous proposer pendant une trentaine de minutes un aperçu de son répertoire. De la musique expérimentale basée sur un saxophone, des boucles, des pédales d'effets, un clavier, une kalimba ainsi qu'un combiné téléphonique. Un mélange singulier entre Jazz, Musique improvisée et Shoegaze de quoi nous entrainer dans un moment suspendu où tout était possible.

Anna von Hausswolff (Alternative - Suède)

Et ainsi commença un magnifique récital composé de la quasi-totalité du dernier album, ainsi que deux morceaux de Dead Magic et un seul de Ceremony. Toutefois, pas un signe d'Otis Sandsjö au saxophone ou à la clarinette, mais celle de la première partie Lisen Rylander Löve !

Il faut dire que les instruments de la famille des bois jouent une place prépondérante et fondatrice dans Iconoclasts, il aurait donc été dommage de manquer ça !

Le concert était magistral, une leçon d'intensité et de maitrise délivrée par un groupe à l'alchimie puissante ! La présence sur scène d'Anna von Hausswolff était carrément magnétique, tellement elle arrivait à capter notre attention tout du long. Et ce n'est pas les rares moments où elle est venue chanter en devant de scène qui nous ont prouvé le contraire !

Le concert a duré plus d'une heure, et on aurait pu presque en vouloir davantage tellement la performance était électrisante. Les frissons et l'émerveillement étaient au rendez-vous tout du long !

D'autant plus que le petit frère de la chanteuse était sur place ce soir-là... Bref, une soirée toute en émotions que l'on rêve encore.

C'est l'heure du TOP GRIND, avec des blast beats, des blast beats, et des blast beats. Et des albums de 9 minutes. Et des morceaux de 45 secondes.
Bref, j'espère que ça vous plaira ! Parlez-moi de vos sorties Grindcore de 2025 dans les commentaires !

La vidéo ici :

Pour écouter des extraits des albums que je mentionne, c'est par ici :
https://www.youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz7Ln5RIFjqd_GY64rJ763KZ

Au revoir, à bientôt.

Sources utilisées:

https://en.wikipedia.org/wiki/Jar_of_Flies

https://www.classicrockreview.com/2014/05/1994-alice-in-chains-jar/

https://en.wikipedia.org/wiki/Nutshell_(song)

https://en.wikipedia.org/wiki/No_Excuses_(Alice_in_Chains_song)

https://en.wikipedia.org/wiki/I_Stay_Away

https://90theoriginal.com/blogs/blog/alice-in-chains-jar-of-flies-a-landmark-of-acoustic-brilliance

données du billboard 200 history

https://www.vnylconfessions.com/products/jar-of-flies-extended-play-alice-in-chains

Pour écouter quelques extraits des albums dont je parle, c'est ici :
https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz7DfXv7X-6G4zelh_u5zJ7j&si=jV82OAGgGCVGXZNz

Au revoir, à bientôt !

Blanket, à force de navigation entre leur shoegaze massif, leur post-rock aérien et une lourde influence du post-metal, a su se tailler une place au sein de la scène underground britannique. 

True Blue, le quatrième album du quatuor originaire du nord-ouest de l’Angleterre, est un disque cohérent, dense et émotionnellement maîtrisé, confirmant l’évolution du groupe ces dernières années.

Bobby Pook, au chant et à la guitare, incarne l’art mélodique du groupe : sa voix, souvent noyée dans une reverb omniprésente, agit comme un instrument à part entière, se fondant dans les nappes sonores au lieu de les dominer. À ses côtés, Simon Morgan appuie l’architecture des morceaux avec une seconde guitare épaississant les textures, voyageant entre murs saturés et passages aériens. La section rythmique n’est pas en reste, constituée d’Ash Betton à la basse et de Lucas Fletcher à la batterie, elle apporte une solidité et une profondeur essentielles, la basse agissant comme un repère alors que la batterie alterne entre douceur et montées en puissance.

The Swallows Reflecting In The Water ouvre l’album sur un introduction atmosphérique installant une sensation de flottement. Le groupe misant sur une construction progressive plutôt que l’impact électrique direct. Hole In My Head et Levitate développent ensuite cette tension hypnotique, entre riffs lourds et mélodies perdues dans l'écho, rappelant les sons de formations post-metal modernes, choisissant la contemplation plutôt que l’agression.

True Blue, se démarque par un sens de l’équilibre. Huit titres qui s'enchaînent avec fluidité, sans rupture brutale et donnant une dimension narrative au son de l’album. Deux collaborations viennent enrichir cette dynamique: Bind, avec la participation de Thomas Davenport du groupe Wayside, qui fournit une variation vocale subtile, tandis que Summer Skin, avec la voix de Lynsey Ward du groupe Exploring Birdsong, nous apporte une lumière presque fragile au cœur de cet ensemble introspectif.

Au contraire, Leaning on You ou encore Wallflower, transmettent parfaitement les émotions et parviennent à les faire durer, sans surenchère technique, avec des parties simples laissant les thèmes s’étirer dans le temps et s'immiscer en nous dans une forme d’hypnose sonore. Les paroles, volontairement en retrait, servent davantage d’écho que de support lyrique, renforçant cette impression d’effacement dans les murs de son.

Vient enfin la conclusion sur le titre éponyme, fidèle aux structures de l’album et mélangeant les idées, de la lourdeur, de la mélancolie et ce sentiment de beauté sombre qui fait partie de l’image du groupe.

Soyons d’accord, Blanket ne révolutionne pas le genre, ni ses codes, mais il livre un album sincère et abouti, un album qui nous immerge dans ses idées, ses sons ou encore ses sentiments. 

J’aime à croire qu’il pourra séduire tous les amateurs de shoegaze et les fans de post mais qu’il plaira aux grands sensibles des sons texturés et émotifs.

True Blue confirme la maturité artistique du groupe et s’impose comme une valeur sûre de la scène alternative, une chose est sûre: la Blanket est bonne.

Evidemment, l'épisode est disponible un peu partout: Audible, Apple Podcast, Amazon Music, Deezer et Spotify (j'en oublie certainement d'autres)

sources:

Classic albums (BBC), Metal.nightfall.fr, wikipedia et différentes interviews de Vic Maile, Taylor, Clarke et Lemmy.

Aces High: The Official Illustrated History.

Overkill: The Untold Story of Motörhead. de J. McIver

https://en.wikipedia.org/wiki/Ace_of_Spades_(album)

statistique de concert via setlift.fm

crédits photographique présent sur l’album

Rolling Stones Magazine article: “100 greatest metal albums of all time”

Archives Kerrang! pour la reception presse et la classification de l’album.

Pour rappel, le festival se déroulera à Colombier-Saugnieu (69) le 3 et 4 juillet prochain.

Il y a du lourd, voire même du très très lourd. J'espère que vous êtes prêt·e·s à encaisser les basses et la chaleur mais surtout à aller pogoter.

Pour rappel, en décembre ils avaient déjà annoncé les 12 premiers noms, à savoir :

Jour 1 :

• Imminence
• Queensrÿche
• Kanonenfieber
• Sierra Veins
• Calva Louise
• Goatfather

Jour 2 :

• Wind Rose
• Shaârghot
• The Browning
• Knuckle Head
• Heart Attack
• 111

Les "petits" nouveaux sont donc :

• Insomnium
• Smash Into Pieces
• Revnoir
• Psykup
• Imparfait
• Le groupe gagnant du tremplin

Si vous voulez d'ores et déjà écouter les groupes qui vont passer, n'hésitez pas à aller écouter la playlist officielle.

Et si vous n'avez pas encore pris votre place, c'est maintenant ou jamais via ce lien ! Car ce week-end il se vit, il ne se raconte pas ! Alors échauffez-vous les cervicales dès maintenant pour headbanger !

Aujourd'hui direction les années 90, avec un groupe de prog qui a marqué les mémoires: Dream Theater.

Le Podcast est évidemment disponible sur Deezer, Apple Podcast et Amazon Music.

Sources utilisées:

Magazines:

Interviews de John Petrucci Guitar World Magazine (plusieurs interviews de 1992 à 1995)

Rolling Stone magazine:

Dream Theater: Albums that defined Progressive Metal

Prog Magazine

Numéros spéciaux Dream Theater.

Interviews:

Interviews citées par David Prater dans Sound on Sound

Classic Tracks: Dream Theater – Pull Me Under

Lifting Shadows: The Authorized Biography of Dream Theater. par Rich Wilson

Internet:

https://en.wikipedia.org/wiki/Images_and_Words

https://en.wikipedia.org/wiki/Metropolis%E2%80%94Part_I

https://en.wikipedia.org/wiki/Pull_Me_Under

DreamTheaterForums.org

Reddit r/DreamTheater

Setlist.fm

Le 16 janvier 2026 sort le premier album du groupe bordelais Nastyjoe chez M2L Music et A tant rêver du roi. The House est donc le premier long format pour ce quatuor qui nous propose un beau voyage d’une trentaine de minutes avec quelques arrangements supplémentaires provenant de Baptiste Leroy qui a aussi enregistré et mixé le disque.

Le combo est constitué de :

• Robin Rauner : guitare et chant principal
• Bastien Blanc : guitare et chant
• Nicolas Acquaviva : basse
• François Garcia : batterie et chant

L’album se décompose comme suit :

• Strange Place
• The House
• Dog's Breakfast
• Worried For You
• Hole In The Picture
• Wire
• Things Unsaid pt. I
• Things Unsaid pt. II
• Blood in the Back
• Cold Outside

Ce qui frappera, ou non, lors de l’écoute du disque est la grosse influence Post-Punk et Cold-Wave qu’embrasse le groupe à bras-le-corps. Mais toujours avec cette finesse très dansante qui apporte un contraste assez poétique avec les paroles des différents titres. Car, comme vous pouvez l’imaginer, le groupe assimile aussi les thématiques des paroles transpirant donc la joie de vivre.

On aurait pu s’attendre à plus de froideur peut-être, mais les différents chants nous conteront plutôt des histoires douces amères. Ce qui est assez amusant, c’est que beaucoup des morceaux tournent autour du regard, du corps, des souvenirs …

En soit, des idées très personnelles, mais assez floues pour chambouler nos cinq sens et être suffisamment intrigantes pour laisser libre court à notre imagination.

Comme le dit très justement le dossier presse, l’album est “pensé comme une maison mentale [où on] explore chaque pièce comme un fragment de soi, entre mémoire, identité et chaos intérieur”. J’avoue que cela a de quoi nous tenter.

Les mélodies sont simples et accrocheuses, et le chant presque nonchalant sous quelques effets dont une bonne réverbération rend chaque composition très efficace. Il faut aussi dire que parfois les mots se répètent et rendent le tout plus facile à ancrer dans notre esprit.

En soit, rien de neuf vraiment sous le soleil du Post-Punk, et ça tombe bien, ce n’est pas forcément un point que l’on cherche à atteindre en écoutant ce genre de musique. On essaie de trouver un groupe aux mélodies captivantes capables de nous attirer malgré lui dans sa bulle.

Je crois qu’il vous paraît évident que j’ai apprécié l’album et vous aurez bien raison. Nastyjoe se fait tranquillement sa place dans la scène Post-Punk française et j’ai bien hâte de voir tout ça sur scène prochainement pour le découvrir plus intensément j’en suis sûr.

Si jamais le cœur vous en dit, voici leurs prochaines dates :

• 20.01.26 BISE FESTIVAL - NANTES (44)
• 31.01.26 FESTIVAL HIBERNAROCK - AURILLAC (15)
• 06.02.26 LA MAROQUINERIE - PARIS (75)
• 20.02.26 HORS PISTE FESTIVAL - ANNECY (74)
• 20.03.26 ROCK SCHOOL BARBEY - BORDEAUX (33) Release Party
• 07.05.26 FOCUS WALES - WREXHAM (UK)
• 08.05.26 FOCUS WALES - WREXHAM (UK)
• 27.06.26 FESTIVAL SKATEROCK - CHELLES (77)

Déjà, bonne année 2026 !

Comme promis, je commence l'année par ma série de tops 2025 par genre, et je démarre sur les chapeaux de roues avec un top Thrash ! J'veux pas trop vous spoiler mais il y a des groupes qui butent comme Deathhammer ou Sulfator dedans... Je vous laisse découvrir le reste dans la vidéo ! Parlez-moi en commentaire des albums de Thrash que j'ai ratés l'année passé !

La vidéo :

Voici une playlist pour écouter un peu de chaque album dont je parle :

https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz4je9ebMGpfNWz8IeLBizNJ&si=EWPABEsbn8qdrDC4

Au revoir, à bientôt.

Il y a 22 ans, Myles Kennedy (chant, guitare), Mark Tremonti (guitare, chant), Brian Marshall (basse) et Scott Phillips (batterie) ont formé Alter Bridge au croisement de différents chemins empruntés par ses membres.

Après 7 albums qui ont gravé leur statut de mastodonte du Hard-Rock, les voici de retour avec Alter Bridge. Un nom sobre qui n’est pas sans rappeler ABIII, qui résume parfaitement ces deux décennies. 

Le groupe est ici dans sa forme la plus aboutie : les riffs tranchent et se répondent, les morceaux s’ouvrent pour laisser planer des refrains qui respirent, les soli semblent défier la gravité et touchent juste à chaque note.

Pas de doute, cet album éponyme ne doit pas son nom à un manque d’inspiration, il est la somme de toutes les expériences passées.

Pour cet album, Alter Bridge a choisi une approche différente, rejoignant les studios mythiques 5150 d’Eddie Van Halen à Los Angeles. Une étape qui a insufflé à l’album un souffle et un challenge excitant, renforcé par la complicité de leur producteur de longue date Michael 'Elvis' Baskette et leur ami Wolfgang Van Halen avant de retourner en Floride pour finir d’écrire et d’enregistrer des morceaux qui sembleront à leur place dans un tout cohérent.

Alter Bridge:

1. Silent Divide
2. Rue The Day
3. Power Down
4. Trust In Me
5. Disregarded
6. Tested and Able
7. What Lies Within
8. Hang By A Thread
9. Scales Are Falling
10. Playing Aces
11. What Are You Waiting For
12. Slave To Master

Douze morceaux qui tels les douze travaux d’Hercules constituent ici une épopée à la fois épique et entrainante mais surtout d’une grande noirceur.

A travers des titres parlant de résilience face à l’adversité, on nous parle d’épreuves, de trahisons et de mensonges. Que ce soit dans Silent Divide, Disregarded ou Hang By A Thread, on se montre debout même quand tout semble contre nous, utilisant la musique comme exutoire pour s’exprimer que ce soit dans la colère, la douleur ou la frustration.

On nous parle aussi de maîtrise de soi et de sagesse avec des titres comme Rue the Day, Trust in Me ou encore What Are You Waiting For, prônant le contrôle de soi face à la malhonnêteté ou l’injustice. La colère n’est pas niée mais canalisée : l’intelligence plutôt que la violence.

L’album aborde aussi le courage et la détermination, prendre des risques, apprendre des ses échecs et continuer d’avancer malgré tout, comme dans Playing Aces et Tested and Able.

Mais c’est Slave to Master qui condense le mieux ces thèmes dans un épilogue épique.

Long d’un peu plus de 9 minutes, il est le morceau le plus long de la discographie du groupe. L’instrumentale est remplie de riffs puissants et de grooves saisissants, sa structure offre du contraste entre tension et relâchement, les passages plus calmes amènent à une explosion et celles-ci nous redirigent logiquement vers des passages plus aériens et doux.

Les soli sont notables, presque un hommage à Blackbird, Myles commence et, sous forme de réponse, Mark conclura celui-ci.

L’inspiration du morceau est universelle et personnelle, d’un côté la résistance face à la manipulation des foules, de l’autre, le regard sur les forces sociales et technologiques qui peuvent asservir l’homme, comme le suggère Myles, dans le dossier presse, avec ses références à l’IA et aux innovations militaires et politiques :

“As for the lyrics, I’m very interested in A.I. and what is happening with it. This isn’t going to end well if we don’t put guardrails on this technology. It’s like Terminator. It’s probably listening right now!”

Aboutissement d’un album dont les idées y convergent, on peut ressentir la tension dramatique, ce sentiment de catharsis, nous passons d’esclave à maître, et peu importe nos erreurs ou les obstacles, il est toujours possible de se relever et de reprendre le contrôle.

Mais au-delà des thèmes abordés, un point nous marque, la production est limpide, chaque instrument est mis en valeur sans perdre de puissance, deux guitares subtiles et distinctes, une basse brute, une batterie droite et propre et surtout une harmonie parfaite entre les voix de Kennedy et Tremonti. Pour un résultat qui frappe autant par sa clarté que par sa densité.

Enfin, derrière toute cette puissance et cette intensité, il y a un message positif.

Même les morceaux les plus sombres sont traversés par la lumière (Tested and Able est un parfait exemple). Alter Bridge transmet un message universel : la vie est remplie de défis et de mauvais moments, mais avec courage et maîtrise de soi, il est possible de transformer la douleur en force.

Pour cet article, nous reviendrons sur les albums studios sortis cette année. Le classement est bien sûr complètement subjectif et ne serra déjà plus valable à sa publication, mais bonnes découvertes !

Par ailleurs, certains projets jugés trop “Pop” ont été sortis de ce classement comme ceux de Luvcat, Auri, Cold Beaches, Vulfpeck ou même Couch. Certes, je suis très peu “Metal”, mais il y a parfois un peu de limite tout de même à mes partages…

La playlist Deezer est à retrouver ici.

144. Turnstile - Never Enough (Hardcore - États-Unis)

Première fois que je prenais véritablement le temps d’écouter un album de Turnstile. Never Enough mêle Hardcore et Disco d’une manière bien étrange. Parfois cela donne de véritables hits et parfois des morceaux un peu moyens. Bref, un album que je trouve assez inégal mais que j’aurai aimé avoir la chance de voir sous le regard du live entre l’énergie folle qui s’en dégage à chaque foi et la puissance de leur son. peut être qu’en 2026 j’aurai un autre regard sur ce dernier qui sait …

143. Mia Vita Violenta - A Matter of Perception (Post Hardcore - France)

Des morceaux variés empruntant la Noise, le Post-Rock, le Psychédélisme et le Post-Hardcore, Mia Vita Violenta nous propose un nouvel album très intéressant par les évolutions que renferment chacun de ses morceaux.

142. Yojimbo - Cycles (Post Rock / Psychédélique - France)

J’aime beaucoup cette scène du Stoner qui emprunte les envolées du Psychédélique ainsi que la puissance du Post-Rock pour nous faire voyager. Bienvenue donc dans projet “d’Intergalactic Stoner Rock” avec une voix féminine intéressante ainsi qu’une direction artistique très jolie.

141. Guiltless - Teeth to Sky (Sludge - États-Unis)

Vous aimez la lourdeur ? Guiltess est un supergroupe composé de membres de Intronaut, Generation of Vipers, A Storm of Light et Battle of Mice. Beaucoup de monde pour nous délivrer une musique écrasante. Leur premier album Teeth to Sky est un très bon rouleau compresseur qui nous laisse heureusement respirer de temps en temps.

140. Yarostan - III (Post-Hardcore - France)

Parfois le Sud de la France ne rime pas avec chaleur et soleil ; c’est bien ce que nous démontre ici Yarostan avec son Post-Hardcore sombre glacé. Ici, on prend du Black Atmosphérique, de la Cold-Wave, du Screamo et tout ce qui pourrait servir à créer des atmosphères mordantes et efficaces. Bien sûr, tout y est chanté en français.

139. Bruit Parasite - A Hundred Times (Doom Stoner - France)

Du Doom Stoner ce qui a de plus efficace, voilà ce que nous propose ce groupe Dijonnais. A Hundred Times est un album massif mais passionnant à découvrir, il faut dire aussi que les multiples voix qui nous accompagnent tout du long sont un remède efficace pour nous accrocher.

138. Last train - III (Rock - France)

Depuis quelques années, je regarde au loin l’évolution de Last Train et je suis retombé dessus il y a quelque temps pour leur collaboration avec l’Orchestre Symphonique de Mulhouse en 2024. Une prestation magnifique qui m’a décidé à écouter de manière plus concentrée leur prochain album. On est pourtant bien loin de musiques “classiques”, mais d’un Rock riche et varié terriblement envoûtant.

137. TOU - Foscor (Rock Psychédélique - Espagne)

Du Rock bien captivant chanté en espagnol de quoi nous faire voyager bien loin. Si j’en crois le dossier presse, le groupe a assez évolué avec les années selon les envies de son créateur Albert Segura, donc je ne saurai vous conseiller d'écouter le reste si vous tombez sous le charme.

136. The Discussion - All The Pretty Flowers (New Wave - États-Unis)

Le projet alternatif de la chanteuse guitariste de Kylesa, The Discussion est son aspect plus éthéré. En effet, All The Pretty Flowers est un album puisant dans le Post-Punk, la New-Wave et le Rock Gothique, de quoi nous promettre une bien belle pause nostalgique.

135. Thornhill - BODIES (Metal Alternatif - Australie)

Groupe de Metal Alternatif avec quelques aspects Metalcore et Groovy qui leur a valu d’ouvrir pour la tournée de Sleep Token dans leur pays. De quoi remettre sur le devant de la scène ce groupe aux compositions accrocheuses si toutefois vous aimez le Metal dit Moderne.

134. Hotel Lux - The Bitter Cup (Pub Rock - Royaume-Uni)

Après les avoir vus quelques fois à Reims, j’ai une certaine affection pour leur musique. Une sorte de Pub Rock avec un petit côté Post-Punk avec un chanteur qui semble toujours sous le coup de l’alcool. Un très bon album que je trouve un peu en dessous de son prédécesseur, mais qui renferme de très bons morceaux malgré tout.

133. Moonlight Haze - Beyond (Metal Melodique - Italie)

J’avoue que d’année en année, j’accroche un peu moins aux nouvelles propositions de Moonlight Haze. Peut-être est-ce dû aussi que mes goûts évoluent aussi pour délaisser petit à petit ce genre de Metal ?

En tout cas, Moonlight Haze reste ma petite madeleine de Proust qui me permet de me rappeler le temps où j’aimais le groupe italien Temperance et j’avoue de voir Chiara continuer à chanter en italien sur au moins un morceau par album me remplir de joie.

132. Eden Circus - Irrlicht (Metal Progressif - Allemagne)

10 ans après leur précédent album, Eden Circus reviennent avec un nouvel album. Je ne vais pas vous faire croire que je l’attendais spécialement, vu que j’ai découvert le projet avec cet album. Ainsi, pas de comparaison possible avec leurs anciennes musiques, mais on est sur du Progressif Allemand typique de celui influencé par le Post-Rock. Je ne pouvais donc pas passer à côté !

131. Moreish Idols - All in the Game (Post-Punk - Royaume-Uni)

Du Post-Punk anglais bien nostalgique comme il faut avec quelques sonorités Folk par-ci par-là, de quoi nous accompagner parfaitement lors de nos balades en voiture.

130. Cloakroom - Last Leg of the Human Table (Shoegaze - États-Unis)

Du Shoegaze assez classique qui vous rappellera certainement une flopée d’autres projets du genre. Mais je ne sais pas, l’album étant tellement hétéroclite que je m’ennuie jamais avec lui.

129. The Cindys - The Cindys (Indie Rock - Royaume-Uni)

Découvert en première partie de shame à Reims, je ne pensais pas que je m'attarderais spécialement sur le groupe après tout tellement que leur musique était “tranquille” et me rappelait le Rock Anglais classique. Mais le hasard faisant, l’album m’a quand même accompagné quelque temps sur le reste de l’année.

128. Ménades - Sur Leurs Cendres (Punk - France)

Parfois, une pochette intrigante vous permet de découvrir un projet tout aussi intrigant. On est sur du Punk Féministe, tantôt chanté en anglais, tantôt chanté en français, tantôt typé Cold-Wave tantôt Punk à l’ancienne. Bref, c’est fascinant.

127. Dropkick Murphys - For the People (Punk - États-Unis)

Depuis le départ du chanteur principal pour partir au chevet de sa mère, le groupe avait continué les tournées avec un line-up quelque peu remanié et des albums Folk pour nous faire patienter. For The People est le premier album étiqueté Punk Celtique depuis quelques années et, même si ce n’est pas leur meilleur, cela fait du bien d’entendre de nouveaux morceaux originaux.

126. Bloodywood - Nu Delhi (Nu Metal - Inde)

Groupe de Nu Metal Indien ayant bien percé il y a quelques années, embrassent une production bien moderne avec toujours la même recette : passages rappés, percussions indiennes, refrains essentiellement en chant traditionnel … Bref, c’est toujours efficace et ça se dévore toujours avec plaisir !

C’est d’ailleurs pour cet album qu’ils ont pu tourner quelques fois en Europe, mais encore une fois j’ai raté ça …

125. Blackbriar - A Thousand Little Deaths (Metal Symphonique - Pays-Bas)

A force de tomber sur groupe à chaque live Twitch du dimanche, je me suis décidé à aller les voir au Motocultor Festival avant la sortie de leur album. Le concert était très chouette et c’est donc avec grand plaisir que je suis allé écouter A Thousand Little Deaths à mon retour. Toutefois, je l’ai malheureusement trouvé un brin inégal dans sa répartition, dans le sens où tous les morceaux n’arrivaient pas à me happer.

124. Chevelle - Bright as Blasphemy (Metal Alternatif - États-Unis)

Après avoir poncé dans tous les sens NIRATIAS en 2021, j’étais plus qu’heureux de découvrir un nouvel album de la part des deux frères. Peut-être que mes attentes étaient bien trop hautes pour le savourer à sa juste valeur, mais Bright as Blasphemy m’a bien moins marqué que son prédécesseur. On reste toutefois sur de la musique efficace entre les riffs bien acérés et le chant bien mémorable de Pete Loeffler.

123. Chokecherry - Ripe Fruit Rots and Falls (Shoegaze - États-Unis)

Si leur EP Messy Star m’avait mis une véritable claque en 2024, j’étais très impatient de découvrir ce qu’allait nous proposer ce trio. Bien que le groupe semble s’être éloigné de l’efficacité du Grunge pour se rapprocher davantage du côté éthéré du Shoegaze, Ripe Fruit Rots and Falls semble moins marquant. Toutefois, ce n’est pas parce que leur musique est devenue plus paisible qu’elle en devient forcément moins envoutante.

122. FACS - Wish Defense (Post-Punk - États-Unis)

Encore une pochette bien étrange qui a réussi à attirer mon regard. C’est donc avec une grande curiosité que je me suis plongé dans ce Post-Punk Américain bien savoureux. Malheureusement, je n'arrive pas à accrocher à tous les morceaux, mais Wish Defense et indubitablement un album incroyable.

121. thisquietarmy x Otay:onii - Serpents and Shallows (Experimental - Canada/Chine)

J’avoue que j’étais passé un peu à côté de cette sortie studio, mais j’en ai profité de la date parisienne du duo pour découvrir cette collaboration entre le guitariste expérimental thisquietarmy et la chanteuse multi-instrumentiste Otay:Onii. Le concert était tellement intense que j'ai décidé d’aller le découvrir en studio après coup. Cependant, la magie du live n’étant pas dans mon salon, le disque avait quelque peu perdu de sa superbe …

120. Sure. - Destruction Of Form (Cold Wave - France)

J’aime beaucoup Pencey Sloe et quand j’ai vu qu’elle chantait sur le nouvel album de Sure., j’y suis allé les yeux fermés ! La collaboration était tellement incroyable que cela m’a décidé à découvrir le reste. Méfiez-vous tout du moins, les collaborations avec Pencey Sloe ou Fange, font un peu office d’ovnis dans cet album et peuvent altérer votre jugement si vous pensez qu’elles sont représentatives de l’album. Ainsi, pour bien vous perturber, j’ai décidé de mettre dans la playlist la collaboration avec Pencey Sloe.

119. Lunatic Soul - The World Under Unsun (Rock Progressif - Pologne)

Après un Through Shaded Woods incroyable en tout point de vue, j’avais hâte de découvrir le dernier album du concept “Lunatic Soul” ; un concept fascinant sur le cycle de la vie et de la mort dont l’ensemble de la discographie suit justement une histoire bien précise.

The World Under Unsun est un double album qui conclut un cycle composé de 6 autres albums et 1 EP commencé il y a 17 ans. Bien entendu que j’en attendais beaucoup de cet album qui fut pour moi juste un bon album, mais bien moins fascinant que ses précédents. Maintenant, mon rêve est de voir Mariusz Duda se produire sur scène pour en jouer quelques morceaux comme il l’a fait en Pologne.

118. Marathon - Fading Image (Post-Punk - Pays-Bas)

Du Post-Punk un brin mélancolique ? Bien sûr que je n’allais pas passer à côté ! Marathon nous propose le successeur de son EP éponyme sorti il y a deux ans et il n’y a pas photo c’est toujours aussi bon.

117. Green Carnation - A dark poem, pt I : The Shores of Melancholia (Metal Progressif - Norvège)

Ayant personnellement adoré leur dernier album Leaves of Yesteryear (2020), j’étais plus que curieux de voir ce que donnait la première partie de leur nouveau projet.

On retrouve tous les éléments que j’avais adoré à l’époque avec quelques touches de Black Metal, qui malheureusement m’ont perdues, plus à cause de mes goûts personnels que plus par manque de qualité.

116. Appalooza - The Emperor Of Loss (Stoner Rock - France)

Du bon Stoner Rock bien entraînant comme il faut, mais aussi une ballade acoustique pour conclure, voilà la promesse du nouveau Appalooza. Un pari bien réussi qui nous récompense aussi de leur vieux titre Matador remanié 10 ans après.

115. IQ - Dominion (Neo Prog - Allemagne)

Une légende allemande de retour avec un nouvel album. Bien que je n’ai pas pu être présent pour leur premier passage en France depuis de très longues années, j’étais bien décidé à me rattraper. Dominion est une très bonne réussite pour toute personne qui serait fan de Neo Prog !

114. Astronoid - Stargod (Post-Metal - États-Unis)

Une drôle de coïncidence veut que j’ai découvert ce groupe grâce à un ami quelques mois avant la sortie de leur dernier album. Bien loin de Radiant Bloom, Stargod épouse encore plus les racines progressives du combo pour délaisser un peu plus leur aspect Shoegaze. Un aspect un peu perturbant pour moi, n’ayant eu que Radiant Bloom en tête auparavant, mais l’album reste tout de même intéressant, même s’il risque de surprendre d’autres personnes pour ces raisons.

113. Viagra boys - viagr aboys (Post-Punk - Suède)

A force de voir certaines personnes en parler comme leur révélation du printemps, je n’ai pas pu m’empêcher de découvrir ce groupe barré de Post-Punk. Et grand bien m’en a fait, car Viagra Boys est définitivement un groupe que je surveillerai avec plus d’attention à l’avenir !

112. Baleine - II (Post-Bossa Nova - France)

Petite révélation de mon côté au Post in Paris 2024, Baleine a sorti en début d’année son deuxième album sobrement intitulé II. Si j’ai pu être un peu rebuté au début par le son. En vérité, je ne sais pas si le mix qui me perturbe autant, mais je trouve pas aisé de discerner les deux guitares ; peut-être que c’est voulu toutefois. En tout cas, si vous voulez écouter le mix entre du Post-Rock et de la Bossa Nova vous êtes au bon endroit !

111. Mission Jupiter - Aftermath (Rock Alternatif - Biélorussie)

Après un assez gros changement de line-up, la chanteuse et quelques musiciens ayant quitté le projet plus tôt, je ne pouvais qu’être dubitatif sur l’avenir du projet. Et pourtant, c’est avec grand sérieux que Mission Jupiter nous propose son nouveau disque Aftermath. Les personnes habituées à la précédente chanteuse seront sûrement un peu désarçonnées par le changement de chant, mais cela s’arrête là.

110. Abandons - Liminal Heart (Post-Rock - États-Unis)

Liminal Heart a eu le chic de sortir en tout début d’année et donc d'arriver avant les grosses sorties de l’année. Abandons propose, sans grande révolution, un Post-Rock lorgnant un peu sur le Post-Metal de quoi nous permettre de varier les plaisirs et les ambiances avec des riffs plus ou moins acérés.

109. Dayazell - Hypnos (Folk/Musique du monde - France)

Quartet toulousain puisant dans un répertoire de musiques anciennes pour les réarranger par la suite avec tout de même des instruments folkloriques plus ou moins anciens. Hypnos est leur troisième album et pioche des chansons de l'Espagne, l'Arménie, la Grèce, ou même la Turquie… Ce qui donne un album où se mêlent plusieurs langues, plusieurs siècles d’histoire, bref un recueil passionnant !

108. SOM - Let The Light In (Doom Pop - États-Unis)

Après la sortie d’un EP de reprises de Depeche Mode, il était temps pour SOM de sortir un nouvel album de compositions originales. Let The Light In propose une aventure musicale très riche de multiples influences de Rock ou de Metal contemporain, de quoi fasciner forcément toute personne amatrice de Doom, Rock Alternatif, de Shoegaze et de bien d’autres choses.

107. The BAPTIZED - Exilion (Stoner Rock - France)

Du Heavy Psych Rock pour les citer ! Exilion se veut un peu comme “un album dont vous êtes le héros”, un album instrumental captivant propice au voyage sous toutes ses formes. Même si ce dernier passera forcément à Lille à la Malterie …

106. Point Mort - Le point de non-retour (Postcore - France)

Après un très bon Pointless, Point Mort nous propose Le point de non-retour. Un album bien moins monolithique que son prédécesseur et beaucoup plus riche qu'on pouvait le supposer. On reste toutefois sur un registre assez extrême ou rageur, mais Point Mort prend ici le temps de brouiller les pistes avec subtilité pour savoir où nous mènera chacun de leurs morceaux.

105. Coach Party - Caramel (Grunge - Royaume-Uni)

Mais que pourrait donner un groupe de Grunge ayant un peu trop écouté de Post-Punk tel que le dernier Fontaines DC ? Et bien ça donnerait certainement Coach Party qui nous délivre ici un premier album bien plus captivant que leurs EP. Bref, ça déménage quand il faut.

104. Dead Pioneers - PO$T AMERICAN (Punk - États-Unis)

Un groupe de Punk américain qui nous propose sa propre vision de son pays. Le chanteur amérindien nous décrit évidemment tout son amour pour son pays dans une quinzaine de chansons acerbes.

103. Squid - Cowards (Post-Punk - Royaume-Uni)

Rois des expérimentations, Squid ne déroge pas à la règle avec son nouvel album Cowards. Le groupe y joue toujours autant d’instruments différents tout en invitant différentes personnes pour y ajouter encore plus de cordes ou de percussions étranges.

102. Spite House - Desertion (Post-Hardcore - Québec)

En 2022, leur album éponyme avait su me taper dans l'œil avec sa peinture, cette fois-ci Desertion m’a plus directement tapé dans les oreilles. On n’est pas devant la musique la plus originale dans ce registre, mais elle est terriblement efficace !

101. Grandma's Ashes - BRUXISM (Rock - France)

Après avoir été subjugué par un de leur concert il y a plusieurs années, j’étais grandement intéressé par BRUXISM. Et on peut dire que le trio n’a pas fait les choses à moitié en incorporant plein de nouvelles influences dans leur musique plutôt étiquetée comme du Stoner Prog habituellement. Ici, on est plutôt face à du Rock au sens très large avec même du chant saturé !

100. Grin - Acid Gods (Doom - Allemagne)

Un mélange terriblement efficace entre du Stoner Doom et du Sludge tout en étant relativement abordable. Bref, un véritable succès pour toute personne amatrice de riffs gras. D’autant plus que le groupe se compose d’un bassiste et du chanteur à la batterie.

99. saba sister - Just Punk Rock! (Punk Rock - Japon)

Un partage proposé par Hakim que j’ai pris le temps d’écouter comme c’était du Punk Rock chanté par des japonaises. Bien moins barré que certaines de ses compatriotes, saba sister nous propose au gré de leurs envie un Punk tantôt Pop, tantôt Rock, mais toujours chanté en japonais.

98. PLAIINS - Happy Faces (Rock Alternatif - Allemagne)

Du Rock Alternatif biberonné à du Post-Punk et du Hardcore ne peut qu’être intéressant. D’autant plus qu’Happy Faces se veut bien éclectique donc attention à bien tout écouter si vous ne voulez pas passez à côté d’un morceau plus percutant que les autres.

97. Pigs pigs pigs pigs pigs pigs pigs - Death Hilarious (Stoner Rock - Royaume-Uni)

Pigs x 7, c’est plus rapide à dire, se veut très Garage dans son nouvel album Death Hilarious. Préparez-vous à une avalanche de riffs plus accrocheurs les uns que les autres.

96. AVKRVST - Waving at the sky (Metal Progressif - Norvège)

Deux ans après leur premier album The Approbation, les Norvégiens semblent de plus en plus maîtres de son art en mêlant le meilleur du Progressif actuel avec une bonne atmosphère à la Opeth. Bref, de la tension, de la mélodie et jamais rien de lassant ou de soupe “trop moderne”.

95. Lost in a detail - Eyes On The Stars, Feet On The Ground (Post-Rock - Suisse)

Du Post-Rock joli et tranquille : un mix parfait pour les moments où l’on est d’humeur contemplative. Mais rassurez-vous, il y aura quand même quelques sursauts d’énergie qui vous tiendront éveillés pendant votre aventure.

94. Ethel Cain - Willoughby Tucker, I'll always love you (Dark Pop - États-Unis)

Deuxième album sorti en 2025 pour l’artiste Ethel Cain. On ne peut pas dire que cette année ne fut pas prolifique de son côté. On est d’ailleurs sur quelque chose d’aussi mélancolique que le premier opus cette année, mais certainement moins expérimental. Bref, deux facettes surprenantes de l’artiste qui mérite d’être écoutées. Willoughby Tucker, I'll always love you est néanmoins plus accessible que son prédécesseur.

93.Karmakanic - Transmutations (Rock Progressif - Suède)

Pour le coup, je ne m’attendais pas au retour du groupe Karmakanic cette année après quasi 10 ans après leur dernier album. Découvert il y a plusieurs années avec leurs premiers albums dans la discothèque de mon père, il fait du bien de réentendre leur univers après toutes ces années même si on ne peut pas nier que le groupe à bien évolué sur ces plus de 20 ans de carrière.

92. Hitsujibungaku - Don't Laugh it Off (Rock Alternatif - Japon)

Du J-Rock lorgnant sur de la Dream Pop a forcément de quoi attirer mon attention après avoir écouté du Math Rock asiatique pendant ces dernières années. J’avoue que je ne connaissais pas du tout ce projet, mais peut être que si vous aimez les animés les reconnaitrez-vous ? En effet, elles ont pu composer pour Secrets of the Silent Witch, Oshi no Ko, Jujutsu Kaisen, The Heike Story ou encore The House of the Lost on the Cape.

91. Kal-El - Astral Voyager, vol 1 (Metal Psychédélique - États-Unis)

Du Metal Psychédélique empreint de Doom et de Stoner a forcément de quoi nous happer dans un voyage onirique. Et ça tombe bien, la deuxième partie arrive en février 2026 !

90. Horsegirl - Phonetics On and On (Indie Rock - États-Unis)

De l’Indie Rock certainement un peu Pop accompagné par des violons, synthés ou de gamelan. Un album certainement moins Noise que le précédent, mais qui a son petit charme dans sa simplicité.

89. Do it later - Feeling Spent (Punk Rock - France)

Imaginez le groupe Totorro se mettre au chant et soudainement se mettre à composer du Punk Rock américain des années 90 pour s’amuser. Et bien, félicitations vous venez de tomber sur le projet Do it later ! Formé par des membres de Totorro, Mermonte et Burst One’s Side.

88. Stone From the Sky - Bakeneko (Stoner Rock - France)

Me voilà retombé dans mes années d’études post-bac avec un groupe du Mans : Stone From the Sky ! Le trio a su conserver toute sa puissance évocatrice avec son Stoner Rock lorgnant très fortement sur le Post-Rock. On voyage, c’est beau, bref on en redemande.

87. Steve von Till - Alone in a World of Wounds (Folk - États-Unis)

J'avoue que je ne connaissais pas le projet solo de l’ancien de Neurosis et ce n’est qu’au Roadburn que j’ai été subjugué par la simplicité de sa musique. Et pourtant on est facilement envouté par sa voix chaude et les quelques instruments qui l'accompagnent.

86. Jayle Jayle - After Alter (Dark Blues - États- Unis)

Un album bien singulier au sein de la discographie du projet puisqu’After After réunit plusieurs souvenirs et enregistrements de vieilles sessions d’enregistrement pour proposer “un parcours créatif cathartique vers de nouveaux territoires inconnus”.

Si là aussi vous aimez les voix chaudes, vous serez à nouveau servi.

85. kias. - Swatantra (Screamo - Malaisie)

Découvert grâce à la collaboration avec pas moins que le chanteur d’envy, je ne pouvais pas passer à côté du reste de l’album ! Ainsi, si vous voulez rester un peu plus longtemps pour découvrir le reste n'hésitez pas à découvrir ce projet Screamo tout droit de Malaisie.

84. shame - Cutthroat (Post Punk - Royaume-Uni)

J’avoue que l’album de shame m’avait laissé plus que perplexe à sa première écoute. Ce n’est qu’après les avoir vus en concert, que j’ai commencé à un peu plus accroché à ce groupe de Post-Punk anglais.

83. Sleep Token - Even in Arcadia (Metal/Pop - Royaume-Uni)

On ne pas dire que Sleep Token n’évolue pas ! Even in Arcadia est bien la preuve que le groupe anglais s’amuse toujours à apporter de multiples influences dans sa musique, même les plus incongrues. Poursuivant toujours sa quête quasi mystique, Sleep Token semble inarrêtable, du moins si vous accrochez à ce qui ressemble de plus en plus à du Metalcore alambiqué et FM. Une évolution bien entamée depuis Take Me Back to Eden, qui je l’avoue me perd un peu …

Mon avis plus construit est à lire dans notre chronique.

82. Stoned Jesus - Songs to Sun (Stoner Rock - Ukraine)

Dur de passer à côté d’un nouvel album de Stoned Jesus lorsqu’on aime un tant soit peu le Stoner depuis la sortie de leur album Seven Thunders Roar. J’avoue que j’étais loin de me douter que deux ans après Father Light, le combo allait nous proposer un aussi bon album de sitôt !

81. TVOD - Party Time (Post Punk - États- Unis)

Une pochette dessinée tape à l'œil de par ses étranges bonhommes, c’est l’heure de la fête avec ce Post-Punk bien dansant comme il faut ! On se dirait même parfois de retour à certaines sonorités anglaises des années 80 !

80. Sierra Veins - In the Name of Blood (Electro - France)

Adieu Sierra, bienvenue Sierra Veins ! L’artiste électro change de nom pour se rapprocher davantage à son identité propre. En sort un album très efficace et personnel où vous serez propulsé dans un univers futuriste à n’en point douter !

79. Jadu Heart - Post Heaven (Indie Rock - Royaume-Uni)

Il est quelque peu difficile de décrire la musique de Jadu Heart tellement que leur musique peut être évolutive et changeante, surtout en concert. Et on ne va pas se mentir non plus, cet album aussi est très changeant entre ses inspirations d'électro expérimentale ou de musiques alternatives.

78. Hemelbestormer - The Radiant Veil (Doom/Post-Metal - Belgique)

Un rouleau compresseur qui nous amène dans l’espace du Soleil (Usil) jusqu’à Saturne (Satre). Car oui, chaque morceau est le nom des planètes de notre système solaire en langue étrusque. Un concept bien singulier pour nous guider dans une aventure sonore fascinante.

77. Mogwai - The Bad Fire (Post-Rock - Royaume-Uni)

Mogwai fait partie de cette liste des grands noms du Post-Rock dont je n’avais pas encore pleinement embrassé leur musique. The Bad Fire m’a permis de corriger ce manquement de la plus belle des manières. D’autant plus que Mogwai ne propose pas un Post-Rock seulement mélancolique mais aussi à l’image de pg.lost ou d’autres, un Post-Rock dansant et entraînant.

76. Grumble Bee - And Restart (Rock Alternatif - Royaume-Uni)

Grumble Bee est le projet parallèle du chanteur actuel de Lonely The Brave. Une bonne excuse pour patienter le prochain album est donc de se plonger dans ce nouveau disque. And Restart est heureusement pour nous bien différent de ce que peut proposer Lonely The Brave avec des codes plus tournés vers la Pop ou le Metal Moderne. De quoi sensiblement intéresser les personnes amatrices de Metalcore.

75. Slung - In Ways (Rock Alternatif - Royaume-Uni)

Un Rock Alternatif lorgnant un peu sur le Grunge ou le Shoegaze avec une voix puissante. In Ways a de quoi convaincre avec des compositions léchées. Bref, une magnifique découverte que je me devais de vous partager.

74. nous étions une armée - mais le ciel est sublime (Spoken Word - France)

Un mélange étrange de poésie en français, d’électro, de Post-Rock formé par un unique duo. De quoi nous embarquer facilement dans un univers onirique.

73. EF - Give Me Beauty... Or Give Me Death (20th Anniversary) (Post-Rock - Suède)

Bon, avec cette édition anniversaire EF triche un peu, car ce n’est pas vraiment un nouvel album. Toutefois, cette édition est la refonte totale de leur album Give Me Beauty... Or Give Me Death à la sauce d’aujourd’hui. Ce qui entraîne quelques changements assez majeurs au disque d’origine. De mon côté, cela n’aura pas été dérangeant vu que je connaissais assez peu la version d’origine, mais je ne sais pas ce que peuvent en penser les fans de toujours.

72. Pain Magazine - Violent God (Electro/Post-Hardcore - France/États- Unis)

Une collaboration bien étrange que je n’avais pas vu venir : le groupe de Post-Hardcore Français Birds in Row avec le duo de techno franco-américain Maelstrom et Louisahhh. Une chanson qui a évolué en un seul album écrit en 16 jours. Après la collaboration fusionnelle avec Coilguns, on était en droit de s’interroger sur quoi nous allions embarquer ! Pain Magazine nous délivre un disque fascinant, eclectique et mystérieux qui me tarde de découvrir en concert en 2026.

71. Finally George - Painter (Rock Progressif - Allemagne)

Quatre ans après Icy Skies, le multi-instrumentiste Finally George est de retour avec un nouvel album et comme le précédent, nous découvrons un Rock Progressif riche et varié. Toujours aux frontières du Neo Prog avec quelques touches plus lumineuses, Painter est une très jolie toile qui fait du bien de retrouver !

70. Penelope Trappes - Æternum (Dark Ambient - Royaume-Uni)

Considéré comme un EP dû aux chansons un peu courtes le composant, Æternum est le “compagnon” de Requiem sorti plus tôt en 2025. Æternum se compose de 7 morceaux issus des sessions d’enregistrements ayant donné naissance à Requiem. Voyez le plus comme la version augmentée de Requiem qu’un véritable projet , mais il n'en reste pas moins passionnant et intense.

69. Matt Jencik & Midwife - Never Die (Heaven Metal - États-Unis)

L’album collaboratif entre deux êtres à la musique triste et tragique : Matt Jencik et Midwife. Never Die est un album puissant loin d’être joyeux vous vous en doutez mais qui s’avère assez intéressant à découvrir pour toutes les personnes aimant déjà la musique de Midwife ou les instrumentations Drone de Matt Jencik.

68. Hiroe - Wield (Post-Metal - États-Unis)

Après un excellent EP, Hiroe est de retour 3 ans après pour nous proposer son premier album. Un projet lourd, mais aussi parfois atmosphérique, bref rien de neuf par rapport à leur premier essai, si ce n’est la majesté que prend ce nouveau disque bien plus abouti.

67. Frum - Whirlpool / Íða (Ambient/Pop - Danemark)

Un double album un brin particulier puisqu’il s’avère du même album en deux langues différentes. La première face Whirlpool est chanté par Frum seule en anglais là où Íða sont les mêmes chansons chantées par différentes artistes des îles Féroés dans leur langue. J’avoue que de mon côté, je n’ai pris la peine d'écouter la version Íða puisque cette dernière accueillait la sœur d’Eivør, Elinborg, que j’adore.

66. Blackshape - Prismer I (Metal Progressif - États-Unis)

Comme Astronoid, Blackshape délaisse un peu son côté Post-Metal pour aller plus vers le Metal Progressif. Ainsi la recherche d’ambiances ou de sonorités sont quelque peu différentes, voire même désarçonnantes si on a adoré leur album éponyme de 2021. Pourtant Blackshape arrive à nous délivrer un album excellent qui me perturbe quant à leur avenir musical, mais c’est fascinant de voir qu’un groupe ne s’enferme pas dans un genre et puisse briller dans un autre style.

65. Gösta Berlings Saga - Forever Now (Rock Progressif - Suède)

Une aventure musicale palpitante, voici comment j’ai vécu Forever Now, une course effrénée pour un film de science-fiction jamais sorti ailleurs que dans mon esprit. Un mélange subtil entre musique de film et Rock Progressif instrumental en fait facilement un des albums les plus sympathiques à suivre en rêvant.

64. L.O.E - Chiaroscuro (Post-Rock - Royaume-Uni)

Chiaroscuro est le deuxième album des anglais “Last of Eden”. Après un incroyable The World & Everything In It, ils arrivent à reproduire l’exploit avec un album tout aussi accrocheur, mais avec cette fois deux titres plus longs que d’habitude (9 minutes environ). Car, le premier L.O.E avait pour habitude de proposer des morceaux de Post-Rock suffisants à eux-mêmes en moins de 6 minutes. Bref, sa seule tare aura été de sortir au mois de décembre et donc de manquer de temps pour pleinement le savourer.

63. Landrose - Brut (Punk/Noise - France)

Un unique batteur au milieu de la foule, avec de la musique Electro/Noise en fond, voici l’expérience promue par Landrose en concert. L’album peut paraître un peu tiède en studio, après l’avoir découvert en live, mais il reste suffisamment riche pour nous faire revenir vers lui à chaque fois.

62. Halocraft - The Sky Will Remember/To Leave a Single Wolf Alive (Post-Rock - Grèce)

Pourquoi sortir un seul album concept quand on peut en sortir deux comptant une version différente chacun ?

The Sky Will Remember et To Leave a Single Wolf Alive sont donc la même histoire comptée de deux manière différentes dans leur univers. Pour rappel, la musique d’Halocraft est instrumentale.

Le premier illustre une fin heureuse mais fictive, là où le second révèle la vraie fin tragique de l’histoire. Une histoire que nous sommes libres d’imaginer à partir des quelques phrases chantées ici et là. Deux histoires que l’on peut vivre de manière indépendante si l’on veut, mais dont la fin joyeuse m’attire plus que l’autre.

61. Destiny Bond - The Love (Hardcore - États-Unis)

Destiny Bond est un groupe de Hardcore dédiant son deuxième album à la nature immortelle de l’amour. C’est beau n’est-il pas ? Pourtant, n’attendez pas forcément à beaucoup de subtilité de la part d’un groupe de Hardcore, faut bien que ça bagarre un peu quand même !

60. Daevar - Sub Rosa (Doom - Allemagne)

Du Doom saupoudré d’un peu de Grunge ne peut donner qu’un album accrocheur ! Sub Rosa est de ces albums qui nous assomme et que l’on redemande à écouter comme si on en avait jamais eu assez.

59. Mhaol - Something Soft (Noise/Punk - Royaume-Uni)

Après un petit remaniement de line-up, j’étais un peu inquiet de ce que pourrait donner le nouvel album de Mhaol. J’ai pu moins accroché sur ce Something Soft, mais pourtant il reste objectivement toujours aussi bon et riche. Attention toutefois à vos oreilles, cela peut parfois être un brin bruitiste ou criard (c’est le style qui veut ça après tout).

58. Maudits - In Situ (Post-Rock - France)

Le retour du groupe de Reims officiant dans une sorte de Doom Trip Hop emprunté de Post-Rock ! In Situ est leur nouvel album et tranche à bien d’un titre avec le reste de la discographie que ce soit par le premier accueillant une reprise, celle de Roads de Portishead chantée par Mayline Gautié, leur premier morceau original chanté, Carré d’As avec le chanteur de Novembre qui mêle Rap et Metal, ainsi qu’un medley de leur split avec Saar sous le nom de Lev-ken. Un album donc plus diversifié que ses prédécesseurs, mais cela m’a un peu sorti de ma zone de confort que justement ces derniers avaient créés.

57. Moundrag - Deux (Rock Psychédélique - France)

Deux frères adorant le Rock Progressif des années 70-80 avec comme instruments une batterie assorties de quelques percussions et des claviers. En ressort un album délicieusement kitsch et savoureux !

Bon ok, parfois il y a un peu plus comme une basse, un violon ou un accordéon musette, mais ça rend tellement bien …

56. Karaba F.C. - Symbionts (Post-Hardcore - France)

Après quelques singles, Karaba F.C. nous propose enfin son premier album ! Un disque bien plus ambitieux que leurs anciennes productions qui a fait du bien en cette fin d’année !

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

55. Bask - The Turning (Rock Psychédélique - États-Unis)

Oh punaise, j’avais oublié que Bask était encore d’activité ! Si III m’avait un peu déçu par rapport à Ramble Beyond, The Turning m’a un peu réconcilié avec le groupe. J’ai réussi à retrouver ce qui avait réussi à m’accrocher à la musique de ce groupe : que ce soit les lignes vocales accrocheuses ou les riffs mordants ou aériens. Bref, un très bon retour !

54. Syncatto - Memento (Metal Progressif - États-Unis)

En attendant le prochain Artificial Language, son guitariste Charlie Robbins nous propose une belle démonstration de force ! Memento c’est du Djent Groovy et du Metal Progressif à la sauce moderne. Bref, certains diront certainement encore un Guitar Hero et ils auront bien raison. Et en plus, les morceaux ne font jamais plus de 4 minutes, donc dur de s’ennuyer.

53. Barrens - Corpse Lights (Post-Rock - Suède)

Deuxième album pour les suèdois de Barrens ! Après un Penumbra qui était arrivé dans ma vie à point nommé, Corpse Lights est peut-être arrivé pas au meilleur moment pour pleinement l’apprécier. L’album est magnifique et encore plus riche que son prédécesseur, mais il n’a pas réussi à m’atteindre de la même façon. Mais je sais qu’il le fera en son temps, car la musique de Barrens renferme quand même une belle part de magie.

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

Ainsi qu’une interview avec une partie du groupe, Johan G. Winther (guitare et synthés) et Kenta Jansson (basse et synthés), pour en parler un peu avant sa sortie au Pelagic Festival 2025.

52. False Reality - Faded Intentions (Hardcore - Royaume-Uni)

Du Hardcore Moderne bien bagarre, mais aussi avec quelques côtés Shoegaze. Bref du noeud-noeud mais pas trop !

51. shedfromthebody - Everything Out There Has Teeth (Doomgaze - Finlande)

Deuxième album sorti par shedfromthebody cette année. Si le premier a réussi à me toucher en plein cœur, vous le verrez un peu plus bas, ce dernier est beaucoup plus diversifié. De quoi nous perturber davantage, mais aussi nous intriguer sur ce que peut encore nous proposer ce projet définitivement plus que du simple Doomgaze.

50. Naxatras - V (Rock Psychédélique - Grèce)

Du Rock Progressif et Psychédélique, quoi de mieux que pour nous amener dans l’espace ? Grande question pour laquelle Naxatras nous donnera de sérieux arguments en sa faveur.

49. There's a Tuesday - Blush (Indie Rock - Nouvelle Zélande)

Un projet mêlant Dream Pop et Indie Rock avec deux front-woman allait forcément attirer mon attention. Un projet, certes empli de douceur, mais qui sait garder une petite partie de doux-amer.

48. Lorsque les volcans dorment - Lorsque les volcans dorment (Post Traumatic Rock - France)

Un collectif passionnant livrant en chansons ses traumatismes et ses obsessions via différents intermédiaires et spectres. Le premier album ne pouvait être donc que l’éponyme, sorti dans une splendide version chez Voice of The Unheard Records.

On espère que cet album ne sera que le premier d’une longue liste, tellement qu’il est poignant. Pas trop longue néanmoins, car on espère le bonheur aux différentes personnes qui peuvent travailler sur ce projet.

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

Ainsi qu’une interview avec l’ensemble du groupe pour en parler durant une quarantaine de minutes.

47. Katatonia - Nightmares as Extensions of the Waking State (Rock Progressif - Suède)

Cet album est donc le premier avec seulement Jonas Renkse comme unique membre d’origine au sein du groupe. Pourtant, comme ce dernier était le principal compositeur des derniers albums, la différence ne se fait pas trop ressentir. Pour les personnes ayant adoré Sky Void of Stars, vous allez être servis !

46. Ethel Cain - Perverts (Dark Pop - États-Unis)

Un album des plus étranges où l’artiste Pop nous partage un album de Dark Ambient étrange et quelque peu malsain. Mais il en sort une telle ambiance particulière que Perverts vous touchera forcément durant son écoute.

45. Slow Crush - Thrist (Shoegaze - Belgique)

Après un Hush qui m’avait véritablement transcendé, j’en attendais beaucoup de ce nouvel album de Slow Crush. Un groupe de Shoegaze arrivant toujours à mêler plein de styles différents dans ses différentes compositions. Malheureusement, je l’ai trouvé un peu moins mémorable que le précédent.

Si je les ai malheureusement raté en 2025, j’espère bien les découvrir sur scène au Roadburn Festival pour leurs deux concerts !

44. Wyatt E. - zamāru ultu qereb ziqquratu Part 1 (Doom - Belgique)

Du Doom instrumental ou du Post-Metal un peu ésotérique, voilà ce que nous propose, comme à son habitude, Wyatt E.. Un album très chouette qui nous promet de belles aventures surtout avec ses featurings de qualité : la chanteuse de Lowen ou même l’artiste Tomer Damsky.

43. Skinny Lister - Songs From The Yonder (Folk Punk - Royaume-Uni)

Depuis leur découverte à un concert de Dropkick Murphy’s, j’aime beaucoup écouter ce projet de Folk Punk qui allie parfaitement balades et musiques dansantes. De quoi assurément passer un très bon moment.

42. Gísli Gunnarsson - Úr Öskunni (Post Rock - Islande)

Le nom de l’album pourra certainement vous rappeler une chanson d’Eivør, mais musicalement ce serait plutôt Sigur Rós ou Alcest qui vous viendront en tête. C’est tout beau, ça prend son temps, bref, c’est joli et paisible.

41. Nova Twins - Parasites & Butterflies (Rock/Hip-Hop - Royaume-Uni)

Malgré des concerts de plus en plus possédés, le projet d’Amy Love et Georgia South semble de plus en plus délaissé son côté Noise pour un rendu plus Pop et plus accessible. Un bien pour un mal certainement qui rend néanmoins Parasites & Butterflies plus facile à appréhender que ses prédécesseurs, mais aussi moins mémorables.

40. Ihlo - Legacy (Metal Progressif - Royaume-Uni)

Du bon Metal Progressif moderne comme je les aime : une production léchée mais pas écœurante, des morceaux plus ou moins longs, une voix épique… Que ça fait du bien de voir que six ans après Union le groupe n’a rien perdu de sa superbe.

39. Wet Leg - moisturizer (Rock Alternatif - Royaume-Uni)

Deuxième album pour ce projet de musique alternative, moisturizer est un très bon album de Pop dans lequel on aurait inculqué tous les rudiments du Post-Punk ou du Rock pour en donner un mélange singulier et presque intimiste.

Mais ne vous faites pas avoir par la pochette un peu effrayante de leur dernier album, la musique de Wet Leg est très paisible, même si les paroles pourront révéler quelques surprises … En effet, l’album parle de “l’obsession et de l’amour dévorant”.

38. you,infinite - you,infinite (Post Rock - États-Unis)

Nouveau groupe de Post-Rock formé par les deux membres fondateurs de This Will Destroy You. Pourtant, ce n’est pas un nouveau TWDY, mais bien un nouveau projet musical, plus doux, plus tranquille, qui le rend à la fois unique et bien plus beau.

37. Ditz - Never Exhale (Noise Rock - Royaume-Uni)

Un album plein de tension écrit pendant leur précédente tournée européenne ; de quoi donner un second souffle à leurs nouvelles compositions. Ça bouge, c’est torturé, tout ce que l’on pouvait demander d’un nouveau Ditz.

36. Blackout Problems - Songs (Rock Alternatif - Allemagne)

Projet allemand ayant beaucoup évolué depuis ses débuts, et ça tombe bien, Songs est une collection de B-sides ou de singles n’étant jamais apparus sur albums ; à quelques exceptions prêt. De quoi nous replonger dans la discographie du groupe avec certainement quelques morceaux qui nous avaient échappés jusqu’ici.

35. Larkin Poe - Bloom (Blues/Rock - États-Unis)

Le projet, porté par deux sœurs, revient avec un album plus lumineux que le précédent. De quoi nous transporter dans cet album empli d’amour. Certainement un peu lié avec l’arrivée du premier enfant d’une des sœurs juste avant son départ en tournée européenne.

34. Psychonaut - World Maker (Post Metal - Belgique)

Un album chargé d’émotions, mais que d’habitude, car deux des trois membres ont perdu leurs pères respectifs à quelques mois d’intervalle. Ce qui rend la singularité de cet album encore plus belle. Encore une fois, du Post-Metal épique et progressif comme il ne s’en fait plus trop de nos jours.

33. Bambara - Birthmarks (Post-Punk - États-Unis)

Ma petite révélation du Roadburn 2025 avec d’excellents morceaux. Birthmarks n’est peut-être pas un chef d'œuvre tout du long, mais il renferme des morceaux d’exceptions qui savent faire mouche que vous aimiez danser ou non.

32. Glazyhaze - Sonic (Shoegaze - Italie)

Du Shoegaze tout paisible qu’il m’a été permis de vivre en première partie de Softcult plus tôt dans l’année 2025. Bref, c’est tout doux, mais aussi entêtant.

31. Health - Control DLC (Indus - États-Unis)

Chaque nouvel album d’Health est un petit événement en soi. Un mélange d’Indus et de Noise couplé à une voix androgyne éthérée ne peut que faire des étincelles. Un brin triste de ne pas voir le morceau avec Chelsea Wolfe sur cet album, mais cela reste une belle réussite.

30. H E X - II (Doom - Suisse)

Sept ans après le premier album, le groupe suisse a gagné deux nouveaux membres : Léa Martinez au chant ainsi que Wladislas Marian à la basse. Néanmoins, de mon côté je n’avais jamais écouté ce projet auparavant, donc je l’ai accueilli d’une manière très fraîche. On est face à du Doom accompagné par quelques claviers nous permettant de créer des mélodies accrocheuses ou juste des ambiances pour porter les riffs denses. Les deux voix se mêlent à la perfection pour nous apporter continuellement de la nouveauté.

29. Die Spitz - Something to Consume (Grunge - États-Unis)

Un quatuor féminin pouvant nous délivrer les morceaux de Shoegaze les plus calmes comme les morceaux de Grunge les plus fédérateurs ou bien les morceaux Punk les plus dévastateurs. Voilà ce que nous propose Die Spitz avec notamment cet excellent Something to Consume dont je suis plus que prêt à découvrir en live en début d’année 2026.

28. -ii- - The Apostles of the Flesh (Dark-Pop - France)

-ii- est de retour avec un album ambitieux et encore tout aussi changeant que les précédents opus. Apostles of Flesh est pour moi bien plus mémorable ou accrocheur, peut-être par son aspect plus hétéroclite qu’à l’accoutumée.

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

27. Bank Myna - Eimuria (Post Rock - France)

Eimuria est un album très impressionnant, riche et varié en tout point de vue. Bank Myna a fait fort en nous proposant un album concept abouti et très impressionnant. Les morceaux les sont longs, mais cela n’est que pour mieux prendre le temps de poser les ambiances pour mieux nous alpaguer.

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

Ainsi qu’une interview avec l’ensemble du groupe pour en parler.

26. Fragile - Big big smile (Post-Hardcore - France)

Fragile nous propose enfin son nouvel album et ça c’est quelque chose qui se fête ! Même si j’ai pu être un poil surpris par les effets vocaux au début ainsi que la version définitive d’Afterglow (la version enregistrée pour le magazine Mowno est un poil différente), leur concert m’a mis la claque que je méritais de prendre tellement que le combo déborde d’énergie. Il n’y a pas à dire, c’est une musique qui est faite pour être vécue en concert !

Notre chronique vidéo de l’album est à découvrir ci-dessous.

Et si jamais, vous étiez à leur release parisienne, vous pouvez découvrir nos photos ici.

25. Basic Partner - New Decade (Post-Punk - France)

J’avoue que je n’accrochais pas à l’ensemble de New Decade avant de découvrir le groupe sur scène. Et depuis cette petite claque prise à Nos Rêves Font du Bruit 2025, je dois bien dire que je vois maintenant cet album d’un autre œil. New Decade est un album fort proposant des morceaux accrocheurs et entêtants assez riches pour ne pas nous ennuyer durant notre écoute.

24. Anna von Hausswolff - ICONOCLASTS (Alternatif - Suède)

Devant l’emballement de mes ami·e·s pour le prochain Anna von Hausswolff, j’étais bien obligé de l’écouter. Et grand bien m’en a fait, car l’album est extraordinaire. Que ce soit par les mélodies ou les différents instruments, les différentes personnes invitées sur ce projet (Iggy Pop ou Ethel Cain pour ne citer que ces deux-là)… Iconoclasts est un album complet et savoureux que j’aime beaucoup. Le ton de l’album est aux expérimentations et cela fait du bien d’avoir de telles chansons incroyables.

23. Endless Dive - Souvenances (Post-Rock - Belgique)

Le groupe nous avait prévenu qu’avec le départ de la moitié de ses membres leur musique risquait de changer. Souvenances en est bien la preuve ou la pierre angulaire de ce nouveau départ puisqu’il fait office d’albums souvenirs de l’enfance des deux membres restants. Un mélange de musique simpliste, d’enregistrements de souvenirs de leur enfance, de poème déclamé par une de leur grand-mère … Bref, un très bel album contemplatif.

22. Knives - Glitter (Hardcore/Post-Punk - Royaume-Uni)

Un peu de Hardcore dans mon Post-Punk, ou l’inverse je ne sais pas trop, le tout soupoudré par du saxophone. Aimant les trois éléments, je ne pouvais pas m’empêcher de sombrer dans cette magnifique aventure musicale qui m’attendait. D’autant plus que pour les avoir vus en club, ça vaut le détour.

21. Message to Bears - Tired Eyes, Waking Hearts (Ambient/Post-Rock - Royaume-Uni)

Un peu de paix, cela fait toujours du bien. Surtout quand les morceaux sont aussi captivants. Un mélange subtil entre de l’électro minimaliste, du Post-Rock et de l’Ambient. Bref, de quoi nous bercer de manière agréable tout en finesse.

20. Penelope Trappes - A Requiem (Dark Ambient - Australie)

Bien qu’ayant manqué sa performance au Roadburn, je n’ai pu m’empêcher de me replonger après coup dans son album A Requiem. Un album aux atmosphères captivantes et saisissantes où l’artiste a voulu se livrer, et purifier par la même occasion, son histoire familiale et ses instabilités.

19. The Last Dinner Party - From The Pyre (Indie Rock - Royaume-Uni)

Seulement un an après la réussite qu’était Prelude to Ecstasy, le quintet anglais entièrement féminin est de retour avec justesse avec From The Pyre. Un “recueil d'histoires, liées entre elles par le concept d'album-mythe” composé avec toujours autant de richesse pour un simple album d’Indie Rock.

Petite mention spéciale pour la live session “Live From The Pyre” qui nous permet de découvrir un fragment de ce que sera la tournée qui s’annonce.

18. Elinborg - I ævir (Ambient - Danemark)

La sœur d’Eivør continue sa carrière musicale avec un nouvel album d’Ambient nommé I ævir. 10 titres chantés en danois avec une atmosphère assez singulière pour chacun d’entre eux. Une belle manière de les rendre mémorables et assez envoûtants pour nous rappeler à lui de temps en temps.

17. Thrice - Horizons/West (Rock Alternatif - États-Unis)

Horizons/West est la suite de Horizons/East sorti 4 ans auparavant. Et il semblerait que la création de l’édition revisitée des 10 ans de The Artist in The Ambulance ait pu influencer le ton de cet album. En effet, on garde l’aspect Rock Alternatif des récents albums avec un côté un peu plus orienté Post-Hardcore dans certains breaks ou lignes vocales tout en gardant un aspect toujours très abordables et accrocheurs.

Notre chronique rédigée par notre camarade Guillaume est à lire juste ici.

16. Törzs - Menedék (Post-Rock - Hongrie)

Encore un autre projet de Post-Rock instrumental, mais Törzs est une belle découverte de 2025 entre sa signature chez Pelagic Records et son concert au Pelagic Festival 2025.

Menedék est leur deuxième album, malheureusement cette fois-ci il n’a pas été enregistré dans un grotte souterraine, mais de manière plus traditionnelle, ce qui n’enlève rien de sa superbe.

15. Jools - Violent Delights (Post-Punk - Royaume-Uni)

Complètement happé par leur premier EP 97%/FKA, il était donc tout naturel de se jeter sur leur premier album ! Malheureusement, Violent Delights se veut plus riche que le Punk qui m’avait ébloui lors de leur premier 2-titres. En effet, leur album apporte quelques côtés plus Metal ici et là. Ce n’est pas du tout une catastrophe, mais c’est vrai que mes attentes avaient été clairement biaisées par les premiers singles. Jools nous propose quand même un excellent album qui m’a pris plus de temps à assimiler le temps de revoir mes aprioris.

14. Vukovi - MY GOD HAS GOT A GUN (Pop Metal - Royaume-Uni)

Après avoir été attrapé par quelques mélodies lors de leur concert avec Nothing More début 2024, j’ai bien sûr écouté leur nouvel album. Du Metal Moderne brassé avec de la Pop nous donne sans trop de doute un disque très accrocheur aux refrains entêtants.

13. Totorro - Sofa so good (Math Rock - France)

Du Math-Rock survolté comme Totorro sait le faire, voici donc le retour des prodiges français quasi 10 ans après ! Donc en plus de nous servir du bon Punk, il fallait aussi tout casser avec un disque survolté pour bien marquer leur retour. Toujours triste qu’il n’est pas pu jouer à Reims en 2025, mais j’espère bien les voir pour fêter ça !

12. projector - Contempt (Post Punk - Royaume-Uni)

Du Post-Punk un brin noise et bien savoureux à deux voix, celles de Lucy Sheehan et d’Edward Ensbury. Contempt est leur deuxième album et il semble plus massif que le précédent pour mon plus grand plaisir. Surtout qu’en 2025, j’ai enfin pu les voir en concert et les dévaliser !

11. We Lost the Sea - A Single Flower (Post-Rock - Australie)

Après l’incroyable Triumph & Disaster, We Lost the Sea nous propose 6 ans après le majestueux A Single Flower. Un album dense et magnifiquement mélancolique qui m’accompagne souvent depuis sa sortie. Une pièce magistrale à n’en point douter qui saura vous accompagner dans vos plus beaux voyages.

10. Yndling - Time Time Time (I'm in the Palm of Your Hand) (Dream Pop - Norvège)

J’avoue que cette année, je me suis souvent laissé tenter par des projets de Dream Pop ou de Shoegaze. Et Yndling fut pour moi la découverte la plus chouette que j’ai eu la chance d’écouter dans le style cette année. Avec une richesse dans les compositions permettant d’avoir des chansons aux atmosphères riches et variées tout en proposant des morceaux plus simples et entêtants. Bref, que du bonheur, ou devrais-je dire que de la douce nostalgie.

9. Telepathy - Transmissions (Post-Metal - Royaume-Uni)

Après un très bon Home, Telepathy revient cinq après avec un album beaucoup plus impressionnant que ses anciens, et avec même des morceaux plus longs. Les petites mélodies aux synthés jouent certainement à rendre leur musique plus mémorable qui est habituellement plutôt monolithique. Mais cette fois, l’album défile avec des morceaux incroyables assez riches pour nous tenir en haleine avec deux morceaux de 15 minutes ! Bref, de la musique instrumentale qui riffe merveilleusement bien !

8. Lambrini Girls - Who Let The Dogs Out (Noise-Punk - Royaume-Uni)

Du Punk simple mais efficace en album et tout bonnement magistral en concert. Lambrini Girls nous propose son premier album avec une maîtrise parfaite : des morceaux engagés et enragés bien comme il faut !

7. Faetooth - Labyrinthe (Post-Black - États-Unis)

Un mélange délicat entre le Post-Black et le Doom, de quoi nous offrir une musique à fleur de peau mais aussi terriblement accrocheuse. Labyrinthe arrive à surpasser son prédécesseur, qui était déjà excellent, avec toujours cette alliance parfaite entre ses trois membres pouvant chanter ensemble, ou séparément, avec un impact puissant ; et ce quelque soit le type de chant. Imaginez Alcest chanté par des femmes avec moins de Shoegaze mais plus de Doom et vous arriverez plus ou moins à imaginer ce qui vous attend.

Trop hâte de les revoir en 2026 lors de leur tournée en début d’année.

6. Messa - The Spin (Doom - Italie)

Messa a toujours été un groupe de Doom pour lequel j’aimais juste quelques morceaux, mais The Spin est pour moi leur album le plus mémorable. Un disque accessible brassant de multiples influences avec de véritables chansons entêtantes, voilà ce dont j’avais besoin ! On s’est un peu éloigné au Doom auquel le groupe nous avait habitué, ici nous sommes face à des chansons relativement plus courtes, plus traditionnelles dans leur construction, des influences variées (du Post-Punk aux musiques des vieux films Noirs)... Bref, que du bon !

5. Shedfromthebody - Whisper and Wane (Doomgaze - Finlande)

Un One-Woman band qui a sorti deux albums en cette année 2025. Whisper and Wane a eu le chic de m’accompagner pendant une bonne partie de 2025, étant sorti à la mi-janvier. J’ai pu être subjugué par la facilité de rendre des musiques tristes aussi entêtantes et fascinantes. Un immanquable si vous aimez les musiques tristes mais impactantes. Bref, un univers riche et mélancolique vous tend ses bras si vous désirez l’embrasser.

4. Pothamus - Abur (Post-Metal - Belgique)

Pothamus sait nous proposer des aventures intenses et Abur ne déroge pas à cette règle. Si Raya, leur précédent album, avait réussi à vous convaincre, et bien vous allez être comblé. La production et l’intensité de cet album n’en sont que plus grandes encore tout en apportant quelques petites expérimentations avec notamment l’usage du Surpeti, un instrument indien.

Ici, nous allons partir dans un maelstrom hypnotique vraiment impressionnant.

Par ailleurs, le groupe a sorti en fin d’année un codex résumant leur point de vue sur leur musique qu’il me tarde de découvrir.

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

De plus, vous pourrez aussi découvrir une interview avec l'entièreté du groupe filmée pendant le Pelagic Festival 2025.

3. Bruit ≤ - The Age of Ephemerality (Post-Rock - France)

Après un incroyable premier album, j’étais plus qu’impatient de découvrir ce que nous avaient concocté mes toulousains préférés. La barre était très haute dans mon esprit et Bruit ≤ a su brillamment me surprendre avec un nouvel album concept bien différent de leur premier ; même si politiquement très proche. The Age of Ephemerality arrive à apporter beaucoup plus de profondeurs ou d’expérimentations à la discographie du groupe qui commence à être tout bonnement impressionnante. Si vous aimez la musique engagée, instrumentale dont les sons viennent servir un propos cohérent, foncez sans plus tarder écouter ce bijou.

Notre chronique de l’album est à découvrir ici.

De plus, vous pourrez aussi découvrir une interview avec deux membres du groupe, Theophile Antolinos et Clément Libes, avec qui nous avons pu discuter pendant un peu moins d’une heure de plein de choses.

2. Black Foxxes - The Haar (Art Rock - Royaume-Uni)

D’années en années, d’albums en albums, Black Foxxes devient de plus en plus expérimental tout en gardant cet aspect magique d’avoir des compositions soignées et simple d’accès. The Haar est plus homogène que son prédécesseur, mais semble avoir délaissé un peu la musique saturée pour s’attarder un peu plus sur du piano ou des instruments à cordes frottés. Cela donne un album encore plus intimiste mais aussi transpirant d’émotions fortes. Bref, un périple dont on en sort difficilement indemne.

Notre chronique est à découvrir sur notre site ici.

1. Maruja - Pain to Power (Post-Rock/Hardcore - Royaume-Uni)

Si les premiers EP m’avaient parus un peu trop expérimentaux à mon goût, leur premier album Pain to Power est une toute autre histoire. Je ne vais pas mentir en disant que j’ai été accroché dès le premier single, découvert pendant nos lives du dimanche, par ce mélange incongru entre Post-Rock, Post-Punk et Hardcore avec du saxophone. Comme si le groupe Knives s’était dit qu’ajouter du Post-Rock était une bonne idée. Et sans rire, Pain to Power a été pour moi un album incroyable où on se demande sans cesse vers où ira le groupe pour nous épater encore plus. Trop hâte de les voir en 2026 en concert pour pouvoir vivre en vrai ce chef d’œuvre !

Un Podcast audio.

Mais pas n'importe quel Podcast: avec Memoires de Metal, on vous propose de découvrir ensemble l'histoire derrière les albums qui sont devenus cultes.

Disponible également sur Deezer, Apple Podcast et Amazon Music.

On commence fort aujourd'hui avec Black Sabbath et son superbe Paranoid:

Sources utilisées:

Livres:

-I Am Ozzy - Ozzy Osbourne & Chris Ayres, 2009

-Iron Man: My Journey Through Heaven and Hell with Black Sabbath - Tony Iommi, 2011

-Into the Void: From Birth to Black Sabbath—And Beyond - Geezer Butler, 2021

-Black Sabbath: Doom Let Loose - Martin Popoff, 2013

-Sound of the Beast: The Complete Headbanging History of Heavy Metal - Ian Christe, 2003

Interviews et documentaires de la BBC:

-Classic Albums - Black Sabbath – Paranoid, 2010

-BBC Four - The End of the End, 2017

Internet:

-https://en.wikipedia.org/wiki/Paranoid_(album)

-https://en.wikipedia.org/wiki/War_Pigs

-https://www.loudersound.com/features/black-sabbath-paranoid-track-by-track

-https://www.thisdayinmusic.com/classic-albums/black-sabbath-paranoid/

-https://www.black-sabbath.com/discography/blacksabbath/paranoid/

Les anecdotes liées à l’écriture rapide de Paranoid, à l’ambiance en studio et à l’alchimie du groupe proviennent de sources croisées : autobiographies, interviews filmées et analyses historiques.
Les citations ont été traduites et reformulées à des fins de narration audio, tout en respectant le sens des propos originaux.

Pour cet article, nous reviendrons sur les albums sortis cette année n’ayant pas réussi à atteindre le top officiel, parce que découverts tard ou pas assez à mon goût pour atteindre le top en question. Mais dans tous les cas, je pensais quand même vous les partager au cas où vous tombiez sur une petite perle cachée.

Le classement est bien sûr complètement subjectif et ne serra déjà plus valable à sa publication, mais bonnes découvertes !

La playlist Deezer est à retrouver ici.

25. Inglorious - V (Rock - Royaume-Uni)

Après quelques changements de line-up, Inglorious est de retour après 4 ans d’attente ! Passé la pochette immonde en IA, et les singles plutôt passables, on tombe sur du Rock'n'roll malgré tout intéressant. Par contre, on est loin du génie créatif des précédents opus, même si on sent que le nouveau line-up a apporté une touche un peu plus Metal aux compositions.

24. Sometime In February - Where Mountains Hide (Metal Progressif - États-Unis)

Sometime in February qui a presque réussi à faire la blague de l’année avec une sortie en mars 2025. Le projet est du Metal Progressif moderne assez alambiqué mais dont la production sonne très identique à tous les groupes de la scène moderne actuelle : Polyphia, The Omnific, Plini… Ce qui rend par conséquent l’album assez dur à sortir du lot, d’autant plus qu’il est instrumental.

23. Scowl - Are we all Angels (Punk Hardcore - États-Unis)

Étant tombé dessus par hasard avec un morceau typé Hardcore avec quelques touches FM, j’y suis allé par curiosité. Certains morceaux sont vraiment exceptionnels, mais de mon côté j’ai vraiment du mal avec certaines expérimentations sur le chant. Peut être qu’en concert ça passe mieux, mais en studio je passe mon tour sur plusieurs compositions.

22. Dream Theater - Parasomnia (Metal Progressif - États-Unis)

Le retour de Mike Portnoy dans le groupe de mon adolescence, pourquoi ne pas me laisser tenter ? Et j’avoue que le premier single m’avait un brin intrigué avec sa durée de 10 minutes. Toutefois avec ses visuels IA immondes, sa production quasi identique au précédent et le manque de fraîcheur sur certaines idées, m’ont vraiment fait passer mon tour. Après, je pense qu’il peut faire une très bonne porte d’entrée pour les néophytes, mais j'avoue que de mon côté, c’était plutôt moyen.

21. Katarsis - Inward Path ( Folk - Finlande)

One man band Finlandais de musique Folklorique un brin progressive, cet artiste n’est pas à confondre avec le groupe lituanien du même nom passé à l’Eurovision cette année. N’en déplaise aux plateformes de streaming qui n’arrivent pas à comprendre que plusieurs groupes puissent porter le même nom. J’avoue qu’au début cela me surprenait ce changement de ton par rapport à la Cold-Wave montrée à l’Eurovision, mais une fois le trouble passé, j’ai pu en profiter.

20. Membrane - Deathly Silence (Post-Metal - France)

Découverts il y a quelques années au Post in Paris, je me suis mis de côté le nouvel album de Membrane. Surtout qu’avec certaines parties au chant moins saturé qu’à l’accoutumée, je me disais que je pourrai peut être plus accrocher à celui-là. Malheureusement, le projet crie encore trop pour moi pour vraiment sombrer dans leur musique.

19. Emma Ruth Rundle - Music From The Bella Vista (Folk - États–Unis)

Emma Ruth Rundle a sorti un recueil de poésie cette année “The Bella Vista” et cet album a été conçu comme la bande son accompagnant notre lecture. Et j’avoue que sans le recueil, l’idée perd peut-être un peu de son charme. D'autant plus que le concept ici est d’avoir des bruits de nature couplés à des sections improvisées au piano. Si vous aimez la musique un brin minimaliste, je pense que ça pourrait vous intéresser. Préparez vous à deux titres de 20 minutes chacun.

18. Astreyane - Vertigo (Post-Rock - France)

Groupe de Post-Metal du Grand-Est découvert lors d’un échange avec l’association Arpegia (celle qui organise quasi toutes les dates Prog chez Paulette). Astreyane c’est de la musique instrumentale avec beaucoup d’orchestrations, c’est très joli, mais je trouve que ça manque encore un peu de production pour vraiment mettre une claque aux autres groupes du genre. Un groupe à surveiller de près en tout cas, car il y a d’excellents voyages qui vous attendent avec Vertigo !

17. Mirador - Mirador (Rock - Royaume-Uni)

Projet fondé avec le guitariste Jake Kiszka de Greta Van Fleet et du guitariste Chris Turpin de IDA MAE. Les deux artistes se partagent le chant dans ce supergroupe typé Rock Old School, rien de neuf sous le soleil, mais si vous cherchez un nouveau groupe à vous mettre sous la dent, je pense que vous êtes au bon endroit.

Quelques morceaux acoustiques enregistrés dans une église en Angleterre sont disponibles sur YouTube et j’avoue que je les trouve plus fascinants que l’album :

16. Hekátē - Black Hole (Post-Punk - Grèce)

Je connais assez peu la scène grecque et j’avoue que je ne serais pas tombé sur ce groupe sans l’aide de notre camarade grec. Hekátē est un collectif de Post-Punk chanté en grec ou en anglais sur ce qui pourrait presque sembler être de la New Wave. Ça a un certain charme indéniable qui mérite que l’on s'attarde pour le savourer.

15. Djabe & Steve Hackett - Freya - Arctic Jam (Rock Progressif - Hongrie/Royaume-Uni)

Nouvelle collaboration entre le groupe Hongrois et Steve Hackett. La proposition est très chouette, on sent que les deux artistes mêlent leurs musiques sans qu’un prenne le pas sur l’autre. Un album de Jazz Rock qui se veut donc très sympathique.

Attention toutefois, le groupe Djabe, ou un homonyme, est très prolifique ces dernières années, semble-t-il grâce à l’IA.

14. Ange - Cunégonde (Rock Progressif - France)

J’avoue n’avoir jamais été un grand fan d’Ange, mais on ne peut être admiratif devant la longévité du projet et des nouvelles propositions qui sortent années après années. Par ailleurs, attention le chant est ici en Français dans un style assez particulier, il faut bien l’avouer. En tout cas, si vous aimez le Rock Progressif des années 80, vous serez servis.

13. Përl - Architecture du vertige (Post-Metal - France)

Découvert grâce à Lorsque les Volcans dorment, Përl est le projet musical d’une des performeuses : Aline Boussaroque. Là aussi un album que je n’ai malheureusement qu’eu le temps de survoler en cette fin d’année. Imaginez un Post-Metal chanté en français par une femme au chant versatile et par des musiciens amoureux de musique progressive. Cela ne peut être que fascinant vous direz-vous, et vous aurez certainement raison.

12. Agnostic Front - Echoes in Eternity (Punk-Hardcore - États-Unis)

Oh punaise, je ne m’attendais pas spécialement à un nouvel album d’Agnostic Front et ça quelle surprise. J’aurai aimé toutefois qu’il sorte un peu plus tôt pour en profiter davantage, mais ce n’est pas grave, je sais que je me rattraperai. Cela me donnera certainement une bonne excuse de voir les parrains du Punk Hardcore New-Yorkais sur scène. Sinon, les morceaux sont toujours aussi longs et semblent toujours tranchants comme il faut.

11. Karla Kvlt - Thunderhunter (Doom - Allemagne)

Karla Kvlt fait partie de mes découvertes de Doom de cette année au même titre que Year of The Cobra qui aurait pu trouver place dans ce top. Thunderhunter est ma foi fort intéressant et assez captivant pour nous transporter de bout en bout.

10. Pattern Seeking Animals - Friend of All Creatures (Rock Progressif - États-Unis)

La laide pochette faite par IA m’avait grandement refroidi, mais l’album reste tout de même au-dessus du précédent à mes yeux. Du moins, le style me plaît plus que celui présent dans Spooky Action at a Distance, il faut dire aussi que ce supergroupe n’a jamais vraiment su me transcender car je trouve leur discographie assez inconsistante.

9. Pile - Sunshine and Balance Beams (Rock Alternatif - États-Unis)

Rien à voir avec Chat Pile, on est sur de la musique bien plus tranquille. Je suis tombé sur Pile avec ce qui est leur neuvième album, et je dois bien l’avouer que certains aspects m’ont un peu rappelé Thrice pour mon plus grand plaisir, en plus gentillet faut bien l’avouer, ce qui me donne grandement envie de me plonger dans leur discographie.

8. Second Idol - Mongrel ( Dark Rock - Australie)

J’étais assez intrigué par le projet Second Idol, et d’autant plus par le morceau Postcolonial Blues. Mongrel est leur premier album et on est face à du Dark Rock sympa sans sortir particulièrement du lot. Cela n’enlève rien à l’efficacité des morceaux, c’est juste qu’il est plus difficile d’y replonger en entier.

7. First Draft - An Instant Before the Promise of Dawn (Post-Hardcore - France)

Un mix entre Post-Rock et Post-Hardcore ?! Ne m’en dites pas plus, je vais y jeter une oreille ! C’est la batteuse qui chante dans ce power duo ? Ok, vous m’avez convaincu ! J’avoue que j’aurai adoré avoir plus de temps pour découvrir cette sortie qui méritait amplement sa place dans mon top. Par contre, je pense que ça doit être fascinant à découvrir en concert.

6. Beneath a Steel Sky - Cleave (Post-Metal - Royaume-Uni)

Tantôt planant, tantôt massif, Beneath a Steel Sky nous propose un album bien intéressant comme il faut. Ce dernier prend le temps avec des morceaux rouleaux compresseurs, des morceaux aériens ou un mélange des deux. Dommage que j’aime pas spécialement le chant saturé, car ce groupe Écossais mérite définitivement qu’on y jette une oreille.

5. Baulta - Pure Escapism (Post-Rock - Finlande)

L’album étant sorti à la mi-décembre, je n’ai découvert cet album qu’avec les sens à l'affût de mon père qui me l’a partagé dans la foulée. Il semblerait qu’on soit face à un très bon album de Post-Rock avec une basse omniprésente comme il faut. Bref, il va falloir que je m’y attarde. Surtout que certains morceaux m’ont rappelé Long Distance Calling !

4. Through a Glass, Darkly - SPERAMVS MELIORA // RESVRGET CINERIBVS (Doomgaze - États-Unis)

Parfois il est bon de suivre les recommandations ou les pubs sur les réseaux sociaux, car on peut découvrir de superbes projets et je sens bien que Through a Glass, Darkly va en faire partie. Surtout que leur album est vraiment puissant avec de belles dynamiques de quoi nous rappeler parfois Mono avec un aspect plus Metal.

3. Heavy Lungs - Caviar (Post-Punk - Royaume-Uni)

Du Post-Punk dansant que j’avoue avoir loupé cette année ! Mais vu la patate qu’a le CD, je suis presque sûr de tout faire pour les voir sur scène en 2026, surtout que le combo passe en France avec chest.

2. La Dispute - No One Was Driving The Car (Screamo - États-Unis)

M’intéressant de plus en plus à la scène Screamo, je me devais de me plonger dans le nouveau La Dispute et profiter pour vivre la sortie de cet album. Malheureusement certains aspects musicaux n’arrivent pas encore à franchir les barrières que je me suis moi même imposées, mais No One Was Driving The Car reste un album passionnant, même si je n’aurai pas dit non à un disque un peu plus monolithique, mais n’étant pas un fan du groupe, considérez que ma remarque n’est pas spécialement pertinente.

1. Gleb Kolyadin - Mobula (Rock Progressif - Royaume-Uni)

Heureux de voir que Gleb Kolyadin a réussi à ne pas être extradé en Russie lors de son arrestation en Thaïlande en 2024 et qu’il ait pu refaire de la musique.

Le pianiste du duo iamthemorning nous montre ici ce qu’il sait faire de mieux accompagné de plusieurs invités pour donner plus de reliefs à sa musique. J’avoue être un peu passé à côté en 2025, mais Mobula est un album splendide que j’aurai du prendre le temps d’écouter davantage. On est plutôt sur un mélange de pièces classiques au piano accompagné de différents instruments d’orchestres, bref de la musique expérimentale parfaite pour accompagner nos rêveries.

Pour cet article, nous reviendrons sur les EPs sortis cette année. Le classement est bien sûr complètement subjectif et ne sera déjà plus valable à sa publication, mais bonnes découvertes !

La playlist Deezer est à retrouver ici.

45. Tip Stevens - Fireflies (Rock Alternatif - France)

Ancien chanteur et guitariste de Teacup Monsters, cela fait quelque temps déjà que Tip Stevens nous propose de multiples EP d’années en années. Fireflies est donc le premier sorti en 2025, toujours avec un nom d’animal, même si depuis sont sortis Elephant et Condor (Chapter 2: Spirits) que je n’ai pas eu le temps encore d’écouter.

En tout cas, pour ce qui est de Fireflies, nous sommes plutôt sur un recueil de presque balades conclut par la très jolie “Deeper” avec un crescendo très sympathique.

44. The Violent - 003.TV: Culmination (Rock Alternatif - Etats-Unis)

Trio formé d’anciens de Red Sun Rising, voici donc le troisième EP de la bande. Un disque dans la droite lignée des précédents, pas trop de surprises donc, même si cela fait plaisir de retrouver leur musique après deux ans d’attente.

43. Obverse - Obverse (Progressif - Etats-Unis/Australie)

Un projet fou furieux sur le papier : Chris Allison le batteur de Plini, Dan Briggs le bassiste de Between the Buried and Me qui rejoignent la harpiste Emily Hopkins. Pourtant le concept de séances d’improvisations instrumentales recoupées ensuite en morceaux peine à m’atteindre de mon côté malgré la qualité intrinsèque de ces derniers.

42. Life in Mono - If I could wake (Ambient - Royaume-Uni)

Sorti après If I could sleep, cet EP est son alter ego. Là où on voulait dormir, la musique nous réveillait, là où on veut se réveiller, la musique nous endort.

Je ne sais pas si c’est bien clair, mais ici on dit au-revoir à la musique amplifiée énervée et bonjour à de l’Ambient. Ici on est bercé par des morceaux paisibles (voire un peu trop), toutefois ici que des chansons originales, pas des versions alternatives du précédent.

41. Caring Less - Whatever You Want (Rock Alternatif - Etats-Unis)

Un EP un peu trop inégal à mon goût. Il faut dire que les découvrir avec leur morceau “So Sick” m’avait fait miroiter un projet Shoegaze. Cependant, on est plutôt sur du Rock Alternatif de bonne facture, quelque chose que je ne m’étais pas trop attendu à trouver là…

40. Nosound - To The Core (Post-Rock - Italie)

To The Core signe le retour du groupe italien Nosound après six ans d’absence. De mon côté, j’ai heureusement pu profiter du projet solo de Giancarlo Erra pendant ce temps. Néanmoins, n’ayant jamais été un fan absolu de ce groupe, c’est avec un plaisir simple que je me suis plongé dans cet EP. On retrouve le côté un peu minimaliste des albums solos de Giancarlo mais avec l’ajout de nappes instrumentales pour compléter le tout. Bref, rien de trop dépaysant, mais c'est un bel EP.

39. Sink - Destroy the Hook (Rock Progressif - France)

Nouveau projet musical des alentours de Reims avec un petit côté Rock Progressif/Psychédélique. En plus pour cette année on a eu le droit à deux EP : The Tide is Low Now en début d’année et celui-là en fin d’année. Un groupe qui semble d’ailleurs prometteur et qu’il me tarde de réussir à voir en concert !

38. she's green - Chrysalis (Shoegaze - Etats-Unis)

Découvert un peu trop tard dans l’année pour le mettre plus haut dans mon classement, mais ce Chrysalis renferme de bien belles pépites pour toutes les personnes aimant le Shoegaze ou le Post-Rock. Des mélodies savoureuses et une jolie voix n’attendent que vous.

37. Carnage Piknik - Love Loving (Noise Rock - France)

Deux ans après Silence as a Tone of Noise, Carnage Piknik est de retour avec un nouvel EP. Pourtant cette fois-ci j’ai un peu moins accroché à l’ensemble des morceaux… Il reste néanmoins très cool, donc ne vous fiez pas qu’à mon avis s’il vous plaît !

36. Mineral King - Rotating (Rock Alternatif - Etats-Unis)

Du Rock Alternatif un peu classique, ça fait du bien de temps en temps et Rotating en est le parfait exemple !

35. Ally Nicholas - Nevermind the Hurry (Grunge - Etats-Unis)

Après plusieurs singles étalés sur les dernières années, voici le premier EP d’Ally Nicholas. N’ayant découvert le projet que tardivement, je ne peux pas vous dire s’il y a une différence marquée ou une évolution marquante avec ses musiques passées. Toutefois, je peux vous dire que Nevermind the Hurry est un disque à la fois sympathique et simple. Rien de bien transcendant, mais des morceaux accrocheurs.

34. Dead Air - Elements E.P. (Rock Alternatif - Royaume-Uni)

Un EP bien entraînant comme il faut, voici la promesse du nouveau Dead Air, du moins celle annoncée par le morceau d’ouverture "Die" ! Pourtant l’EP est plus hétéroclite qu’on ne peut le penser. un brin dommage pour ma part, m’attendant à trouver que des équivalents de "Die" sur l’ensemble des chansons. Comme quoi, tomber sur un groupe par un morceau très précis, peut façonner des attentes très singulières.

33. Suffocate for fuck sake - to rest in the trust, that creates the world (Post-Metal - Suède)

Un nom à rallonge pour un morceau unique de 20 minutes. Pourtant, on ne va pas être face à une seule pièce au crescendo arrivant petit à petit, mais un morceau dérivant dans le Progressif entre les changements d’ambiances et les chants variés.

Dommage pour les visuels en IA malgré tout.

32. Joy Forever - Brand New Faces (Post-Punk - Allemagne)

Il est presque surprenant de voir un groupe de Post-Punk s’appeler “Joie pour toujours”. On ne peut que sentir l’entourloupe venir … Bien que leurs mélodies restent assez joyeuses, ici on parle de “la dissociation, de la routine, du capitalisme et de la désillusion, tous filtrés à travers le prisme de la vie dans leur ville”. Bref, promis c’est la joie de vivre !

31. Dead Horse One & Threaded - Split (Shoegaze - France/USA)

Un split à l’ancienne entre les projets Dead Horse One et Threaded ! On trouve ainsi deux morceaux pour chaque projet dont un électrique et un acoustique. De quoi (re)découvrir deux univers bien Grunge à souhait !

30. YEAHRS - Dreamland (Grunge - Allemagne)

Après un très bon Spiritual Sickness, YEAHRS est de retour avec un nouvel EP : Dreamland.

Toujours avec le même mur de son, le même chant un peu Sludge, YEAHRS nous assomme ou nous apaise selon qu’il lorgne avec plus ou moins d’intérêt.

29. senses - onto something (Pop Rock - Etats-Unis)

senses est un duo Pop Rock/Pop Punk sacrément efficace, ça on ne peut pas le nier. Il est donc évident que le nouveau disque le soit tout autant. Attention toutefois, ce disque n’est pas à mettre entre les mains des personnes allergiques aux sons trop “FM”.

En attendant, j’espère les voir un jour passer en Europe, cela pourra être chouette !

28. Pluie cessera - We've been alone ( Emo - France)

Encore et toujours de la musique triste : Pluie cessera est un nouveau projet musical francilien à mi-chemin entre Screamo et Emo. C’est beau, c’est sentimental, bref à découvrir sans retenir ses larmes.

27. Elder - Liminality / Dream State Return (Rock Progressif - Allemagne)

Elder est de retour, comme on peut le deviner, avec un deux titres. On est pourtant sur quasiment 19 minutes de nouveautés accompagnées pour l’occasion d’un visuel exclusif accompagnant les deux pièces.

26. Obscure Sphinx - Emovere (Post-Metal - Pologne)

Du Post-Metal Polonais qui tâche bien, lourd à souhait avec un chant versatile voici la promesse du nouvel EP d’Obscure Sphinx. Un projet d’exception à la production massive qui saura vous attraper si vous aimez le Metal Extrême et dodeliner de la tête.

25. Spaced - No Escape (Hardcore - Etats-Unis)

Un peu de bagarre de temps en temps ça fait du bien, enfin je crois ? Découvert au Rock in Bourlon avec leur Hardcore tranchant et groovy, Spaced nous propose un très bon successeur à This Is All We Ever Get.

24. Soaring - Soaring (Blackgaze - France)

Long EP ou album court telle est la question. En tout cas, Soaring nous propose un quasi one-man band toulousain d’une qualité rare. Ici, on oscille entre Post-Rock et Shoegaze avec quelques chants éthérés ou criés. A écouter de toute urgence pour les personnes amatrices du genre !

23. Witches Exist - shelter in the cocoon (Shoegaze - Etats-Unis)

Un petit EP de douceur pour le projet Witches Exist que je trouve un brin inégal en termes d’ambiance sur ces trois titres. Pourtant, la magie opère et on en redemande.

22. Knives - Reglitter I (Post-Punk - Monde)

Après la sortie de leur premier album en début d’année, voici un EP réunissant “les ami·e·s qu’ils se sont fait en chemin” pour reprendre certains de leurs morceaux ! Parfait pour découvrir les chansons marquantes de leur album sous une autre patte mais aussi la collaboration avec Ditz sur Corazón. Que du bon en soit !

21. Ditz - Don Enzo Magic Carpet Salesman / Kalimba Song (Noise Rock - Royaume-Uni)

Après un excellent album, nous revoici avec un deux titres pour la fin d’année !

Deux morceaux bien originaux et certainement moins monolithiques que ceux proposés sur Never Exhale, entre un morceau de 9 minutes bien changeant comme il faut ainsi qu’un titre incluant de la kalimba. Un EP surprise avec des titres surprises, bref, parfait !

20. Monkeys on Mars - Monkeys on Mars (Stoner Rock - France/Suisse)

Une collaboration entre Monkey3 et Mars Red Sky ? Le truc improbable qui fait tellement plaisir ! Un projet réunissant deux groupes qui s’aiment et qui font de la musique exceptionnelle, bien sûr que ça allait faire des étincelles ! Embarquons donc sans plus tarder dans ce voyage mémorable qui nous attend !

19. L. Mayland - The Slow Fire of Sleep (Folk - Royaume-Uni)

Une des guitaristes et chanteuses du collectif The Last Dinner Party nous a proposé cette année son premier disque solo. Un projet un brin éloigné de ce qu’elle peut composer avec son principal, puisque celui-ci lorgne davantage sur la Folk que l’Indie Rock grandiloquent. Cela reste simple tout en étant joli et efficace.

18. Life in Mono - If I could sleep (Dark Rock - Royaume-Uni)

Un mélange entre Dark Rock et Shoegaze, voilà la promesse des trois morceaux du premier EP sorti en 2025 par Life in Mono. Un recueil de trois compositions originales, qui à mesure que les titres défilent, le rythme s’apaise jusqu’à nous proposer presque des titres tranquilles. En tout cas, c’est bien efficace comme il faut si l’on cherche des morceaux pas trop énervés.

17. Violent Sadie Mode - incelcore (Punk Hardcore - France)

Vous manquiez de Lambrini Girls dans vos vies ou de projets Riot grrrl ? Bienvenue dans le monde “subtile” de Violent Sadie Mode ! Du Punk déchaîné comme on les aime qui nous promet de bien nous défouler en concerts !

16. Pales - Crush (Post-Punk - France)

Depuis la découverte du projet Mhaol en live, j’aime écouter des groupes de Post-Punk n’hésitant pas à mettre du bruit dans leur musique.Pales semble de toute façon partir dans cette voix bien sympathique de la Noise et ça donne un sacré coup de fouet aux compositions !

15. Coilguns - Lost Love (Post-Hardcore - Suisse)

Après l’album Odd Love, il est temps pour nous de découvrir sa “face B” avec les deux titres de Lost Love. Une proposition plus sombre et négative encore que celle retenue pour l’album d’où leurs mises à l’écart jusqu’à ce qu’elles soient "plus adaptées à l’état du monde".

14. Hanry - Disruption (Post-Rock - France)

Quand on parle de Post-Rock Toulousain, on pense souvent à BRUIT ≤, et pourtant il y a aussi Hanry qui nous a délivré un très bel EP chez Pelagic Records cette année ! Un Post-Rock doux et atmosphérique digne de nos plus belles bandes sons de voyage !

Hâte de découvrir leur premier album qui était en cours de mastering en ce mois de décembre.

13. Gaupa - Fyr (Stoner Rock - Suède)

Petite découverte de cette année avec cet EP, j’ai été sous le charme assez rapidement devant ce Stoner Rock de très bonne facture. D’autant plus que ce groupe suédois est incroyable à voir en live, définitivement un de mes concerts préférés du Motocultor Festival de cette année !

12. Thrice/Less Gravity - Lofi EP (Lofi - Etats-Unis/Finlande)

Une collaboration entre Thrice et un artiste Lofi, ce n’était définitivement pas dans mon bingo 2025 !

Et pourtant c’est à la fois singulier et efficace ! Après, étant un grand fan de Thrice, je suis forcément biaisé, mais je suis très curieux de savoir si les musiques en elles-mêmes peuvent aussi plaire à des gens ne connaissant pas du tout le groupe à la base.

11. Tessa Rose Jackson - A Mirror Sometimes (Folk/Rock Alternatif - Royaume-Uni)

Début 2026, Tessa Rose Jackson sort son nouvel album et sera d’ailleurs de passage en France en mars prochain ! En attendant, on a pu découvrir cet EP fort intéressant qui réunit 7 collaborations de l’artiste avec d’autres artistes qu’elle apprécie. De quoi bien voyager et connaître plein de groupes différents des Pays Bas, du Royaume-Uni et de l’Irlande.

10. The Fearless Flyers - The Fearless Flyers V (Funk - Etats-Unis)

Un album live excellent, mais aussi un EP parfait, que demander de mieux à The Fearless Flyers pour cette année ? À part peut-être une tournée en France… Je ne sais pas !

Parfois quelques morceaux ne font pas mouche, mais ici, V est un sans faute de bout en bout. Entièrement instrumentaux, les titres accrochent et groovent bien comme il faut ! Bref, le bonheur !

9. Balthvs - Flesh and Soul (Rock Psychédélique - Colombie)

J’aime beaucoup les projets Groovy et Psychédélique un peu à la Altin Gun, Glass Beams ou autres. Découverts certainement grâce à mon papa, Balthvs nous partage une musique dansante et envoûtante, dur de ne pas se laisser transporter dans leur univers !

Par ailleurs, une date de leur dernière tournée est à savourer juste ici :

8. Mad Foxes - Tenderness (Post Punk - France)

Après un très bon album Inner Battles sorti en 2024, Mad Foxes remet le couvert avec un excellent EP de trois titres inédits. Des morceaux dans la lignée de leur précédent album, de quoi nous promettre un avenir radieux ! Surtout qu’on a eu le droit à une superbe live session pour célébrer cette sortie !

7. Lea Martinez - Threshold (Indie Rock - Suisse)

Sortie au label de Coilguns, Hummus Records, et partagé sur les réseaux par Zachary (homme à tout faire sur les tournées de Coilguns et guitariste de Human Greenhouse), j’ai pu donc suivre les conseils avisés de ce dernier et écouter cette petite pépite enregistrée, mixée et masterisée par le bassiste de Coilguns (Kevin Galland pour ne pas le nommer, vous pouvez aussi écouter son projet solo si le cœur vous en dit). Bon par contre pas de Post-Hardcore à l’horizon, mais une compilation de vieux titres de l’artiste enregistrés de façon intimiste tout en ayant un aspect parfois grandiloquent. De quoi donc se laisser bercer par beaucoup de douceur ou de nostalgie. Et si vous voulez un projet plus typé Metal avec la même artiste, je vous invite à découvrir H E X.

6. Kalandra - Mørketid (Folk - Norvège)

Après le partage du morceau Ghosts en novembre 2024, voici un petit EP pour la fin d’année. Une compilation de quelques titres, dont le titre Ghosts, chantés en norois ou en anglais selon les morceaux. On y découvre deux reprises, celles chantées en norois, et deux titres originaux, ceux chantés en anglais.

Si vous voulez une pause hivernale bien méritée, Mørketid n’attend que vous !

Notre interview du groupe faite le jour de sa sortie est à lire sur notre site ici.

5. Interlaker - Redux (Acoustique - Royaume-Uni)

Il est vrai que pour les personnes qui me connaissent, j’aime beaucoup les musiques paisibles, et peut être que vous l’avez déjà remarqué ici, pour les personnes les plus assidues, elles se souviendront de voir aussi ce projet chaque année dans mes tops. Cette fois-ci un petit EP acoustique, disponible au format numérique, reprenant quelques chansons de leur album. Une version réarrangée par le groupe composé de l’ancien chanteur de Lonely The Brave et du batteur de Arcane Roots, ainsi que pour l’occasion de son frère venu ajouter une troisième voix et seconde guitare. En espérant que le retour aux affaires d’Arcane Roots ne mette pas en arrêt ce magnifique power duo.

4. House of Protection - Outrun You All (Electro Rock - Etats-Unis)

Depuis leur départ de Fever 333, Stephen Harrison et Aric Improta continuent à nous partager un EP par an en plus de travailler respectivement sur d’autres projets comme Poppy ou Night Verses. Un disque diablement efficace qui, il paraîtrait, ne rend pas honneur à leur énergie sur scène très proche de la scène Hardcore. On est sur du Rock Alternatif très moderne mais néanmoins très efficace !

3. chest. - All Good Things End (Post-Punk - France)

Premier EP du quintet Parisien et mon dieu quelle claque ! All Good Things End ne révolutionne pas l’eau chaude mais apporte une telle qualité de production et de recherches sonores, qu’il devient un immanquable pour toute personne intéressée par le Noise Rock ou le Post-Punk. De quoi faire très attention au prochain album qui s’annonce !

Mon interview du groupe est à découvrir sur le site de la radio associative “Radio Primitive”.

2. Kills Birds - Crave (Grunge - Royaume-Uni)

Au printemps, je pensais que Crave finirait premier de ma liste avec son côté Grunge très efficace et les refrains rageurs de Nina Ljeti. Une découverte dûe aux hasard des recherches qui est tombée magnifiquement bien, et qui, j’espère, trouvera grâce à vos yeux !

Crave est un extraordinaire EP pour les personnes n’ayant pas eu leur dose de Grunge cette année !

La chronique détaillée est à retrouver sur notre site ici.

1. Mim Jensen - Shadow of the gift (Shoegaze -Nouvelle Zélande)

A force d’écouter plein de projets Dream Pop et de Shoegaze tout au long de l’année, il était tout naturel d’en trouver certains incroyables et le projet de Mim Jensen a réussi à m'envoûter dès les premiers singles. Entre les morceaux accrocheurs mais paisibles et ceux plus Pop, on a de quoi trouver une musique qui nous touchera en plein cœur entre la nostalgie ou l’amour.

Shadow of the Gift est un EP disponible au format numérique seulement et d’autres singles sont sortis d’après donc je suis extrêmement impatient de découvrir ce qui va suivre en 2026 !

Pour écouter quelques extraits des groupes dont je parle, c'est par ici via la playlist YouTube suivante, comme ça vous pouvez en plus profiter des clips :

https://youtube.com/playlist?list=PLDewruxr2Vz6S60g5KvGs85iFTrigkf_q&si=gAiKGJ7Qof0n63J0

Il ne me reste plus qu'à vous souhaiter une bonne année !

Au revoir, à bientôt.

Pour cet article, nous reviendrons sur les concerts immortalisés en audio et/ou vidéo sortis cette année. Le classement est bien sûr complètement subjectif et ne serra déjà plus valable à sa publication, mais bonnes découvertes !

Lien vers la playlist Deezer ici.

16. Persefone - Live in Andorra (Metal Progressif - Andorra)

A la traversée entre du Metal Progressif et du Metal Extrême, Persefone nous propose un concert tourné chez eux avec un orchestre. Bref de quoi redécouvrir leur répertoire d’une bien belle manière.

15. Dream Theater - Quarantième: Live à Paris (Metal Progressif - Etats-Unis)

Le retour du batteur Mike Portnoy derrière les fûts, les 40 ans du groupe avec un concert immortalisé en France ! N’ayant pas eu les moyens de voir ce concert en physique, je me suis donc empressé de le découvrir. Mais l’usage d’IA dans les différents visuels ainsi qu’une setlist bien trop imparfaite pour moi m’ont un peu laissé de marbre.

14. Haken - Liveforms: An Evening with (Metal Prog Royaume-Uni)

J'avoue que j’étais passé à côté de la date française de cette tournée, même si chaque concert d’Haken est un véritable plaisir ! Et le concept des “An Evening With” est toujours signe de tournée parfaite entre setlist best-of et concert long ; il était donc naturel que le concert soit aussi chouette à découvrir.

13. Slope – Live in Dortmund (Fusion - Allemagne)

Groupe de Fusion mêlant Hardcore, Funk et Rap nous partage son concert enregistré à Dortmund. De quoi se replonger dans nos souvenirs estivaux ou de quoi être un bon amuse bouche pour leurs prochaines apparitions sur la scène européenne l’été prochain…

12. Lights & Motion - Live at Offside Festival (Post-Rock - Suède)

Groupe de Post-Rock lorgnant très fortement sur Sigur Rós, il est toujours étrange de découvrir un groupe aussi paisible sur une aussi grosse scène. D’autant plus que ça fait du bien de voir une telle admiration pour ce genre musical en Chine.

Bref, un concert magnifique où l’on peut se laisser porter de bout en bout.

11. Steve Hackett - Live Magic at Trading Boundaries (Rock Progressif - Royaume-Uni)

Chaque année Steve Hackett se produit au Trading Boundaries pour une performance acoustique. Loin d’être seul sur scène, on peut y (re)découvrir quelques classiques de Genesis ou de sa carrière solo avec plusieurs arrangements inédits. Et quoi de mieux que d’immortaliser ce moment. Cette proposition fait partie du traditionnel concert filmé sortant chaque année, mais le twist de l'acoustique nous permet de profiter d’un tout autre spectacle.

10. Long Distance Calling - Live At Lichtburg (Metal Progressif/Post-Metal - Allemagne)

Un groupe allemand de haute volée dans le milieu du Post et du Progressif qui nous partage enfin un nouvel album live ! Toutefois, il est un peu en dessous de Stumm Film, leur précédent DVD live, mais cela n’empêche pas de profiter pleinement de leur nouvelle scénographie ainsi que de leurs nouveaux morceaux sortis entre temps. Par contre, la nouvelle setlist est très orientée sur le dernier album Eraser, donc j’espère que vous l’appréciez.

9. The Fearless Flyers - Live in Italy (Funk - Etats-Unis)

Quand Vulfpeck et Snarky Puppy s'allient, on ne peut que prévoir des étincelles ! Bien sûr, le supergroupe groovy à souhait nous partage une setlist aux petits oignons qui défile à vive allure. Et c’est bien normal vu que le concert dure à peine plus d’une heure, mais au moins ici aucun signe d’ennui à l’horizon !

8. The Warning - Live from Auditorio Nacional (CDMX) (Rock - Mexique)

Groupe de Rock formé par trois sœurs, The Warning est une bombe à voir en live absolument ! Malheureusement pour le moment, on se contentera que de quelques vidéos en attendant un éventuel DVD, mais heureusement pour nous, leur live enregistré chez elles et disponible en audio ! Une énergie folle dans le public couplé à un son puissant, de quoi rendre leur dernier album plus que mollasson.

7. TesseracT - Live at Radar (Metal Progressif - Royaume-Uni)

Filmé lors de l'édition de 2024 du Radar Festival, TesseracT avait pour l'occasion invité le “Choir Noir”. On voit ainsi leurs morceaux sublimés par des chœurs ainsi que plusieurs doublements de voix réalisés en live, ce qui change des doubles pistes en backing tracks habituelles.

Bref, une setlist très chouette, certes moins exhaustive que celle de Portals, et avec des choristes très douées que j’ai eu de la chance de voir en live cet été au Motocultor.

6. Riverside - Live ID. (Rock Progressif - Pologne)

Depuis ces dernières années, la plupart des tournées de Riverside s’accompagne d’un DVD Live pour immortaliser le tout. Une bien belle manière pour se souvenir de la dernière tournée avec les petits gimmicks de Mariusz Duda pour amuser la foule ou les vieux morceaux revisités pour notre plus grand plaisir.

5. Alex Henry Foster - A Nightfall Ritual (live) (Post-Rock/Rock Progressif - Canada)

Proposition un peu singulière avec cet album, puisque celui-ci nous propose seulement 4 morceaux, pour plus de 45 minutes de concerts néanmoins, avec deux titres inédits enfin enregistrés au format physique. Une bien belle proposition qui saura intriguer les fans comme les profanes j’en suis sûr ; encore faut-il aimer les morceaux longs bien sûr !

4. Cory Wong - Live at L'Olympia (Funk - Etats-Unis)

Depuis quelque temps, le guitariste de Vulfpeck aime se produire à l’Olympia à Paris. Cette fois-ci, c’est le deuxième soir qui a été immortalisé : en vidéo sur YouTube et en audio en vinyle ! 2h de folie furieuse avec des musiciens chevronnés avec de bien belles surprises à découvrir ou à redécouvrir .. Car oui, les deux concerts donnés par Cory Wong avaient tous deux une setlist quelque peu différente de quoi offrir deux spectacles différents ! Et quelque part, je suis presque heureux que ce soit le concert que je n’ai pas vu qui ait été capté, car comme ça j’ai eu deux fois plus de Cory Wong cette année ! Et si vous en voulez plus, il reste l’album du Live At Montreux Jazz Festival sorti il y a quelques jours.

3. Leprous - An Evening of Atonement (Metal Progressif - Norvège)

Tiens donc, un autre concert “An Evening With” ! Et quel concert dois-je dire ! Une tournée exclusive en Europe avec 7 dates dans 7 pays différents pour proposer 2h de concerts avec de la pyrotechnie (!?). Bref, du pur bonheur pour les fans de Leprous avec presque tous leurs albums représentés (seul leur premier album Aeolia est absent) ! Une madeleine de Proust incroyable, même si elle permet de voir que le public néérlandais n’était pas aussi énergique que le public parisien…

2. Mono - Forever Home: Live in Tokyo with Orchestra PITREZA (Post-Rock - Japon)

Une tournée mémorable avec un groupe de Post-Rock légendaire voici le pari fou de la tournée immortalisée ici : l’album Oath joué en entier avec un orchestre avec quelques titres bonus pour couronner le tout. Et quelle grandiose captation avec un orchestre bien plus complet que celui dont nous avons eu le droit en Europe ! Un album magnifique avec une interprétation splendide ! Bref, cela commence à devenir une habitude pour tous les concerts immortalisés par Mono et ça quelle bonne nouvelle pour nous !

1. Brutus - Live in Brussels (Post-Hardcore - Belgique)

Pour dire au revoir à leur album Unison Life défendu pendant presque trois ans sur plein de continents, le groupe avait choisi d’enregistrer un de leurs trois concerts à l’Ancienne Belgique ! Et comme pour les autres albums présentés ici, c’est un soir où j’étais absent qui fut immortalisé ; dans le cas contraire je pense que cet album live aurait été dans mes préférés de toute ma vie vu à quel point les prestations furent anthologiques ! Des moments chargés en émotions avec une setlist de tous les diables disponible sur YouTube en vidéo ou sur plein de formats différents pour l’audio. Par ailleurs, pour les personnes, comme moi, qui ont craqué pour la VHS, il est rigolo de voir la même vidéo au format 4:3 avec un filtre VHS par dessus ; le son quant à lui n’a pas été dégradé. De quoi (re)vivre les joies des téléviseurs cathodiques sur vos écrans modernes !

Si jamais, pourr découvrir mes photos : https://metalsoundmedia.com/articles/749/live-report-nos-reves-font-du-bruit-troyes-la-chapelle-argence-22-11-2025

Ou pour découvrir la fameuse interview de "chest." : https://www.radioprimitive.fr/emissions/speciales/20251209-gauvain-nous-ramene-des-souvenirs-de-nos-reves-font-du-bruit.html

Chapitrage de la vidéo :

• 00:00 : Introduction
• 01:34 : chest.
• 04:23 : Basic Partner
• 05:56 : It It Anita
• 08:02 : The Murder Capital
• 09:26 : Conclusion

Sur scène, Landmvrks frappe fort et sans détour en commençant par le titre éponyme de leur dernier album "The Darkest Place I've Ever Been". Le groupe a ensuite enchaîné entre morceau du dernier album et des titres de leurs précédents albums. Aucune fausse note, rien ne pouvait entacher la dernière date de la tournée. Le groupe avait poussé les potentiomètres au maximum et chaque breakdowns a fait l'effet de secousses sismiques.

Florent Salfati, en patron, mène la danse avec une intensité impressionnante. Mêlant chant parlé, rappé mais aussi une alternance entre voix claire et voix saturée. Un mix comme il sait si bien le faire.

Le public quant à lui n'était pas en reste, entre pogo, mosh et wall of death, il a su faire de cette date, une date inoubliable pour le groupe et offrir un cadeau de Noël anticipé au groupe.

Pour le chapitrage de la vidéo :

• 00:00 : Le festival
• 05:39 : Les concerts et Acus Vacuum
• 07:30 : Luc Arbogast
• 09:16 : Kalandra 12:52 : Conclusion

Ci-dessous, vous trouverez une playlist avec des morceaux des groupes de la soirée, une petite sélection découverte d'...and Oceans plus quelques projets annexes de leur membres qu'on mentionnent en interview :

Au revoir, à bientôt.

Et pour commencer la soirée tranquillement, nous avons eu le droit à un petit DJ set.

Dolomede (DJ - France)

Ainsi, la soirée débuta par un petit set de musique Ambient tirant un peu vers la musique expérimentale.

C'était plutôt paisible, mais assez entêtant pour se laisser porter. Même si je suis assez profane dans le style, ça m'a un peu rappelé du Message to Bears en plus électronique ou du foudre! en moins agressif.

Je me suis quand même noté quelques morceaux qui m'avaient un peu plus intrigué que le reste :

• Djrum - Blue Violet
• Burial - Rodent

Hiverlucide (Musique expérimentale - France)

La première chose qui interpelle est le côté simple de la scène : deux personnes en fond de scène derrière leurs claviers respectifs.

Pourtant, ceci n'est que pour laisser place au véritable spectacle : la performance de la troupe Pourchasse Carcasse !

Une performance qui prend la forme d'une lutte entre deux protagonistes. Un combat qui se transforme en danse étrange, en jeu de pouvoir, de tentation, de soumission, ...

Un jeu malsain qui se passe majoritairement dans la fosse, bousculant et perturbant le public, le rendant témoin muet de ce qu'il se passe. Un moment fort et perturbant assurément qui se joue en parfaite osmose avec la musique expérimentale qui nous chatouille les oreilles.

Les cris ou les voix trafiquées du groupe deviennent l'expression des protagonistes, les samples de voix deviennent des didascalies ...

J'avoue que je ne suis pas forcément amateur de ce genre de musique habituellement, mais il faut vraiment le voir en live pour le croire. Un concert d'Hiverlucide se vit au milieu de la fosse, où toutes les horreurs peuvent se dérouler sous nos yeux.

La musique est en tout cas assez minimaliste et joue beaucoup sur des nappes d'ambiances. Ce qui m'a rappelé parfois le travail de Område par moments.

thisquietarmy X Otay:onii (Musique expérimentale - Canada et Chine)

Cette fois-ci, les deux personnes sur scène sont les seuls personnages que nous verrons pendant ce concert. Un concert qui n'en sera pour autant moins intense, tellement l'artiste Lane Shi Otay:Onii est charismatique sur scène !

La guitare nimbée de nombreux effets de thisquietarmy sert de nappes aux expressions vocales les plus folles ou d'accompagnement aux mélodies de kazoo modifié ou de percussions.

Otay:Onii n'est pas en reste avec quelques pédales d'effet pour créer des boucles ou des effets sur sa voix ou ses quelques instruments.

Une prestation qui est passée à une vitesse effrénée et qui nous a transportés tout du long. Libre à nous de nous laisser porter par nos pensées ou de voir la création de la musique en direct couche par couche.

Bref, une soirée mémorable placée sous le signe des aventures musicales singulières.

Un rendez-vous immanquable pour tout fan du groupe n'habitant pas trop loin...

Pluie Cessera (Emo - Paris)

Le projet parisien d'Emo Rock était venu jouer sur scène son premier EP "We've Been Alone". Un recueil de chansons tristes que le groupe était heureux de partager avec nous.

Du moins, si l'on en croit les interventions de Chloé Jean, la chanteuse, qui nous disait toujours que la chanson suivante serait encore une chanson triste, voire très triste.

Pourtant, le concert débordait de passion, puisque cette date était bien spéciale pour le groupe. Chloé et Florence Pollet se sont en effet rencontrées à un concert de Hardcore dans cette même salle. Une belle occasion pour rappeler qu'il faut croire en ses rêves, car elles ne pensaient jamais jouer dans cette salle avec le projet qu'elles ont imaginé ensemble.

Bref, un concert émouvant qui, malgré l'absence de blagues de Chloé, proposait une très chouette atmosphère et un parfait lancement à cette belle soirée.

Fragile (Hardcore Moderne - Angers)

Depuis la sortie de leur premier album, Fragile se promène un peu partout pour le défendre, et il fallait bien s'arrêter à un moment pour Paris ! Pile un an après leur date à la Mécanique Ondulatoire avec Yeahrs et Karaba F.C. !

Il en fallait donc pas plus pour avoir un public bien remonté et prêt à passer sa meilleure soirée ! Entre les pogos, un unique slammeur et les gens collés aux barrières pour chanter les refrains, on était pas loin de tomber dans un concert de Hardcore chaud bouillant !

Qui dit Release Party, dit une setlist orientée sur l'album en question et avec un solide huit titres, on a pas été déçu. On a quand même eu le droit à la moitié du premier EP "... about going home" ! Ma foi, je n'aurais pas dit non à un peu plus de rab, mais le concert étant déjà exceptionnel, il est dur d'en vouloir au groupe.

On a même eu le droit à une invitée surprise au chant sur Celebrate et à l'habituelle intervention de l'ingé son sur Model. Bref, une magnifique soirée pour nous faire profiter un maximum de la puissance du groupe mais aussi profiter des nouvelles chansons qui sont taillées pour être jouées en concert !

Encore merci à Pluie Cessera d'avoir prêté leur basse, car sinon le concert aurait eu moins de gueule ...

C'est à voir ici :

Passez de bonnes fêtes !

Au revoir, à bientôt.

Le show était massif, chirurgical, une démonstration de force où chaque morceau semblait avoir été pensé pour frapper un peu plus fort que le précédent. Le groupe a repris tout ce qui a fait leur succès, en passant par tous les albums. Nous avons même pu revivre la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques de Paris avec le morceau Mea Culpa mais contrairement à d'autre date, Marina Viotti n'a pas pu être présente car restée de l’autre côté de la frontière pour son concert à Zurich. Une absence remarquée, mais pas handicapante.

À cause de son problème au poignet, Joe Duplantier n'a pu prendre sa guitare que sur 3 morceaux, mais il a assuré une prestation vocale à faire haranguer la foule ce qui compensait largement.

Côté scénographie, on n’était pas en reste, tout en mêlant pyrotechnie et jeux de lumières puissants pour accompagner les riffs et la double pédale de Mario.
Et n'en déplaise à Julien Doré, le groupe a fait voler ses emblématiques baleines pour le morceau Flying Whales.

Au total, 1h45 de puissance, de maîtrise et de communion, un show dense, vivant, à la hauteur de ce qu'est Gojira aujourd'hui.

Jour 1 :

• Imminence
• Queensrÿche
• Kanonenfieber
• Sierra Veins
• Calva Louise
• Goatfather

Jour 2 :

• Wind Rose
• Shaârghot
• The Browning
• Knuckle Head
• Heart Attack
• 111

Le Seigneur Noir est en marche. Rejoins l’armée en réservant ta place maintenant en cliquant ici !

Un report vidéo sortira prochainement pour vous raconter cette belle soirée en détails.

chest. (Post-Punk - Paris)

Basic Partner (Post-Punk/Noise Rock - Nantes)

It It Anita (Noise-Rock - Belgique)

The Murder Capital (Post-Punk - Irlande)

Vous pouvez écouter Hulder par cette playlist :

Au revoir, à bientôt.

Diivague (Alt Shoegaze - FR)

Pour commencer la soirée, le nouveau groupe Diivague était de la partie : un mélange entre Post-Punk, Rock Alternatif et Post-Rock. Un mix de prime abord un peu singulier, mais qui marche plutôt bien !

Pourtant, je ne suis pas trop rentré dedans, du moins j'ai eu du mal avec les parties chantées. Ces dernières avaient beau avoir une ligne de chant entêtante, la voix en elle-même ne m'a pas transporté.

Un jeune groupe prometteur qui peut vraiment nous surprendre prochainement.

Glazyhaze (Shoegaze - IT)

Après un album Sonic plus qu'excellent, j'avais vraiment hâte de découvrir le projet sur scène. Et quel plaisir de voit toute la beauté de l'album, mais aussi du précédent, transparaître autant sur scène. La basse avec ses sonorités Cold-Wave épouse parfaitement les riffs Grunge ou les envolées Shoegaze des deux guitares. Bref, on est vite transporté par les mélodies, mais aussi par le chant porté par Irene et Vsevolod.

Un concert parfait pour ouvrir pour Sofcult, même si on aurait pas dit non à quelques morceaux de plus tellement le concert est passé à une vitesse terrifiante !

Softcult (Riotgaze - CAN)

Enfin ma malédiction est levée, j'ai enfin pu voir le projet de Phoenix et Mercedes ! Après quelques années d'écoute des singles et EP, j'ai été ébahi de pouvoir enfin les voir se jouer devant moi. Entre l'alchimie du groupe, car oui le duo se transforme en quatuor en tournée, et les mélodies savoureuses, on est directement pris par les différentes morceaux. On se laisse vite submerger par l’énergie que dégage leurs chansons empruntant au Shoegaze et au Grunge pour nous délivrer une musique savoureuse et accrocheuse ! De quoi nous laisser repartir avec les étoiles dans les yeux et quelques mélodies en tête ...

Par ailleurs, n'oubliez pas que leur nouvel album sort début 2026 en janvier et que " Free Palestine, Trans-rights are Human-rights". On ne sait pas si Mercedes a prononcé ces derniers mots en ayant en tête que ce jeudi 20 novembre était la "journée du souvenir trans", en tout cas c'est toujours à propos de le rappeler.

La soirée était 100% dédiée au groupe mythique, ils sont donc devenus un tribute band en reprenant tout ce qui faisait l'essence même de ce groupe et à commencer par la puissance du niveau sonore. Très vite, la salle est devenue bouillante, au sens propre comme au sens figuré. La chaleur et la moiteur se sont vite transformées en un sauna. Mais les riffs puissants et la basse poussée à son maximum nous offraient un souffle puissant venant des haut-parleurs, ce qui nous permettait d'avoir un peu d'air et nous a surtout rappelé à quel point Lemmy aimait jouer fort.

Concernant le public, il reprenait en chœur les classiques comme Orgasmatron, Metropolis... et chaque riff des guitares déclenchait un rugissement collectif et on peut dire qu'à ce niveau-là, il ne s'agissait pas d'un simple hommage mais plutôt une résurrection sonore, bruyante mais tendre et empreinte de nostalgie.

En tant que fan de Motörhead, je ne pouvais manquer cette soirée et j'ai bien fait. Cette énergie m'a rappelé la première fois où j'ai vu Lemmy et son groupe sur scène. J'en suis ressorti le cœur gonflé par un hommage sincère et puissant mais aussi avec les batteries rechargées à bloc et prêt pour remettre le couvert pour encore des heures de show.

Lors de cet entretien, nous avions la totalité du groupe, soit :

• Katrine Ødegård Stenbekk : Chant
• Florian Bernhard Döderlein Winter : Guitare, chant
• Jogeir Daae Mæland : Guitare, claviers, chant
• Oskar Johnsen Rydh : Batterie

Gauvain :

Votre album A Frame of Mind a maintenant un an. Quels sont vos ressentis par rapport à cet album, surtout après l’avoir autant défendu sur scène ?

Florian :

Il est vrai que j’ai un peu réfléchi là-dessus et je suis quand même un peu triste car nous n’avons pas encore pu jouer tous les morceaux. En vérité, nous n’avons pas encore eu le temps de tous les répéter ou de les inclure dans notre setlist. Cela me déprime un peu, mais en même temps je suis très heureux que nous ayons encore des nouvelles chansons qui nous reste à jouer sur lesquelles nous pouvons expérimenter ou faire quelque chose de neuf.

Et récemment, j’ai pu prendre le temps de réécouter l’album, car ce n’est pas quelque chose que nous faisons vraiment, et j’en suis encore fier. Je suis content de cet album !

Katrine :

Je ne pense pas être heureuse avec A Frame of Mind. Je pense que l’on aurait pu faire mieux si nous avions eu plus de temps. Mais c’est mon avis.

C’est un peu délicat quand tu ne peux pas prendre ton temps à cause des impératifs que l’on a maintenant avec nos partenaires collaboratifs et autres.

Mais aussi, si tu prends ton temps, l’argent viendra à manquer et peut être aussi l’engouement de nos fans. Donc tu dois un peu, en quelque sorte, jouer le jeu.

Cela impacte aussi le côté créatif, quand quelque chose doit paraître, tu dois être capable de dire que c’est assez bien comme ça et que ça va.

Mais c’est mon propre ressenti. Je suis vraiment contente avec The Line puisque l’on a passé plusieurs années à le faire. Je n’ai jamais vraiment été aussi satisfaite avec ce que l’on a pu sortir après.

C’est un peu triste à dire, mais c’est vrai.

Jogeir :

Nous l’avons appelé A Frame of Mind, car il était notre état d’esprit à l’époque et parfois tu dois laisser les choses suivre leur cours.

Et dans le contexte où nous sommes et où nous étions, c'est en quelque sorte ce que nous avions imaginé. Et je suis vraiment fier d'un grand nombre de ces chansons.

Et bien sûr, même avec The Line, je trouve qu’il y a des choses que j’aurai faites différemment aujourd’hui.

Mais je ne suis sûr que cela aurait été mieux ou non. A la fin du processus créatif, tu passes de plus en plus de temps et d’énergie pour de moins en moins d’amélioration

Katrine :

Tout à fait !

Jogeir :

Il faut donc toujours savoir trouver le juste milieu où l'on se dit : « Il faut en finir maintenant ».

Mais quand j’y repense, il y a plusieurs trucs que j’aurai fait autrement.

Gauvain :

Comme toujours, quand on se rappelle une chanson, on a toujours une version différente en tête.

Florian :

Je dirais que, bien sûr, on aurait pu passer plus de temps sur A Frame of Mind, et j'aurais aimé que ce soit le cas.

Mais je suis très content du résultat dans le sens où on n’avait pas beaucoup de temps pour le créer.

Et je suis super fier que nous ayons réussi à réaliser l’album de la manière dont il est. De plus, il n’y a aucune chanson qui me dérange.

Dans le sens où j’ai beau adoré The Line, il y a certaines chansons qui me mettent quand même mal à l’aise. Alors que pour moi, il n’y a aucun moment malaisant dans A Frame of Mind.

Gauvain :

C’est un vieil album, c’est vrai que cela peut sembler étrange d’entendre certaines parties

qui seraient complètement différentes aujourd’hui.

Florian :

Ceci dit, on a quelques passages comme ça dans A Frame of Mind, certaines choses que l’on ne veut plus faire.

Certaines choses une fois faites n’ont plus besoin d’être répétées ou pourront être faites autrement la prochaine fois.

Je pense que nous avons tous hâte d’écrire le prochain album !

Katrine :

Et d’en avoir le temps ! J’adorerai !

Gauvain :

C’est assez étrange de vous entendre dire que vous n’avez pas eu le temps de faire A Frame of Mind, parce que j’ai l’impression qu’il est bien plus complexe que The Line.

J’ai la sensation, dites moi si j’ai tort, que vous avez davantage expérimenté avec votre dernier album.

Est-ce moi ou est-ce quelque chose que vous vouliez faire avec A Frame of Mind comme plus d'expérimentations, essayer de nouvelles choses comme enregistrer une cabane, des sons de la nature (NDLR : Hytta) …

Ou était-ce juste une coïncidence ?

Katrine :

Il est évident que nous sommes devenus de meilleurs musiciens et musiciennes depuis The Line et d’une certaine manière dans le côté expérimental.

Évidemment, parce que je ressens les choses de cette manière, cela ne veut pas dire que les garçons ressentent la même chose.

De mon côté, je n’aime pas faire la course ou faire de la musique pour quelqu’un d’autre. J’ai besoin que ce soit pour moi et que j’aie quelque chose à dire.

Je n’aime vraiment pas quand j’ai l'impression de courir après une échéance pour le compte de quelqu'un d'autre.

De plus, je ne pense pas que j’ai pu créer mon plus bel art jusqu’à aujourd’hui et je ne sais pas si j’en serai capable maintenant que nous sommes dans ce train-train quotidien.

C’est juste une roue de hamster différente de celle dans laquelle nous étions quand nous avions nos différents emplois à temps partiel. (rires)

Jogeir :

Je pense en effet que nous avons beaucoup expérimenté avec A Frame of Mind, mais en même temps je pense que nous avons à la fois trop et pas assez fait ; si tu vois ce que je veux dire…

Gauvain :

C’est dur de trouver le juste milieu entre les deux …

Jogeir :

C’est dur à dire, c’est toujours un processus.

En tout cas pour moi, à chaque fois que j’écris, j’ai le sentiment de ne rien savoir au commencement.

Et une fois que tu as quelques idées et quelques thèmes qui sont apparus, tu atteins ce point où tu es excité par ce que tu vas créer et tu as ce besoin de l’écrire !

Tu touches le fond puis tu finis par y arriver, mais c’est un phénomène étrange.

Spécifiquement quand nous sommes tous les quatre, nous aimons travailler ensemble et nous avons différentes manières de faire, différents atouts et différentes sources de motivation. Donc c’est en quelque sorte un bateau qui a du mal à voguer vers la même direction.

Mais je pense que nos meilleures compositions naissent de ces moments où nous ne sommes pas tous et toutes d’accord, et que nous parvenons à faire ressortir les meilleures qualités de tout le monde.

De sorte que …

Katrine :

Que tout le monde puisse briller à sa façon...

Jogeir :

C’est compliqué, d’autant plus que nous sommes actuellement au tout début d’une nouvelle aventure.

Donc je pense que nous avons ce besoin d’être un peu perdus pour avancer. Du moins, j’ai ce besoin d’être un peu perdu …

Gauvain :

…Pour proposer quelque chose de neuf et frais.

Jogeir :

Et d’être curieux et ouvert à ce qui est intéressant !

Mais je suis persuadé que nous allons trouver quelque chose d’intéressant. Je suis très enthousiaste à l'idée de ce que nous n'avons pas encore créé !

Florian :

Je n’ai pas grand chose à ajouter de plus à part que je pense que nous écrivons notre meilleure musique quand nous brillons tous comme l’a très bien dit Katrine.

Mais cela ne veut pas forcément dire que tout le monde doit avoir une partie pour lui ou occuper tout l’espace.

Parce que cette étincelle peut être un changement initié par l’un ou l’une de nous sur une idée que j’avais proposée, ou même l’inverse. Cela peut être aussi une critique, retenir une idée, réfréner certaines impulsions ou même nourrir d’autres…

Donc ce n’est pas nécessairement une performance individuelle ou le processus créatif de chacun et chacune d’entre nous, mais comment nous nous gérons les uns les autres dans cet espace créatif et dans l'écriture.

Je trouve que les chansons où nous avons réussi à le faire sont difficiles à écrire, mais ce sont certaines de mes chansons préférées.

Oskar :

J’aime réfléchir en termes de couleurs. Et je pense que nous sommes encore loin d’avoir terminé l’expansion de nos expériences.

Et quand cela arrivera, nous continuerons à expérimenter de plus en plus.

De mon côté, j’ai créé un instrument lors de la dernière tournée alors que j’étais loin du groupe (NDLR : Oskar était alité ces derniers mois à cause de la maladie et avait dû être remplacé pour une tournée entière).

C’est un synthétiseur : un “soft-synth” (NDLR : un synthétiseur logiciel).

Donc, je suis vraiment super emballé à l’idée de …

Gauvain :

…Pouvoir l’essayer ?

Oskar :

Oui totalement ! Parce que c’est un instrument qui propose un nouveau son à chaque fois que joue avec. A chaque fois, apparaît une nouvelle sonorité que je ne peux recréer !

Ce qui est plutôt sympa, je trouve.

Gauvain :

C’est vraiment intéressant !

Oskar :

Pour en revenir à la question initiale, je pense que je souhaite ajouter plus de couleurs aux nouvelles chansons. Et pour atteindre ce résultat, cela peut passer par le changement des instruments, changer la structure de nos chansons…

Vous vous souvenez du processus créatif de “State of the World” ? (NDLR : Oskar parle aux autres membres)

Pour moi le génie derrière ce morceau est que je ne joue pas de la batterie !

Au tout début du processus, j’avais essayé pendant plusieurs semaines différentes choses à la batterie et je me suis dit que ça n’allait pas.

Gauvain :

Le silence était une meilleure manière de bonifier la chanson !

Oskar :

Tout à fait ! La batterie est un instrument un peu injuste où il est parfois bon de se la fermer ! (rires)

Après seulement j’ai ajouté de la batterie pour la fin du morceau alors qu’au début on essayait vraiment de se baser sur la batterie pour s’en inspirer.

Essayer d'avoir une vue d'ensemble est nouveau pour moi.

Suis-je censé jouer en général ? Ou simplement rester silencieux ?

Le silence est une autre chose importante.

Katrine :

Je suis d’accord.

Gauvain :

As-tu réfléchi à la façon de jouer les nouvelles parties sur le soft-synth ?

Comme à chaque fois il te propose un nouveau son, comment vas-tu t’y prendre pour les concerts ?

Oskar :

J’ai en quelque sorte trouvé une solution pour le faire. Mais ce n’est pas simple de proposer quelque chose d’identique, c’est vraiment basé sur l’improvisation.

Gauvain :

Donc cela sera unique à chaque fois ?

Oskar :

En effet, mais je peux aussi essayer d’apprendre où jouer les notes.

Si je me souviens, je peux apprendre à le reproduire d’une certaine façon. Mais oui, ce ne sera jamais techniquement la même chose.

Gauvain :

Cela peut être chouette que cela évolue à chaque concert selon l’ambiance du moment, quand cela peut s’aligner avec tes sentiments à chaque concert et ainsi proposer une expérience complètement différente à chaque fois. Pour les fans, je pense que cela peut devenir quelque chose de fascinant et mémorable !

Oskar :

Je pense aussi ! Mais cela le sera aussi du point de vue du musicien !

En tant que musicien, je dois changer cela. Je viens d'une mentalité d'improvisation.

J'ai étudié le jazz dans ma vingtaine. Il est naturel dans ma carrière musicale de batteur de baser les choses sur l'improvisation. Mais il faut mélanger autant que possible.

C’est intéressant en plus d’apporter de supers couleurs.

Gauvain :

Quelques mois avant votre tournée européenne en tête d’affiche, nous avions discuté de la pression d’être responsable de tout : la scénographie, la setlist, d’être le clou du spectacle, remplir la salle…

Êtes vous rassurés avec tout le soutien que vous avez reçu chaque nuit ? D’autant plus que votre prochaine tournée en Australie a déjà quelques dates complètes ?

Jogeir :

Je pense que c’est important en effet. Je me sens un peu hypocrite, car nous avons maintenant une chanson qui s’appelle “It Gets Easier” …

Katrine :

Mais ce n’est pas le cas (rires) !

Florian :

Chut ! (rires)

Jogeir :

Comme on a pu en discuter, on aurait pu reproduire le son de The Line et beaucoup de personnes en auraient été heureuses. Mais j’ai le sentiment que nous devons nous réinventer pour toutes les choses que nous faisons.

Il n’est pas simple de renoncer à quelque chose pour lequel on est doué, même si l'on n'a pas l'énergie nécessaire. Nous avons donc désormais de bons collaborateurs qui nous aident beaucoup.

Il y a plus de personnes sur la route qu'auparavant. Nous bénéficions d'une aide extérieure plus importante.

Nous faisons moins certaines choses, mais cela nous donne plus de liberté pour en faire d'autres.

Katrine :

Il y a plus de pressions, d’échéances à respecter et toujours énormément d’emails ou de travail administratif. Nous nous occupons même du merch.

Gauvain :

Et vous avez plus de temps pour les aspects artistiques ?

Florian :

Pas vraiment … (rires)

Katrine :

Jogeir s’occupe aussi beaucoup de la logistique, Oskar des finances,... Nous n’avons pas de comptable dédié, donc Oskar s’en charge.

Les nombres deviennent plus gros, mais aussi les dépenses, nous évaluons constamment.

Combien de mois avant la banqueroute, ce genre de choses..

Florian :

Est-ce que tu pourrais répéter la question, car je crois que nous avons un peu digressé ?

Gauvain :

Êtes vous rassurés avec tout le soutien que vous avez reçu chaque nuit durant votre tournée européenne ? D’autant plus que votre prochaine tournée en Australie a déjà quelques dates complètes ?

Florian :

Pour notre première tournée en tête d’affiche, c’était incroyable !

Spécialement la première partie ! Je ne veux pas parler en mal de certains pays, mais la première partie était plus ou moins sold out.

Et c’était un sentiment incroyable ! Nous nous sommes vraiment sentis appréciés. C’était cool de le faire par nous-mêmes et de voir les choses que l’on pouvait faire ! Ne pas être aussi la première partie et de jouer dans plein de nouveaux endroits ! D’autant plus que nous avons rencontré plus de fans que jamais auparavant. C’était une expérience incroyable.

Et maintenant, nous constatons que le même phénomène semble se reproduire en Australie.

C'est très gratifiant.

Jogeir :

La France était particulièrement incroyable sur cette tournée ! Vous avez été géniaux (rires) ! Les allemands pas autant (rires)...

On ne dit pas vraiment ça (discussions en norvégien)...

Katrine :

Mais, c’est un peu vrai quand même…

Gauvain :

C’est juste un public différent. J’avais pu entendre de la part de Birds in Row, un groupe de Post-Hardcore français, qu’ils avaient joués devant un public stoïque et silencieux en Allemagne. Du coup, ils se demandaient s’ils ne faisaient pas leur pire concert et toutes les personnes qui sont venues les voir à la fin étaient unanimes sur le fait que c’était leur meilleur concert et que ça avait été fantastique.

Ils ont juste une autre façon d’apprécier le concert.

Florian :

On a eu aussi cette expérience en Allemagne où certains endroits, dont on taira le nom, étaient vraiment stoïques. Pourtant ils adorent le concert, mais ne montrent pas forcément leur engouement pendant. C’est un peu la même chose en Norvège.

Katrine :

Et en Finlande !

Florian :

A moins que la foule soit saoule, nous les Norvégiens sommes d’un tempérament silencieux ou admiratif. Dans le cas contraire, nous sommes ivres et beaucoup trop bruyants sans être trop respectueux de ce qu’il se passe sur scène.

Gauvain :

Si ça peut vous rassurer, on a les mêmes ici en France (rires).

Jogeir :

Nous avons essentiellement vécu des publics très attentifs et actifs en France. A Toulouse, on a eu plusieurs huées, mais nous avions été prévenu en avance que si nous étions hués cela voulait dire que c’était une bonne chose !

Gauvain :

Cela dépend ce qu’on le dit, parfois les sons que l’on fait sont des blagues, ou des choses très sérieuses.

Cela peut être assez difficile à comprendre de distinguer les blagues des acclamations.

Nous sommes vraiment un pays difficile.

Gauvain :

Par ailleurs, avez-vous eu le temps de vous reposer ?

Parce qu’entre les nombreuses tournées et la sortie de Mørketid, je n’ai pas l’impression de voir beaucoup de temps libre.

Katrine :

Je suis un peu déprimée, je pense que c’est un peu trop.

Gauvain :

J’ai vu ces derniers temps plusieurs groupes annuler une fraction de leurs tournées européennes pour privilégier leurs santés mentales. C’est toujours difficile à faire entre créer de la nouvelle musique, partir en tournée et recommencer …

Katrine :

Comme chacun peut vivre le monde à sa façon. Certaines personnes adorent voyager et tirent leur énergie du voyage. Mais ce n’est pas moi. J’ai toujours trouvé difficile pour moi de réfléchir au moyen de se rendre d’un endroit à un autre. Je pense toujours que les choses ne vont pas bien se passer, même si c’est un petit voyage. En vérité, je n’aime pas vraiment voyager.

J’éprouve en ce moment une certaine lassitude. J’adore créer de la musique, prendre mon temps et être dans mon propre espace, mais je sens que la carrière musicale ne permet pas nécessairement d’offrir ce genre de style de vie entre les voyages et les concerts qui vont avec. Il faut être dans un état d'esprit très sain afin d’être capable de tout faire correctement.

Mais tout ça est mon expérience, je sais que les garçons ne ressentent pas la même chose.

Florian :

Je dirais que je suis entre les deux : je déteste voyager, mais j’adore les nouveaux endroits.

J’y ai réfléchi récemment et ce qui me dérange est la manière que l’on a de voyager : c’est bien trop rapide. Tout est une succession de voitures, d’avions, de trains… Toutes ces choses qui ne permettent pas de vivre l’expérience du voyage en lui-même. Parce que j’ai pu parcourir la moitié de la Norvège à pied et j’ai adoré ça !

Gauvain :

Vous n’avez pas le temps de vivre pleinement le voyage…

Florian :

Aller d’un point A à un point B, comme Katrine a pu le dire, c’est tout planifier et de se faire à l’idée. Ce n’est pas comme l’ancienne partie de nous même : l’Homme des cavernes ne pouvait pas appréhender ce genre de choses.

J'adore découvrir ces nouveaux endroits, mais c'est notre façon de voyager qui nous épuise.

Katrine :

Je suis d’accord !

Florian :

Mais pour répondre à la question initiale, nous ne prenons pas vraiment de pauses.

Nous allons bientôt en prendre. Les vacances ne sont pas quelque chose que nous avons pu nous permettre de prendre ces quatre ou cinq dernières années et on va devoir le faire.

Je vais par exemple aller en Australie un peu avant le reste du groupe pour profiter des kangourous et du soleil (rires). Tourner est vraiment difficile, mais la scène, pour rebondir à la question précédente, c’est vraiment la reconnaissance que nous recevons, les gens et l'amour qui en découlent, qui m'aide beaucoup à trouver un sens à tout cela.

Jogeir :

Je suis d’accord, j’ai ce même sentiment lorsque nous voyageons. De plus tourner est très cher d’autant plus avec nos ambitions pour nos concerts et de tout posséder nous-mêmes et de faire beaucoup de choses nous-mêmes.

Donc, chaque fois que nous partons en tournée, nous devons trouver un équilibre entre ce qui en vaut la peine financièrement. Ce qui n'est pas un exercice très amusant.

Nous avons pris cette décision, mais en même temps, c'est difficile. Et je pense que nous essayons de nous convaincre que nous y arriverons, que nous atteindrons ce stade où nous pourrons nous offrir toutes ces choses et créer toutes ces choses.

Mais si vous n'appréciez pas le processus pendant que vous le faites, est-ce que cela en vaut la peine ?

C'est la question qu’il faut se poser. C'est un peu un voyage continu, je pense, pour simplement apprécier les choses que l'on fait.

C'est donc un mélange entre travailler sur l'appréciation et lâcher prise.

Katrine :

Ou être capable d’ajuster sa vie de telle sorte à ce que l’on peut l’apprécier.

Si on peut se le permettre, comme avoir plus de temps libre, de congés pour voir où nous en sommes, ce genre de choses …

Jogeir :

Oui, mais c'est un équilibre délicat, parce que c'est une entreprise, une aventure risquée, mais aussi créative.

Et c'est ça le problème : si vous avez plus de jours de congé, alors vous avez peut-être besoin d'un autre travail. C'est difficile à accepter aussi.

Florian :

Et on peut dire que nous essayons !

Évidemment, lorsque nous sommes en tournée, nous essayons de ne pas faire les choses à moindre coût. Nous essayons d'économiser de l'argent et nous avons appris lors de la dernière tournée que faire les choses à moindre coût n'était pas la meilleure solution, car nous avons dû changer de véhicule quatre fois je crois ?

Katrine :

Et annuler un concert !

Florian :

Un concert à Utrecht au Pays-Bas que nous avons pu reporter et c’était incroyable !

Gauvain :

C’est un chouette endroit !

Florian :

Fantastique même !

Tout ça est une question d'argent, mais aussi d'énergie, de temps et tout ça.

Mais j'essaie de rester positif, car je pense que cette tournée aurait été géniale si nous n'avions pas dû changer quatre fois de véhicules et en avoir un plus confortable.

J'espère que nous gagnerons plus à l'avenir, plus de gens viendront aux concerts, plus de gens écouteront notre musique.

Cela se traduit directement par le fait que nous n'aurons plus de voitures en panne, que nous n'aurons plus à annuler de concerts, que nous ne perdrons plus le sommeil à cause de ces choses et que nous ne nous épuiserons plus.

Nous nous efforçons d'atteindre ce stade où nous serons suffisamment en sécurité pour que cela devienne encore plus agréable.

Jogeir :

La question difficile est pour toute l'industrie musicale.

On fait notre boulot, on s'en sort plutôt bien en termes de streams et d'audience, et on peut faire des tournées dans le monde entier, mais pourquoi on ne gagne pas plus d'argent ? Pourquoi doit-on vivre avec le salaire minimum ?

Et, évidemment, nous faisons notre propre truc, comme par vanité, en faisant de la musique, mais il y a, comme, dans l'avenir vers lequel nous nous dirigeons, la façon dont nous valorisons l'art et le talent musical. J'ai tellement d'amis qui essaient de devenir musiciens et qui nous admirent, parce que “vous avez vraiment réussi, vous faites des tournées dans le monde entier, vous avez tellement de streams, j'aimerais juste pouvoir atteindre ce niveau. Alors je serais heureux, et c'est en quelque sorte…”

Florian :

Alors que pas du tout. Du moins, ce n’est pas ça qui te rendra heureux.

Jogeir :

Je veux dire, il y a plein de supers moments. Par exemple, aujourd’hui nous sommes super fiers de sortir notre EP, j’en suis très heureux !

Mais c’est la question ouverte que l’on se pose : dans quelle société voulons nous vivre ?

Florian :

C'est un appel aux armes, parce que, oui, nous avons besoin que les gens écoutent de la musique, achètent de la musique, aillent à des concerts, tout ça. Mais je pense que plus les gens écoutent de la musique, plus ils veulent en écouter, plus ils veulent aller à des concerts.

De mon côté, je suis susceptible de tomber dans le piège de YouTube, où je prend beaucoup plus de plaisir à écouter de la musique, tomber dans un bon album, qu'à regarder 90 “reels” d'affilée.

Dites donc à votre public d’écouter, pas nécessairement notre musique, mais simplement de la musique.

Gauvain :

Et toi Oskar, tout va bien ?

Oskar :

Oui, j’adore tout ce que je fais en ce moment !

Bien que certaines choses soient difficiles, comme travailler dans le domaine économique. Parfois, ça va très bien, mais c'est ennuyeux à mourir. (rires)

Et c'est aussi beaucoup de pression, comme les questions juridiques, qui peuvent avoir de lourdes conséquences. Un amateur comme moi est censé en assumer la responsabilité, car je n'ai aucune formation dans ce domaine.

C'est lourd. Mais pour ce qui est de voyager, créer de la musique, jouer de la musique. Je ne me plains pas.

Et je suis heureux de pouvoir le faire, car ce n'est pas une chose acquise pour moi.

Parce que j'étais à l'hôpital. À cette époque, en avril, je n'étais pas sûr de pouvoir recommencer un jour.

Je suis donc reconnaissant chaque jour. Et j'ai beaucoup plus d'énergie maintenant. Et aussi aujourd'hui, je me suis levé tôt, j'ai pris un vol tôt et j'ai installé ma batterie, sans problème.

Il y a un an, cela aurait été un problème d'une autre manière. Jusqu'à présent, je n'ai rien à redire à ce sujet.

Gauvain :

Merci beaucoup. Normalement, c’est la fin du temps qui nous était imparti. Mais si c’est bon pour vous j’aurai encore quelques questions pour lesquelles vous pouvez juste répondre par oui ou non.

Florian :

Tu peux nous en poser une courte et on va y répondre de manière concise.

Katrine :

On va essayer de ne pas prendre une éternité à te répondre.

Gauvain :

Vous pouvez donc soit y répondre par oui, non ou par “je ne sais pas”.

En 2024, nous avions discuté d’une sortie de quelques uns de vos morceaux en acoustique (NDLR : sur les plateformes il n’existe que Ensom et With You sortis en 2021). Et j’ai pu voir qu’en 2022 lors de votre tournée avec Leprous je vous avais demandé si l’on pouvait avoir le live filmé pendant le covid (NDLR : quelques extraits sont disponibles sur Youtube) ?

Aujourd’hui, en 2025, aucune de ces choses ne sont sorties.

Donc, est-ce que …

Jogeir :

Ohhh

Gauvain :

…vous prévoyez de les sortir ?

Florian :

Les choses évoluent tout le temps… Pour le live-stream du Covid, c’est trop vieux maintenant, cela ne serait pas pertinent.

Mais peut-être dans 10 ans, quand nous regarderons en arrière et que nous retomberons sur les vieux enregistrements nous nous dirons que c’était incroyable et qu’il faudrait le sortir.

Qui sait, nous aurons peut être notre moment à la Beatles quand nous serons plus vieux.

Mais en tout cas ce n’est pas prévu pour le moment.

Gauvain :

Dernière question très rapide, vous avez sorti aujourd’hui votre EP Mørketid. Pouvons-nous nous attendre à ce que ça devienne un rituel à chaque fin d’année ? Entre la sortie du morceau “Ghosts” fin 2024 et cet EP fin 2025, après cela peut ne pas être un EP ou un album…

Katrine :

Je n’ai pas prévu de dédier mon temps à ce genre rituel.

Évidemment, les fans ont le droit de vouloir ce qu'ils veulent et de dire ce qu'ils veulent.

Et je dois simplement défendre mes capacités et celles de notre groupe.

Mais j'aime cette idée. J'y ai pensé moi-même, ce serait sympa. Et puis je me suis dit : “ha, ha, ha. Je n'ai pas l'énergie pour ça.”

Gauvain :

J’adore le groupe de Post-Rock japonais Mono qui sort depuis quelques années un EP à chaque fin d’année et c’est devenu …

Jogeir :

Une tradition ?!

Gauvain :

…un rituel de découvrir de nouvelles chansons à chaque noël, d’où ma question.

Florian :

Ce serait chouette, et comme l’a dit Katrine cela pourrait être une bonne idée.

Nous sommes pour si nous pouvions le transformer en tradition, mais faire ce genre de promesse … C’est impossible pour nous.

Jogeir :

Je pense que la seule chose que nous pouvons vous promettre est que quand nous sortirons quelque chose, nous serons heureux avec le résultat.

C’est là tout le problème, peut-être que ça n’arrivera jamais ou bien l’année prochaine …

Nous verrons bien.

Encore merci à l’ensemble du groupe d’avoir répondu à mes questions et pour le temps précieux accordé. Beaucoup n’ont pas été posées, mais cela ne rendra que meilleures nos futures discussions.

N’hésitez pas suivre le conseil du groupe et d’écouter un maximum de groupes émergents, ou non, et de soutenir la scène locale et les groupes qui viennent jouer chez vous ‭❤

Si jamais le groupe a sorti son dernier EP le 31 octobre 2025, part en tournée en Australie fin 2025 et jouera en Norvège à Rockfeller avec Sylvaine en 2026.

Crédit photo pour la miniature : Linnea Syversen

Et si vous voulez voir nos photos du concert, c'est par ici !

Depuis près de 40 ans, Yawning Man trace son chemin dans le sable du désert californien.

Fondateur d’un son à part, où se mélangent psychédélisme, surf rock et stoner, le groupe de Gary Arce et Mario Lalli n’a eu de cesse de transformer le silence brûlant de la vallée de Coachella en un forme de poésie instrumentale hypnotique. C’est avec Bill Stinson à la batterie qu’ils reviennent en 2025 avec Pavement Ends, un album qui prolonge cette quête introspective tout en peignant la chaleur extérieure de leur son.

Encore à contre-courant du stoner rock souvent centré sur les riffs massifs, Yawning Man en propose une version contemplative, fluide, presque méditative. La musique avance comme une illusion, un mirage sonore, construite autour de guitares étirées, de lignes de basses telluriques, d’une batterie carrée et d’un drône vaporeux sculptant un ensemble à la fois dense et aérien, comme allongé dans le sol, les yeux rivés sur le ciel.

“Bomba Negra”, premier extrait de l’album, condense parfaitement cette dualité. Lent et magnétique, le morceau évoque une traversée à pied sous un soleil de plomb, où chaque note de basse de Mario Lalli marque un pas dans la poussière, chaque vibration de la guitare de Gary Arce nous permet de respirer ce vent chaud et agréable, sous la batterie presque mécanique de Bill Stinson fonctionnant comme des battements de coeur, nous guidant vers un horizon lointain et incertain.

Pavement Ends

1. Burrito Power
   
2. Gestapo Pop
   
3. Bomba Negra
   
4. Dust Suppression
   
5. Pavement Ends
   
6. Bad Day To Be Alive

Ces six titres résument à eux seuls la philosophie du groupe: peu de mots, mais un monde entier caché derrière chaque nom.

Des titres tantôt ironiques (Gestapo Pop, Burrito Power), tantôt évocateurs (Dust Suppression, Bad Day To Be Alive), qui traduisent cette ambiguïté propre au groupe - entre humour absurde, mystère, interprétation et gravité désertique.

Ce qui fait la spécificité de Yawning Man ici, c’est cette capacité à transformer le désert en état d’esprit. Avec Pavement Ends, les paysages deviennent intérieurs: un espace rêvé, contemplé où la musique nous invite à nous laisser envelopper par la chaleur et la lumière.

“Dust Suppression” se détache particulièrement: plus que les autres morceaux, il agit comme une invitation au rêve, une inspiration suspendue entre deux silences presque tangibles. On y perçoit un appel au retour du soleil, comme si la musique dissipait la poussière dans l’air pour révéler une lumière nouvelle. Chaque note respire et nous suggère un souffle neuf, un véritable moment d’éveil intérieur au cœur du disque.

La pochette est le fruit de la première collaboration du groupe avec l’artiste Diane Bennett de Joshua Tree. Représentant par ses couleurs et ses textures à la fois le ciel brûlant, l’aspect psychédélique de la musique et le sentiment de solitude dans sa contemplation: ce panneau laissé à l’abandon, jamais remis à neuf ou encore ces graffitis qui évoquent les mythes, l’histoire du désert et ses horizons avec en son centre le lièvre, symbole du groupe, lien avec le monde des rêves et la spiritualité, à la fois guide et messager dans la culture amérindienne.

Plus qu’un simple retour en studio, Pavement Ends est une déclaration d’identité, la continuation de créer des paysages sonores inimitables, jouant entre contemplation et puissance, entre physique et spiritualité, à la fois brute et poétique. Chaque morceau de l’album est une invitation, il n’existe pas qu’une seule façon de les ressentir.

Le groupe laisse à chacun la liberté de marcher à travers ce désert sonore pour se construire sa propre vision, selon ses émotions, son imaginaire et ses propres codes.

Finalement, sans jamais chercher la lumière des médias, Yawning Man continue d’exercer son influence underground et considérable. De Kyuss à Fu Manchu en passant par Queens of the Stone Age, nombreux sont ceux qui ont su puiser dans leurs ambiances et leur sens du paysage sonore.

Mais Pavement Ends ne regarde pas en arrière. Il prolonge la route là où le bitume s’arrête grâce à un sillon presque imperceptible dans le sable, dans un territoire mouvant où le stoner rock devient contemplation, et où chaque vibration se transforme en vision. Un nouveau territoire à explorer, traverser, rêver, ressentir, sous le soleil infini de Coachella.

Fermez les yeux et ressentez le sable chaud sous vos pieds.

The Cindys (Indie Rock - UK)

Groupe d'Indie Rock avec un petit côt Folk, The Cindys est un groupe de Bristol. Avec un "y" à la fin, même s'ils ne savent pas trop pourquoi.

Le quintet est un jeune groupe qui a sorti son premier album éponyme le lendemain, mais qui était bien disponible au merch avec des tshirts dessinés par leur soin. De la musique anglaise assez simple, mais pourtout bien efficace. Un mélange paisible mais pas moins entêtant.

Shame (Post-Punk - UK)

Groupe de Post-Punk plutôt connu, Shame est venu défendre son nouvel album Cutthroat sorti en septembre dernier.

Une musique bien typée anglaise à la fois Garage et bien dansante ; ce n'est pas pour rien que le bassiste courait et sautait partout ! Il faut dire aussi que le chanteur adorait venir en bord de scène chanter pour les premiers rangs, même s'il profitera du dernier morceau du set, Cutthroat, pour rendre une petite visite express au pit.

Bref, on a eu le droit à un show bien électrique et bien rigolo entre la dégaine du chanteur incroyable et l'anniversaire du batteur.

De plus, qui dit Punk, nous dit forcément engagement et les drapeaux trans et palestiniens étaient bien là pour nous le rappeler en plus du fait qu'il "est toujours important de dire Free Palestine" ! Pour l'occasion, le combo avait plusieurs articles pour soutenir le peuple palestinien, comme un tshirt exclusif ou des dessins faits à la main par le groupe dont les profits vont à des associations sur le terrain.

Pour le grand plaisir des fans, le groupe avait fait installer une avancée de scène afin d'être au plus proche de leur public. Et avec ce grand sourire qu'on lui connaît, Ken Casey, s'en est donné à cœur joie et a passé presque la moitié du concert à chanter devant avec le public. Soit en leur passant le micro pour quelques couplets soit en faisant monter des fans sur scène.

Devant la crashbar, c'était la cohue. Franchement, même les sardines dans leur boîte sont plus à l'aise que le public. Certains ont même dû être évacués tant la chaleur et la pression étaient intenses. Mais personne ne voulait reculer d'un pas. Impossible de décrocher, tant l'énergie du groupe était contagieuse.

Le show, éclatant, alternait les classiques, Rose Tattoo, Johnny I Hardly Knew Ya, The State of Massachusetts et les nouveaux titres de For The People. Derrière eux, l'écran diffusait tantôt des images du groupe, tantôt les visuels des albums, pendant que les lumières passaient tout le spectre possible, illuminant chaque musicien avec soin.

Un concert à la hauteur de leur réputation : bruyant et fraternel.

Le groupe a choisi une entrée théâtrale : arrivant par le fond des gradins, il fend la foule telle une marée humaine. L'image est forte, presque biblique, Moïse fendant la mer, avant que ne déferle la tempête. Le set s'ouvre sur un enchaînement implacable : Carrion, Prey, Glitch. Trois titres phares qui plantent immédiatement le décor : Parkway Drive n'est pas venu pour célébrer passivement, mais pour rappeler pourquoi il règne sur la scène metalcore mondiale.

Les premières minutes se jouent sur une petite scène d'à peine vingt mètres carrés, concentrant l'énergie du groupe dans un espace restreint. Puis, au terme de Prey, le rideau tombe (littéralement) pour révéler la véritable scène, monumentale, décorée de flammes, d'effets pyrotechniques et de danseurs. Un basculement spectaculaire, à l'image de l'évolution du groupe, une machine de guerre scénique calibrée pour les arènes.

Contrairement à certaines dates européennes, le plateau volant aperçu à Stuttgart n'était pas de la partie à Lyon. Mais le groupe a tout de même offert un moment suspendu, avec Winston McCall dominant la foule depuis une scène montante, bras tendu vers le public, comme pour rappeler la communion qui lie Parkway Drive à ses fans. Un peu plus tard dans la soirée, cette communion a pris une tournure encore plus intense, le chanteur a rejoint la fosse pour interpréter une chanson entière au milieu du public, invitant les spectateurs à former un circle pit autour de lui. Un instant de pure euphorie, à la fois brutal et fraternel, qui résume parfaitement l'esprit de la soirée.

Pour une fois le son était d’une rare clarté pour la Halle Tony Garnier. Massif sans être brouillon, puissant sans saturation, chaque riff était correctement audible tout comme les hurlements de Winston, magnifiant la performance du groupe dans un lieu pourtant réputé difficile acoustiquement.

Et si vous n'avez pas pu assister à ce show incandescent, peut-être que les photos de la soirée sauront combler (un peu) le vide. Mais qu'on se le dise, Parkway Drive a prouvé à Lyon qu'après vingt ans, le feu brûle encore avec la même intensité.

C’est Atlas qui a ouvert le concert avec un set énergique et efficace, mêlant puissance et mélodies travaillées.

Gaerea a ensuite intensifié l’ambiance avec une performance sombre et immersive, portée par une forte présence scénique.

Enfin, la tête d’affiche, Orbit Culture a livré un show impressionnant, alternant passages lourds et envolées mélodiques. Leur son massif et leur précision ont conquis le public, clôturant une soirée à la fois cohérente et intense.

Merci à Gaerea ainsi qu'à "À Gauche De La Lune" pour m'avoir donné la possibilité d'immortaliser cette soirée.

C'est dans ce cadre que nous nous sommes rendus sur place pour découvrir la journée du vendredi entre animations, marchés, spectacles et concerts !

Tellement d'événements différents qu'il était impossible de tout voir ou tout faire tant que les festivités sont dans toute la ville !

En attendant le report vidéo de cette belle journée, nous vous proposons de revenir sur les concerts qui ont eu lieu cette soir-là avec nos photos :

Acus Vacuum (Pagan Folk - Belgique)

Luc Arbogast (Musiques traditionnelles - France)

Kalandra (Folk - Norvège)

Vous pourrez ainsi découvrir ci-dessous son avis sur Big Big Smile :

L'album, sorti chez Cèpe Records, est disponible sur Bandcamp : https://fragileangers.bandcamp.com/album/big-big-smile

Sker (Rock Alternatif - Ivry-sur-Seine)

Un projet musical de Rock Alternatif parfois bien groovy, voilà la promesse de Sker. Un quatuor qui va d'ailleurs sortir son prochain album prochainement, notamment avec l'aide de Virginia (Lorsque les volcans dorment) et n'ont pas hésité à en jouer quelques morceaux.

Pourtant, on peut aussi trouver quelques morceaux plus orientés Punk à l'image de Women Revolt, le premier morceau composé par le groupe, qui a conclu leur set (NDLR : à retrouver sur l'EP Wrecked Fishes).

Du moins, de manière officielle, car la véritable chanson de fin fut une reprise de Killing in the name de RATM.

Un set donc bien dynamique qui tranchait un peu avec les prochains groupes, mais était savamment placé pour une belle mise en jambe.

A Glade (Horror Slowcore - Limoges)

Après s'être un brin échauffés, il est temps pour nous de nous laisser guider par ce trio vers un univers plus calme. Entre les tenues et la décoration d'Halloween déjà mise en place, on peut dire qu'on était bien dans l'ambiance.

Un set assez dense, mais qui bizarrement est passé très vite. Le groupe sait jouer sur les ambiances, entre les sons préprogrammés et un clavier associé à un pedalboard.

Toutefois, rien d'extrême musicalement, on reste sur du Doom planant avec une voix bien chaude, il est donc facile de se laisser aller.

Lorsque les volcans dorment (Post-Rock Féministe - Paris)

Cela commence à faire quelques fois que nous voyons les Volcans ainsi les petits changements sont vite notables. Et on peut dire que le groupe a bien évolué depuis !

Entre les inserts entre chaque morceau de discussions, échanges ou discours militants ou même décalés sur les petites filles punks, les changements du texte de Monstruations, l'aisance sur scène des différentes personnes parfois décuplée... On sent vite que le collectif a gagné beaucoup plus d'aisance à force de jouer ensemble ! Cela n'enlève rien aux petits moments de stress, mais il règne sur scène une atmosphère bienveillante et d'amour qui fait plaisir à voir. Il n'y a rien de plus beau que de voir un groupe qui prend du plaisir à jouer ensemble de manière aussi expressive !

Par ailleurs, le collectif n'était pas complet ce jour-là, puisque trois membres étaient absentes : Aline Boussaroque, Camilla Sferrazza et Simona Maurone. Ainsi, le set fut un peu remanié avec notamment La Chute du Pélican et Narciso chantés sur bandes. Malgré leurs absences, elles étaient là en pensées, car Virginia n'a pas manqué de leur laisser quelques mots.

Le projet se voulant militant, on a pu avoir un interlude avec un discours de la part de Virginia partagé entre ses traumas, ses souvenirs du Post in Paris, du génocide palestinien... Des moments très forts ponctués par la déclamation de quelques vers des poèmes de Naema Hassan, une poétesse Palestinienne, par l'ensemble des membres des Volcans.

La soirée a d'ailleurs été enregistrée, donc soyons attentifs et attentives, car il y aura certainement des choses sympathiques à voir et écouter...

Grenadine Vengeance (EBM (dé)fêtes foraines - Paris)

Pour conclure cette soirée, ce fut au tour de Grenadine Vengeance, un projet typé EBM où l'artiste est seule au chant ou à la programmation.

Malgré un petit problème sur la deuxième chanson, qui fut vite corrigé par l'équipe technique, le concert était top. Il était même cool de voir que plusieurs personnes connaissaient bien les paroles de certaines chansons et qu'elles n'hésitaient pas à les chanter en choeur.

Malheureusement, l'heure avançant, j'ai dû écourter le set pour rentrer, mais ce fut tout de même une bonne expérience.

Bref, la soirée fut très belle et ce fut une chouette occasion de découvrir ce nouveau lieu remplaçant l'International dans nos coeurs.

Malgré tout, je pense que d'avoir le bar aussi proche de la scène favorise un peu trop les discussions pendant les concerts, mais bon c'est un peu le problème de toutes les petites salles où la place est limitée.

(La traduction de l'interview est disponible juste en dessous pour les non-anglophones)

Guillaume W : Alors Noah, première question. Comment décrirais-tu ta musique et ton groupe à quelqu’un qui n’a jamais écouté Conjurer ?

Noah See : Ouais… C’est une question difficile, parce qu’il y a beaucoup de choses là-dedans. Je suppose que ça dépend vraiment de la personne à qui tu parles, du genre de références qu’elle peut avoir. Pour quelqu’un qui a une culture metal un peu large, on peut penser à Mastodon, Gojira, ou Converge comme points de repère.

Mais pour être un peu plus précis, je dirais que c’est du metal extrême progressif. Progressif dans le sens de la composition, de l’écriture, du processus, mais on puise dans beaucoup de styles extrêmes différents. Il y a du sludge, du hardcore, du black metal, tu vois…

G.W: Il y a même des parties avec des blast beats.

N.S : Ouais, exactement. C’est difficile de pointer une seule ligne directrice, tu vois, donc on se contente souvent de dire qu’on fait de la “riff music”. C’est devenu une blague interne entre nous, mais ça dit bien ce que c’est, au fond.

G.W : “Riff music”, ça me va, c’est d’ailleurs comme ça que je décris votre musique à mes amis.

N.S : Oh, cool ! Génial.

G.W : Donc on est sur la même longueur d’onde.

G.W : Unself marque une évolution importante dans votre son. Comment décrirais-tu cette évolution ? Était-ce une décision consciente ou quelque chose de naturel ?

N.S : Un peu des deux, je pense. La décision, c’était d’abord de se dire : “Ce serait cool si on pouvait aller un peu plus dans cette direction”, tu vois. Mais ensuite, une fois que tu regardes vers un certain horizon, tu finis naturellement par t’y diriger.

Donc ouais, je pense que ça s’inscrit bien dans le contexte des albums précédents.

Pour moi, sur Mire, le groupe était encore jeune, mais il avait déjà une idée très claire de ce qu’il voulait être. C’est pour ça que ça a fait autant de bruit, surtout au Royaume-Uni : tout le monde se disait “C’est leur premier album ? On dirait un groupe qui joue depuis dix ans !”, et c’était génial.

Pathos, je pense, c’était plutôt un groupe en train d’essayer de trouver son propre son. Et pour ça, c’était presque comme jeter de la peinture sur une toile — on essayait autant que possible, on testait plein d’idées, plein de choses, juste pour voir ce qui nous convenait vraiment.

Et cet album-là, Unself, c’est un peu comme si on regardait Pathos et qu’on se disait : “Quelles sont les choses qui ont vraiment marché pour ce groupe ? Qu’est-ce qu’on aime le plus dans ce disque ?”, et on est partis de là.

Donc pour moi, cet album, c’est un peu la réalisation du son propre du groupe.

G.W : D’accord.

N.S : Une version un peu plus aboutie, plus raffinée de ça, tu vois.

G.W : La version la plus pure de votre son.

N.S : Ouais, exactement.

G.W : Dans le même esprit, chaque morceau de cet album semble avoir sa propre atmosphère et son propre poids émotionnel. Quand vous commencez à écrire de nouvelles chansons, qu’est-ce qui vient d’abord ? L’émotion, le concept, ou le riff ?

N.S : En général, le riff. Oui, la plupart du temps, c’est un riff, ou un passage musical. D’habitude, Danny a quelque chose sur lequel il a bricolé, un truc qui l’inspire, et il l’apporte au groupe ou à moi.

Ensuite, on en parle, on voit ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, ce que ça inspire. Parfois, Danny a des idées du genre : “Je voulais aller dans cette direction, mais je n’ai pas trouvé la suite”. Donc on travaille dessus ensemble.

Ou parfois, on se dit : “Non, ça devrait plutôt aller par ici”, et on en discute, on explore.

Et puis au fur et à mesure que la chanson prend forme… Danny a toujours des concepts ou des thèmes dont il veut parler, tu vois. Et comme tu disais, les morceaux ont chacun leur propre atmosphère. Donc à mesure que la musique devient plus concrète, ça devient évident : telle ambiance colle à tel concept.

Un bon exemple, c’est Foreclosure. C’est un morceau très aride, très atmosphérique, et ça collait parfaitement avec le côté dystopique des paroles et du contenu.

Donc voilà, ce n’est pas forcément : “OK, on a un riff, la chanson va parler de ça.” C’est plus que, à mesure que l’atmosphère se développe, ça devient évident de ce dont elle doit parler, tu vois, ce qu’elle appelle naturellement.

G.W : Donc l’atmosphère est importante.

N.S : Oui. Je pense aussi qu’on veut écrire des chansons qui ont chacune leur propre atmosphère. Il y a plein d’idées qu’on a écrites et qu’on a finalement laissées de côté, parce qu’elles faisaient un peu la même chose qu’un morceau précédent.

On veut que chaque album soit meilleur que le précédent, bien sûr, mais on veut aussi que toute la discographie tienne ensemble, que chaque morceau ait sa place.

Tu vois, par exemple, un titre comme Choke sur Mire : on ne refera jamais un autre Choke, parce que Choke est déjà la version parfaite de ce type de morceau. Donc pourquoi le refaire ? On jouerait toujours Choke de toute façon.

G.W : Finalement “Pourquoi faire un autre Choke ?”.

N.S : Exactement, ce serait juste une deuxième version inutile. C’est pour ça que l’écriture est si importante : musicalement, ça sonne toujours comme Conjurer, mais ce n’est jamais la même chose qu’un ancien morceau.

L’idée, c’est que chaque chanson puisse coexister avec les autres dans notre discographie.

G.W : C’est ce que j’aime dans votre musique : on peut écouter n’importe quelle chanson, on reconnaît la même vibe, mais ce n’est jamais la même chanson.

N.S: Oui ! Et je pense que c’est aussi pour ça que les albums prennent du temps à être faits. Parce qu’il y a beaucoup d’allers-retours, de discussions. Et sur le moment, ça peut être frustrant — tu te dis “Bon, on devrait juste sortir un truc et y aller”.

Mais une fois que tout est terminé, on peut tourner avec ce disque pendant des années et en être vraiment fiers.

C’est d’ailleurs pour ça qu’on joue encore des morceaux comme Choke ou Retch. Et c’est aussi pourquoi Mire résonne encore aujourd’hui. Parce qu’on a pris le temps de le construire correctement.

Chaque album doit être bien fait, pour qu’il dure, tu vois.

G.W: Pour avoir une atmosphère.

N.S : Absolument, ouais.

G.W : Prochaine question. Votre musique, depuis Mire, oscille constamment entre une lourdeur brute et des moments de calme. Comment trouvez-vous cet équilibre entre les riffs agressifs et ce que j’appelle votre “atmosphère apocalyptique” ?

N.S : (Rires) Ouais, je crois que c’est une bonne expression, “apocalyptique”. Elle est plutôt juste, ouais.

G.W : Quand je vous écoute, ça me rappelle certains groupes français que j’écoutais quand j’étais au Lycée, comme General Lee — un pur groupe de post-metal. Et un peu comme sur Mire, vous pouvez passer d’un riff massif qui te fait headbanger pendant des heures à quelque chose de totalement dépressif.

N.S : Eh bien, c’est ça, ouais. C’est comme ça qu’on pourrait décrire notre musique : pure dépression (rires).

Je crois que le point principal, c’est simplement qu’on écoute tous énormément de styles de musique différents.

On en parle souvent entre nous, et parfois on plaisante en disant : “On devrait faire une chanson qui soit juste une horreur absolue”, ou “on devrait faire une chanson qui soit uniquement ça”, ou encore “un album entier qui soit juste oppressant et dégoûtant”, ou au contraire “un album entièrement doux et lumineux”.

On lance plein d’idées comme ça, mais au final, on aime tellement de styles différents — metal, pop, folk, jazz, hip-hop, RnB…

Alors bon, on n’a pas vraiment de hip-hop ou de RnB dans nos morceaux, mais…

G.W : On entend quand même un peu de hip-hop (rire).

N.S : Absolument, ouais (rire). Mais peut-être inconsciemment, dans la dynamique ou le rythme.

Je pense qu’on essaie juste de mettre tout ce qu’on aime là-dedans.

Et franchement, si on faisait un disque super lourd du début à la fin, je pense qu’on s’en lasserait très vite, tu vois ?

Même sur scène, on essaie d’avoir des moments qui montent et qui redescendent, des respirations, des changements d’atmosphère. Parce que c’est ce qu’on trouve intéressant, à la fin de la journée.

Donc ouais, c’est ça la clé, je crois.

G.W : Je ne sais pas si tu pourras répondre à celle-ci. Conjurer a collaboré avec Pijn sur Curse These Metal Hands, un album étonnamment positif. Est-ce que cette expérience vous a appris quelque chose, musicalement et personnellement ? Et est-ce qu’on peut espérer une nouvelle collaboration un jour ?

N.S : Je peux essayer de parler au nom des autres, même s’ils ne sont pas là, mais oui, clairement, ça nous a beaucoup appris.

Particulièrement dans la relation qu’on a bâtie, non seulement avec le groupe Pijn, mais surtout avec Joe Clayton — qui, en plus, a coproduit et enregistré Unself.

Ça, c’était vraiment important.

Je crois que ça nous a poussés à repousser les limites de ce qu’on pensait possible pour le groupe.

Avoir quelqu’un comme Joe comme partenaire créatif, c’est super précieux.

Et, comme je disais, je n’étais pas là pendant les sessions de Curse These Metal Hands, mais tu vois clairement la relation qui s’est construite à ce moment-là.

Quand on a bossé ensemble sur Unself, Joe était vraiment comme le cinquième membre du groupe.

Il sait exactement ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, et surtout, il comprend ce qu’on veut — probablement mieux que n’importe qui d’autre sur Terre.

On a parlé avec d’autres producteurs potentiels, bien sûr, mais avec lui, c’est évident.

G.W : Il sait comment vous travaillez.

N.S : Exactement. Et je pense que c’était un petit problème sur les albums précédents — pas un vrai obstacle, mais une difficulté : il fallait constamment traduire nos émotions ou nos intentions à un producteur, à quelqu’un qui n’avait pas forcément les mêmes goûts que nous ou la même vision du résultat final.

Je ne dirais pas que ça a nui aux albums précédents, parce qu’ils ont très bien tourné, mais ça ajoutait une étape supplémentaire au processus.

Alors que là, avec Joe, cette relation née de Curse These Metal Hands a vraiment fait de nous des partenaires artistiques.

Et ça a énormément aidé sur Unself.

Et sur ta dernière question : je crois qu’il y a effectivement un ou deux morceaux qui ont été écrits, mais je ne sais pas s’ils seront enregistrés ou publiés.

J’espère que oui. Ce serait vraiment cool d’en entendre d’autres.

G.W : La production de Unself semble très vivante et humaine. Quelle a été l’expérience en studio ? Avez-vous davantage expérimenté ? Ou avez-vous simplement essayé de capturer votre énergie live ? Parce qu’on a vraiment l’impression d’entendre tout ce qu’il se passe dans la pièce quand on écoute l’album.

N.S : C’était clairement un objectif, oui.

Personnellement, je réfléchissais à ce que sont mes albums de metal préférés, et à la façon dont ils ont été faits. Et j’ai voulu me concentrer davantage sur la performance plutôt que sur la “tonalité parfaite” de guitare, tu vois ?

Évidemment, le disque sonne fantastique, les sons sont excellents, et ça, c’est encore une fois grâce à Joe — il sait ce qu’on veut avant même qu’on le dise.

Mais l’idée, c’était de tout miser sur la performance.

Je pense que c’est une des choses qui se sont perdues dans beaucoup de disques de metal récents : cette personnalité, cette imperfection vivante.

Tu peux tout éditer, tout quantifier, tout lisser, mais pour moi, la personnalité d’un enregistrement, c’est bien plus important que le mix ou le son de guitare.

On a aussi expérimenté, dans une certaine mesure, surtout sur les guitares.

Par exemple, pour les passages plus calmes ou plus dépressifs, on s’est sentis plus libres d’essayer des trucs : changer d’ampli, utiliser une autre guitare juste pour un morceau, ce genre de choses.

Alors qu’avant, c’était plus rigide : “cette guitare, cet ampli, et cette personne joue tout le long de l’album”.

Là, c’était plus libre, plus vivant — tout en restant nous-mêmes.

G.W : Comme une énergie live.

N.S : Exactement.

Je pense que beaucoup de groupes aujourd’hui se concentrent tellement sur le fait de créer un “produit”… rien que ce mot, “produit”, dit tout, tu vois ?

G.W : Oui, je vois ce que tu veux dire.

N.S : Les gens essaient de faire un album ultra-produit, et je comprends pourquoi — l’industrie est très compétitive, il faut attirer l’attention.

Donc tu fais toujours plus gros, plus spectaculaire, avec des breakdowns plus énormes, plus d’effets, des productions toujours plus épaisses.

Mais pour que tout ça tienne, tu dois tout éditer, tout caler, tout empiler.

Et le problème, c’est que quand tu joues en live, tu dois emmener tout ce matériel supplémentaire pour reproduire le son du disque.

Tu passes ton temps à “poursuivre l’album” au lieu de le vivre.

Nous, on voulait faire l’inverse.

Toutes les chansons ont été écrites pour un groupe à quatre : deux guitares, deux voix, une basse et une batterie.

Ce qu’il y a en plus sur l’album, ce sont juste de petits overdubs pour mettre certains détails en avant, mais on n’a pas ajouté un clavieriste imaginaire, tu vois ?

On s’est demandé : “Comment écrire un morceau qui fonctionne pour notre formation telle qu’elle est ?”, et ensuite : “Comment faire pour que l’album sonne comme nous, et pas l’inverse ?”

Donc oui, c’était totalement intentionnel sur Unself.

G.W : Pour obtenir un son pur. Celle-ci porte sur les paroles.

N.S : D’accord. Je vais faire de mon mieux.

G.W : Pas de souci. Si tu veux chanter ce soir… (rire)

N.S : Personne ne veut ça ! (rire)

G.W : Cet album semble très personnel. Quelles émotions vouliez-vous transmettre à travers les paroles ? Est-ce quelque chose que vous écrivez individuellement ou collectivement ?

N.S : Encore une fois, je dirais que, pour la musique comme pour les paroles, Danny est la principale force créative.

Et évidemment, c’est toujours délicat, parce que les paroles, même si elles sont racontées de son point de vue, concernent des choses très personnelles, qui lui tiennent à cœur.

Mais l’idée, c’est de les rendre un peu plus universelles — de raconter ces émotions d’une manière qui puisse parler à tout le monde, pas juste à nous.

Le thème principal de l’album, c’est ce sentiment d’être à l’écart, en marge. D’être un peu un outsider, pour une raison ou une autre — que ce soit quelque chose qu’on t’a dit, ou une manière dont on t’a fait te sentir.

Et évidemment, la phrase “This world is not my home”, qu’on a utilisée sur cet album.

G.W : Oui, c’est une vieille chanson gospel.

N.S : Exactement. Et à l’origine, le message, c’est : “Ce monde n’est pas ma maison, c’est bien, je vais partir vers un meilleur endroit.” C’est une chanson chrétienne, assez spirituelle.

Mais nous, on l’a interprétée un peu différemment. On l’a tournée en mode : “Fuck this world”, tu vois ? Ce monde est horrible.

Mais ce n’est pas qu’on se sente comme ça tous les jours, hein — c’est plus un état d’esprit, une façon de canaliser ce ressenti dans l’album.

Comme tu le disais, l’atmosphère musicale influence beaucoup les paroles.

Si la musique est oppressante, tu ne peux pas y mettre des paroles joyeuses, tu vois ? Ce serait bizarre.

Ce serait un peu comme faire l’inverse de The Smiths, avec une musique enjouée et des paroles morbides.

Nous, on veut que les textes soient en phase avec le ton du morceau.

Donc ouais, c’est comme ça : les première et dernière chansons du disque encadrent le tout, et entre les deux, chaque morceau raconte une situation précise, un moment où tu te fais un peu écraser par quelque chose.

Que ce soit la société, une communauté, des gens qui t’écartent pour une raison quelconque…

Et certains morceaux parlent aussi des milliardaires, de cette élite à 1 % qui ne pense qu’à elle-même, pendant que les gens ordinaires galèrent.

G.W : C’est pareil en France…

N.S : (Rires) Ouais, j’imagine. C’est pareil chez nous.

Et tu te demandes : “Mais comment on en est arrivés là ?”

Nos parents, à notre âge, avaient déjà acheté une maison, eu des enfants, une stabilité. Et aujourd’hui, tout ça semble impossible.

C’est un peu ce constat-là qu’on fait.

Et il y a aussi des morceaux qui parlent plus largement de certaines entreprises, de ce capitalisme…

G.W : Du capitalisme.

N.S : Oui, voilà. Mais de son côté le plus sombre.

Ce côté où on te dit : “On est là pour vous aider, on est là pour vous servir”, mais en réalité, c’est une façade.

Et au final, c’est destructeur.

C’est plus une manière de dire : “Regardez, c’est vraiment de la merde, non ?” plutôt que de crier “je hais ma vie” ou “je hais ce monde”.

C’est plus : “Est-ce qu’on peut juste prendre un moment pour parler du fait que tout ça va vraiment mal ?”

C’est paradoxal, d’ailleurs. Parce que d’un côté, on aime être dans un groupe, c’est une célébration du fait d’être un musicien, d’exister en tant que groupe.

Mais d’un autre côté, on ne peut parler que de ce qu’on connaît, de nos expériences personnelles, et souvent elles viennent de là.

G.W : On va passer à la suite.

N.S : Oui, c’est un sujet lourd, celui-là. (sourire)

G.W : Et on a dépassé le temps d’interview…

N.S : Pas de souci, vas-y, continue.

G.W : Conjurer tire son son de beaucoup de sous-genres du metal : sludge, post-metal, death metal, hardcore, et même un peu de prog.

Quelles sont vos plus grandes influences ? Et comment ont-elles façonné l’identité de Conjurer ?

N.S : (Rires) Bonne question. Les influences changent évidemment d’un album à l’autre, parce qu’on met beaucoup de temps à les faire.

Mais c’est une bonne chose, parce qu’on vit avec les chansons longtemps, on apprend à les connaître, on découvre ce qu’on aime vraiment en elles, parfois bien après les avoir écrites.

Et pendant tout ce temps, nos influences changent aussi.

Je pense qu’avec Mire, c’était surtout une question de “Quels sont nos groupes préférés ?”.

Comme je l’ai dit plus tôt : Gojira, Mastodon, Converge.

Avec Pathos, c’était un peu différent, plus orienté vers des influences dissonantes — Imperial Triumphant, par exemple, qu’on entend pas mal sur certains morceaux.

Et ouais, plus on avance, plus ça devient spécifique.

Sur ce dernier disque, je pense qu’on a pris beaucoup d’inspiration du côté de l’atmosphère.

Donc c’est bien que tu en aies parlé, parce que c’est un vrai axe de réflexion.

Moi, personnellement, je suis un grand fan de Neurosis.

Et ce n’est pas qu’on essaie de sonner comme Neurosis, mais on se demande : qu’est-ce qu’ils font pour créer un univers aussi dense, aussi cohérent ?

Comment arrivent-ils à faire en sorte que chaque morceau, chaque son, appartienne à ce monde-là ?

Et comment, nous, on peut trouver ça pour Conjurer ?

G.W : Donc vous prenez l’influence sans copier le son du groupe.

N.S : Oui, exactement.

Ce qu’ils ont fait pour eux-mêmes, on essaie de le faire pour nous.

Et en parallèle, on écoute aussi beaucoup de folk.

On adore le metal, bien sûr, c’est notre base, mais après tant d’années à en écouter, on se demande : “Qu’est-ce qu’on peut ajouter d’autre qui amènera quelque chose de nouveau ?”

Et ce n’est pas comme si tout ce qu’on écoute se retrouvait dans notre musique, hein — on n’a pas mis de breakbeats ni de hip-hop, par exemple.

G.W : Ce n’est pas Sleep Token.

N.S : (Rires) Non, clairement pas. On ne fait pas du Sleep Token avec dix genres différents mélangés dans un seul morceau.

Mais ouais, c’est : qu’est-ce qu’on aime à ce moment-là ?

Dernièrement, le folk a pris une grande place.

Danny et moi, on aime beaucoup ce style, et aussi plein de groupes de la scène Roadburn, des groupes plus post-metal, plus expérimentaux.

Et la question, c’est : comment on peut intégrer ces influences dans notre son, sans que ça sonne comme une copie ?

Comment faire en sorte que ça sonne Conjurer ?

G.W : Et vous le faites très bien.

N.S : Merci beaucoup, c’est super gentil.

G.W : Je viens de parler de Sleep Token, et ma prochaine question est justement à leur sujet.

La scène metal britannique est incroyable en ce moment. Beaucoup de groupes expérimentent et repoussent les limites : Loathe, Rolo Tomassi, Sleep Token, Death Goals, Don Broco, et bien d’autres.

Comment vois-tu la place de Conjurer dans cette scène ?

N.S : C’est une bonne question.

Je pense que la raison pour laquelle il y a autant de groupes britanniques qui se démarquent — même en Europe ou à l’international —, c’est que chacun fait un peu son propre truc.

Les groupes qui réussissent à percer ne se marchent pas dessus.

Tu peux dire qu’il y a une super scène au Royaume-Uni, ce qui est vrai, mais pourrais-tu définir précisément ce que c’est, musicalement parlant ?

Pas vraiment.

C’est très différent d’avant. À l’époque, avant Internet, les scènes étaient locales.

Tu pouvais associer un lieu précis à un style précis — comme dans les années 80 avec le thrash metal, par exemple.

Aujourd’hui, tout le monde a accès à tout, donc ce n’est plus géographique.

Et c’est ça qui est excitant : tu as des groupes comme Loathe, Rolo Tomassi, Employed to Serve...

Ils ont tous des points communs, mais chacun fait sa propre chose.

Et je pense que c’est pareil pour nous, ou pour des groupes comme Heriot ou Pupil Slicer.

On a déjà joué avec Pupil Slicer, Heriot, Loathe, etc., et même si nos sons sont très différents, on partage une même énergie.

C’est ça qui est beau : tu peux explorer toute la scène britannique et trouver une diversité énorme, et pourtant tout est passionnant, parce que ce n’est pas répétitif.

Heriot est excitant pour ce qu’ils font, Conjurer est excitant pour ce qu’on fait, Pupil Slicer, Rolo, Loathe, Sleep Token — chacun a sa personnalité.

Et bon, Sleep Token, eux, ont carrément transcendé la scène.

Ils ne sont plus un “groupe britannique”, ce sont juste un “groupe de la planète Terre”, tu vois ?

Ils sont à un niveau à part.

Je pense que Loathe est en train d’atteindre ce genre de reconnaissance aussi, même si peut-être pas à la même échelle.

Mais ouais, pour nous, c’est ça : faire notre truc du mieux possible.

Il y a clairement quelque chose dans l’eau au Royaume-Uni, parce qu’il y a un nombre fou de nouveaux groupes intéressants qui émergent en ce moment (rire).

Mais ouais, notre place, c’est juste de faire de notre mieux dans ce qu’on sait faire. C’est notre créneau.

G.W : Peut-être que je devrais boire un peu d’eau britannique, alors, avec mon groupe de hardcore, qui sait ?  (rire).

N.S : (Rires) Oui, peut-être bien ! C’est l’identité de chaque groupe, au final.

G.W : Oui, exactement. C’est une question d’identité, pour chaque groupe.

N.S : Oui, voilà. (sourire)

Désolé, j’ai un peu tourné autour du pot, mais c’est ça au fond : chacun a son identité propre.

G.W: Si tu devais exprimer l’esprit de Unself en un seul mot, un sentiment, ou une image, lequel ce serait ?

N.S : En un mot ? Hmm… je ne sais pas, en fait.

Tu vois, c’est comme dans le documentaire Some Kind of Monster de Metallica, au début, ils demandent : “Un mot pour décrire Metallica.”

Et James Hetfield répond : “Rewarding” — gratifiant.

Je crois que je dirais la même chose. “Gratifiant”.

G.W : C’est un bon choix.

G.W : Et voici ma dernière question. Enfin ! Qu’est-ce qui attend Conjurer après cette tournée ? De nouveaux projets, des collaborations ?

N.S : Rien de concret pour l’instant.

Je pense qu’on veut surtout jouer cet album autant que possible, et voir où ça nous mène.

C’est ça qui est excitant quand tu sors un disque : tu ne sais jamais ce qui va arriver.

Bien sûr, on va faire nos propres concerts, nos têtes d’affiche, tout ça…

Mais le plus excitant, c’est de le lâcher dans le monde et de voir comment les gens réagissent.

On a aussi quelques tournées prévues dans différentes régions, ce qui est super cool.

Mais pour moi, ce qui est le plus intéressant, ce sont les choses qu’on ne prévoit pas — les opportunités inattendues, les collaborations, les propositions de groupes qu’on admire… ce genre de trucs.

Sur le plan musical, il y a aussi quelques morceaux enregistrés pendant les sessions d’Unself qui n’ont pas encore été publiés. Ils sortiront probablement à un moment donné.

Et je pense qu’on aimerait faire un autre projet d’ici le prochain album.

On ne l’a pas fait entre Pathos et Unself, et ce n’est pas que ça a manqué, mais je pense que ce serait cool d’avoir un projet “intermédiaire”.

Parce que ça faisait partie de tout le cycle Mire : il y avait l’album, Curse These Metal Hands, et aussi le split avec Palm Reader.

G.W : Ah oui, j’avais oublié celui-là.

N.S : Ouais !

Mais voilà, toutes ces petites choses additionnelles, ça enrichit vraiment la “mythologie” du groupe à ce moment-là.

Il y avait tout un univers autour de Mire.

Pour Pathos, c’était différent — c’était notre premier disque chez Nuclear Blast, notre premier vrai grand pas en avant, donc on voulait se concentrer sur l’album lui-même, être sérieux, professionnels.

Mais maintenant, je crois qu’on a envie de refaire ce genre de projets parallèles.

Peut-être un EP, une collaboration, quelque chose qui nous fasse apprendre de nouvelles choses, un peu comme Curse These Metal Hands l’avait fait à l’époque.

Quelque chose qui nous pousse dans de nouvelles directions. Ce serait génial.

Au revoir, à bientôt.

Comment ne pas évoquer le talent monstrueux des musiciens, tant chaque morceau semble plus fou que le précédent ?
Manuel Gardner Fernandes (chant et guitare) nous offre une panoplie vocale décoiffante, accompagnée d’une guitare oscillant entre accords aériens et sons tordus et rapides. Christoph Schultz harmonise le tout et propose des réponses efficaces aux phrasés de Manuel. David John Levy, quant à lui, navigue entre le Cyberpunk et le R&B à travers ses synthétiseurs, tout en posant une basse groovy qui souligne l’importance du batteur Leon Pfeifer, dont les rythmes solides et aérés donnent une cohésion remarquable à l’ensemble.

L’album s’ouvre sur un 111 d’une exemplarité… exemplaire ?
Tout est là pour contenter à la fois les fans de la première heure et ceux qui ont découvert le groupe plus récemment. L’intro au clavier laisse immédiatement place à une avalanche de notes : rien n’est de trop, et la structure ne laisse jamais place à la prévisibilité. L’ingéniosité du morceau annonce d’ailleurs le meilleur pour la suite.

À peine le temps de souffler que Sleeping With Ghosts vient nous asséner ses coups de cordes martelées avec précision. Son break final provoque une “douleur fantôme” subite — le genre de moment qui fait grimacer les visages, signe qu’un break est réussi.
Beyond Heaven’s Gate offre une respiration bienvenue, plus Pop-Punk dans l’esprit, sans pour autant perdre en intensité.

Sacrifice Me, premier single sorti il y a plus d’un an, semble être le cœur autour duquel s’est construit tout l’album. On y retrouve les éléments marquants des morceaux précédents, fusionnés dans un hymne émouvant, sublimé par sa montée finale.
Dommage pour Snow Lover qui, bien que redoutablement efficace en tant que single, souffre un peu de sa position. Son riff principal, lourd et plus simple, fonctionne mais peine à égaler la puissance émotionnelle de son prédécesseur.

Terrestrial relance la machine dès les premières secondes, nous inondant de sons de guitares avant de déchaîner chant et batterie dans une pure énergie metalcore. Le morceau suit une structure plus classique, mais son exécution prouve une nouvelle fois la maîtrise allemande en la matière.

Arrivés à mi-parcours, Your Dress nous plonge dans une atmosphère Dark synth et Cyberpunk, teintée de new wave sur sa seconde moitié. Planant et hypnotique, son riff final nous emporte si loin qu’on ne voudrait jamais qu’il s’arrête.
Dans la même lignée, Where I Left My Soul nous offre une balade chargée d’émotions, de frissons et de murs sonores. La voix claire et angélique de Manuel apporte ici une véritable pause dans l’intensité de l’album.

Une pause… vraiment ?
Pas pour longtemps : Solara, avec en invité le Suisse “Zélli” de Paleface Swiss, vient tout fracasser avec une violence cathartique. Une douleur qui fait du bien, hurlée en pleine face.

La transition First Tongue, morceau au piano, nous emmène tout en douceur vers Perfume — troisième moment d’apaisement de l’album. Ce titre, presque progressif, fait évoluer son ambiance sans jamais nous relâcher. C’est le morceau qu’on écoute le cœur lourd, quand on veut entretenir ses émotions. Et il y parvient, jusqu’à sa superbe outro.

Le riff tranchant de Head in the Clouds nous ramène brutalement sur terre : les émotions, c’est bien, mais nous sommes ici pour les guitares saturées et la technique. La présence du rappeur Jason Butler s’intègre parfaitement aux couplets, et le break final, d’une justesse exemplaire, nous laisse sur notre faim.

Heureusement, Dark Silent and Complete arrive pour clore l’album avec toute la violence espérée.
Les changements de tempo, les graves saturées et l’intensité de la première moitié contrastent avec un passage plus calme et aérien. Le groupe refuse de nous laisser repartir paisiblement et conclut sur une dernière vague d’émotions, puissante et viscérale.

Alors, que penser de Angel ?
À la fois violent et doux, l’album tient ses promesses techniques tout en surprenant par ses ambiances progressives proches du post-rock.

Pour tout admettre, cette dernière me déçoit un peu, j’ai le sentiment de ne pas retrouver ce que je viens chercher en écoutant du Unprocessed et même si leur approche plus aérienne est réussie, le mélange peut ne pas plaire à tout le monde.
Qu’on aime ou non, Unprocessed force le respect par son talent et son inventivité. Sa richesse sonore et sa diversité permettent à chacun d’y trouver son compte — preuve qu’Angel ouvre la porte à d'autres horizons

Dès le morceau d’ouverture,"Unself”, on comprend que l’album sera une traversée. Le titre donne le ton : se défaire du “moi” pour retrouver quelque chose de plus vrai, de plus personnel. Cette quête intime nourrit tout le disque, inspirée par le parcours personnel de Dani Nightingale, qui évoque sans détour la découverte de son autisme à l’âge adulte et l’affirmation de son identité non binaire. Ce n’est pas un disque de confession, mais d’acceptation ; une manière de reprendre possession de son corps, de sa tête, de sa voix. 

L’ombre de Jan Krause, ancien batteur de Conjurer, plane d’ailleurs sur ce disque. Son départ, survenu après Páthos, pour des raisons de santé mentale, a très certainement marqué le groupe. Là où beaucoup auraient durci le ton pour masquer la perte, Conjurer choisit l’inverse : l’ouverture, la respiration, la douceur là où on attendait la rage. L’arrivée de Noah See à la batterie prolonge cette évolution, avec un jeu à la fois plus aéré et plus humain, qui laisse l’émotion circuler entre les instruments. 

Sous la production de Joe Clayton (également présent au mixage), Unself sonne presque plus ouvert : on peut entendre les souffles avant les cris, le grésillement des amplis, et surtout, le poids des silences. Mais cette clarté nouvelle n’a rien d’un apaisement. Les passages plus lumineux ne sont pas des temps de repos, mais des zones de tension suspendue, presque apocalyptiques au milieu de notre traversée. Ils amplifient la lourdeur, la soulignent plutôt qu’ils ne la dissipent. Là où le groupe laissait autrefois des respirations, il installe désormais une inquiétude, un sentiment d’attente avant l’effondrement. 

“All Apart”, “Let Us Live” ou "The Searing Glow" traduisent avec réussite cette oscillation entre effondrement et reconstruction, entre colère et acceptation. Et puis il y a le cadre : l’album s’ouvre sur "Unself" et se clôture sur “This World Is Not My Home”. Le premier annonce le dépouillement de soi, le second en propose la réconciliation. En reprenant le titre d’un ancien hymne gospel, Conjurer nous emmène d’un sentiment d’exil vers une forme d’apaisement : un refus du mensonge, mais aussi une forme de paix lucide. 

Même la pochette, peinte par Joost van den Broek, semble traduire ce mouvement intérieur. Une forme indistincte, entre matière et chair, entre effacement et apparition : c’est moins une image qu’un état. Comme la musique, elle ne montre rien, mais évoque tout : la confusion, la fatigue, la lente émergence d’un être qui se cherche. 

Unself parle de santé mentale, raconte la fatigue, l’isolement et la réinvention. C’est un disque sur la survie, ni héroïque, ni spectaculaire mais humaine. Là où tant de groupes cachent leurs failles derrière la colère, Conjurer les transforme en langage. 

Finalement, Unself n’est pas seulement un album de metal. C’est un reflet de nos propres fragilités, une exploration sonore de ce que signifie tomber, se perdre, et pourtant continuer à exister. Conjurer ne promet pas de réponses, mais offre quelque chose de plus rare : une honnêteté désarmante, où chaque note et chaque silence portent la force de se reconstruire. 

Quand Alissa White-Gluz est apparue, la salle a littéralement explosé. En pleine tournée pour défendre Blood Dynasty, sorti au printemps, le groupe a balancé une setlist taillée pour la scène : les nouveaux titres comme Dream Stealer, Blood Dynasty ou Illuminate the Path se mêlaient aux classiques Ravenous, War Eternal ou Nemesis. La chanteuse, impériale, alternait growls profonds et moments plus clairs avec une aisance déconcertante, haranguant la foule entre deux riffs tranchants. Derrière elle, Michael Amott et Joey Concepcion déroulaient des solos précis et pleins de rage, portés par une rythmique d'une puissance chirurgicale.

Le concert s'est terminé dans un tourbillon d'énergie sur Fields of Desolation, laissant un public lessivé mais heureux. Arch Enemy a prouvé une fois de plus qu'ils restaient une machine de guerre scénique : carré, intense, et profondément humain dans la manière de tout donner. Une soirée comme on les aime, où chaque note sonnait comme une claque bien méritée.

Arch Enemy

Eluveitie

Amorphis

Gatecreeper

Imperial Triumphant

La soirée a commencée par Imperial Triumphant, imposant un rituel spécial : masques dorés, dissonances suffocantes et grandiloquence urbaine. Le trio new-yorkais nous a érigé un mur sonore complexe, où le black metal se tord sous des influences jazz et industrielles. Entre luxe décadent et chaos millimétré, le Transbordeur s'est transformé en cathédrale d'ombres dorées. Les fans du groupe ont été ravi du show, cependant, un tel OVNI dans cette affiche (oui oui, malgré qu'Igorrr soit déjà un OVNI dans la scène, on peut le dire ici !), n'a pas réussi à convaincre une grande majorité du public. Le groupe ne s'est pas pour autant découragé, malgré une salle peu réceptive.

Master Boot Record

En seconde partie, Master Boot Record change totalement le style et l'ambiance de la salle. Dans un bain de lumière multicolore et de glitchs rétro, le groupe a délivré un metal en flux de données binaires, mêlant riffs acérés et nappes 8-bit. Les bruits de lecteurs disquettes et les visuels DOS ont réveillé la nostalgie des millenials de manière immédiate, cette nostalgie des PC lents et bruyants de la fin des années 90 et des jeux à l'esthétique pixelisée. Un set robotique et hypnotique qui aura touché le cœur du public, notamment avec une reprise de la mythique musique du jeu DOOM. La salle bondée s'est enflammée dès les premières notes du set. Prestation complètement réussie pour MBR qui aura préparé au mieux le public pour la tête d'affiche.

Petit bémol personnel, le fait que tous les morceaux soient doublés à la guitare a effacé le côté plus robotique que nous pouvons retrouver en version studio. Il aurait été plus sympa de varier entre version plus "studio" et version "live" à la guitare.

Igorrr

Igorrr, groupe autant adulé par les fans de musique extrême et expérimentale que incompris par le grand public, et pourtant assez connu, que ce soit en France ou à l'international. Avec son style incisif, déstructuré, mêlant musique baroque, orientale, classique avec un black metal puissant, ainsi que des sonorités étranges ou inattendues dont Gautier en a fait sa signature. Le Transbordeur, plein à craquer, et chaud comme un volcan prêt à exploser, se voit illuminé d'une scène travaillée, aux couleurs chaudes, puis froides dans le style oriental et industriel. Nous avons eu le droit à un set de qualité, avec un spectacle millimétré mais rondement mené. La foule fût remplie d'énergie du début à la fin, avec une fosse remplie de pogos jusqu'au dernier morceau, et des acclamations soutenues. Marlgré un album moins qualitatif que les 2 précédents, la setlist a sue convaincre.

De mon côté, j'aurai apprécié un morceau de plus sur les vieux albums, car le choix des morceaux s'est arrêté sur les 3 derniers albums, à l'exception du titre "tout petit moineau", qui a marqué le début de l'ascension du groupe.

crédits photo : @jeremy.photo.live

Le 3 octobre est sorti en indépendant le deuxième album du projet Nancéien -ii- (à prononcer “ Two Eyes”). Après plusieurs singles sortis en 2024 de manière autonome et complètement indépendante, il est temps pour nous de découvrir ces 12 chansons.

Le projet regroupe :

• Hélène Ruzic : chant, piano, voix
• Benjamin Racine : guitares, percussions, synthétiseurs, piano, bouzouki, xaphoon
• Maxime Keller : basse, synthétiseurs, piano préparé
• David L'Huillier : batterie, percussions

L’album se décompose comme suit :

• The Birth of Venus
• Digging for Blood
• Lotis
• Sisyphus in Red
• The Fountain of Helicon
• Pearls beneath the Embers
• L'Onde et l'Abysse
• Where the Diamonds are Hurled
• Sisters of the Coven
• - Under the Skin
• When Beauty is a Crime
• Virginia's Mirror

Depuis 2018, -ii- ne cesse de nous proposer de nombreux morceaux et singles à chaque fois différents les uns des autres. Il est ainsi aisé d’avoir ces morceaux préférés selon la direction entreprise par le projet à une certaine période. Il faut dire aussi qu’Hélène et Benjamin sont des artistes très prolifiques et avec plusieurs projets musicaux différents : Fournaise (Rock Volcanique chanté en créole) et Daski (Noise Rap).

Nous sommes donc face à leur côté -ii-, un côté beaucoup plus vaporeux. Un univers troublant où se mêlent de multiples influences lorgnant sur le Dark Rock, le Shoegaze, le Doom, le Post-Rock ou même l’Indus parfois. Pour vous donner une idée, à une époque le style évoqué était le Witchgaze, un terme bien évocateur selon moi pour le côté changeant et mystérieux que revêt la musique du combo.

Apostles of the Flesh est donc un album bien singulier. En effet, si je ne m’abuse, il semble être le premier à brasser véritablement autant d’influences diverses mais aussi d’instruments différents au sein d’une seule et unique chanson.

Par ailleurs, on aura aussi droit à un véritable interlude au milieu de l’album avec le titre “L’Onde et l’Abysse”. Première chanson en français dans leur discographie placée sous la forme de la poésie où Hélène déclame un poème avec un piano visité par une brise marine lointaine. Une composition qui, je ne sais pourquoi, m’a rappelé le projet de Lorsque les volcans dorment.

Une pièce qui nous permet donc de reprendre notre souffle avant la deuxième moitié du disque. Une partie pas nécessairement différente de la précédente. En effet, cette étape n’était pas annonciatrice d’un changement de direction, mais plus d’un moment suspendu avant de reprendre notre voyage.

Et je pense que parler de voyage est approprié ici. On ne parle pas d’aventure au lointain grâce à des mélodies psychédéliques aux instruments folkloriques, ici on se laisse bercer par les synthés, la voix changeante d’Hélène et les ambiances fluctuantes, mais jamais agressives des autres morceaux.

A cet égard, il est certainement moins sombre que le précédent album, mais aussi plus accessible. Je ne sais pas si la variation de multiples instruments m’a aidé, mais j’ai trouvé cet album beaucoup plus parlant à mes yeux que le précédent. Certainement cet aspect moins monolithique et plus dynamique y est pour quelque chose …

Pour conclure, je dirai que Apostles of the Flesh est un album fascinant à bien des égards dans lequel il est simple de sombrer. Les paroles sont toujours aussi empreintes de sensualité et de poésie qu’il est libre à chacun d’y voir ce qu’il a envie d’y comprendre et ainsi se laisser porter vers son propre imaginaire.

Il est aussi marrant de constater que, tels les 12 apôtres de Jésus, nous sommes face à 12 titres aux identités originales et variées dont le thème central est la chair. Oui, j’ai fait un peu mon détective du dimanche sur celle-là, mais peut-être que le nom de l’album ne vous avait pas encore sauté aux yeux.

Pour vous donner plus de contexte, voilà ce qu’en dit Hélène dans le dossier presse de l’album :

“C’était surtout vrai avec Extinction, mais on a un certain attrait pour les apôtres et autres icônes religieuses. Tout ce qui touche à la spiritualité nous inspire. La chair est pour sa part liée au corps, sujet très cher à nos yeux. On a beau avoir un peu évolué sur le plan social, on a envie de mettre le corps au centre de nos réflexions. La question de la chair est traditionnellement niée, voire jugée péjorativement, notamment en Occident. Il est important de pouvoir se réapproprier son corps, d’en prendre soin. L’album parle beaucoup de mes expériences vécues avec mon propre corps, ce qui lui est arrivé, et ce que j’en ai fait.”

• Chapitrage de la vidéo :

00:00:00 : Introduction

00:01:05 : Jour 1

Saqqarah, The Callous Daoboys, Lazuli, Year of No Light, TesseracT, Ne Obliviscaris, Mogwai, Magma, diiv, Dool

00:15:35 : Jour 2

Houle, Vestige, Wegferend, Five the Hierophant, Heriot, Imperial Triumphant, Blackbriar, The Gorge, Skálmöld, Klone, Eivør, Sólstafir, Ihsahn, Carpenter Brut

00:35:37 : Debrief des deux premiers jours avec Sounding Shivers

00:53:15 : Jour 3

Hürlement, Hexecutor, All for Metal, Ni, Johnnie Carwash, Rendez-vous, POESIE ZERO, Pelican, Slope, Paleface Swiss, Extreme, envy, Snot, Cult of Luna, Kap Bambino, Krav Boca

01:15:02 : Jour 4

Solitaris, MØSI, Wyatt E, Doodseskader, Margarita Witch Cult, Cobra the Impaler, King Buffalo, Gost, Gaupa, Between The Buried And Me, Landmvrks, Monolord, Harakiri for the sky, Candlemass, The Bloody Beetroots, Green Lung

01:35:15 : Conclusion

• Découvrir les interviews mentionnées dans la vidéo :

- Candlemass : https://metalsoundmedia.com/articles/406/interview-johan-langquist-de-candlemass

- Houle : https://metalsoundmedia.com/articles/569/interview-houle-aux-34h-2024-rediffusion

- TesseracT : https://metalsoundmedia.com/articles/701/interview-tesseract-motocultor-festival-2025

• Découvrir nos photos du festival :

- Jour 1 : https://metalsoundmedia.com/articles/702/live-report-motocultor-festival-2025-jour-1-jeudi-14-aout

- Jour 2 : https://metalsoundmedia.com/articles/703/live-report-motocultor-festival-2025-jour-2-vendredi-15-aout

- Jour 3 : https://metalsoundmedia.com/articles/705/live-report-motocultor-festival-2025-jour-3-samedi-16-aout

- Extreme : https://metalsoundmedia.com/articles/700/extreme-motocultor-festival-2025

- Jour 4 : https://metalsoundmedia.com/articles/706/live-report-motocultor-festival-2025-jour-4-dimanche-17-aout

L’univers dystopique, politique et sombre de Bruit ≤ rencontre la nostalgie, la bienveillance et l'émerveillement d’ Alcest au sein d’une tournée française et tout ce que l’on peut dire c’est que les groupes se sont bien trouvés.

BRUIT ≤ (Post-Rock - FR)

La salle se tamise et alors que les musiciens de Bruit ≤ foulent du pas la scène sur les sons d’introduction d’Ephemeral, dans le public quelques uns s’adonne tout de même parfois à la question du “Mais du coup c’est quoi comme groupe là ?”. Ces même spectateurs, souvent, ne se rendent pas encore compte qu’ils s'apprêtent à vivre la demi-heure la plus intense de leur semaine.

Le parterre est réceptif: dès l'entrée de la batterie, le silence est total et le groupe s’en donne à cœur-joie.

Brut et tout en crescendo, le quatuor Toulousain nous retrace dans les grandes lignes le message de son dernier album The Age of Ephemerality tout en y incluant deux morceaux au message similaire de le premier album The Machine Is Burning and Now Everyone Knows It Could Happen Again (ce titre d’album est bien trop long, non ?), notamment pour la clôture de leur set.

Seul bémol à ce tableau, mais vraiment pour chipoter, les remerciements juste avant le dernier morceau nous sortent de l’ambiance jusqu’ici posée. Et bien que le dernier morceau soit effectué encore d’une main de maître (ou plutôt de huit mains de quatre maîtres), il faut du temps pour replonger dans le bain et faire notre au-revoir à Bruit ≤.

En effet, BRUIT ≤ a pour habitude de nous plonger dans un voyage intense où les visuels en rythme avec les morceaux subliment le mur de son mis en place. Du moins, cela est vrai si vous ne gardez pas les yeux fermés pour vous laisser davantage porter par cette musique puissante.

Ainsi, une pause dans nos aventures et nos rêves fait toujours bizarre, mais cela s’explique certainement par le contexte de la première partie. Comme le dit bien Clément : “il n’est pas simple de jouer devant un nouveau public” surtout quand le groupe “n’est pas sur les plateformes de streaming” (NDLR : la discographie du groupe n’est disponible que sur Bandcamp ou sur YouTube). Les concerts deviennent alors pour ce quatuor leur “propre plateforme de streaming”. On découvrira à l’occasion de ce bref discours les noms des techniciens : Thierry qui a improvisé ce soir-là les lumières aux côtés de Romain qui façonne le son du combo “depuis belle lurette”.

Alcest (Blackgaze - FR)

Quelques dizaines de minutes plus tard, c’est au tour des papes du Balckgaze d’entrer sur la piste.

Du tout au tout, et pour le mieux (comme le dira Clément de Bruit ≤ après le concert lors de la conférence), nous passons des larmes aux sourires avec Alcest qui vient défendre Les Chants de l’aurore.

Comme pour leur concert de l’Olympia, nous découvrons une scène simple, mais pourtant magnifique. Quelques roseaux et joncs séchés viennent habiller la scène entre quelques lumières placées ici et là, ainsi qu’un astre brillant en fond de scène qui s’entoure de draps blancs bien texturés. Bien sûr, nous retrouvons aussi les oiseaux de la pochette de l’album en son centre.

Bref, il est temps de découvrir pleinement la musique d’Alcest dans d’excellentes conditions.

Malgré la fatigue qui se lit sur le visage du groupe ; on est en effet à la moitié d’une tournée de 17 dates dont la plupart en France, on lit aussi beaucoup de joie et de légèreté.

Les sourires se mêlent aux regards complices où on sent que tout est bien rôdé pour nous apporter le meilleur moment possible.

On pourra se laisser porter par les chœurs féminins ou quelques ambiances ajoutées par des backings tracks pour avoir l’expérience la plus entière.

Neige, n’étant pas un grand bavard, on aura quand même le droit à plusieurs interactions tout au long du concert de près d’une heure et demie en comptant le rappel. Car si l’on oublie les mercis silencieux, Neige n’a pas hésité à rappeler à son auditoire d’aller écouter ce super groupe de Post-Rock Toulousain que l’on a pu (re)découvrir auparavant (et on peut dire que plusieurs personnes ont bien suivi l’exemple), mais aussi de rappeler que cela faisait chaud au cœur de voir un public avec un tel engouement devant lui. Car, comme on l’a appris après le concert lors de la conférence, Alcest n’a jamais été un projet censé fonctionner et que Neige est toujours surpris que la musique qu’il a créé pour lui en extériorisant son histoire soit appréciée ou trouve un écho en d’autres personnes.

Et en voyant le public ce soir-là, beaucoup de personnes semblaient entièrement conquises par la musique proposée :une setlist traversant les âges entre Les Chants de l’aurore, Spiritual Instinct, Kodama, Écailles de lune et Les Voyages de l’âme.

Après s’être remis doucement de nos émotions, le Plan nous proposait une conférence un peu spéciale : Apéro Metal by Mado & The Secrets of Bands !

Un moment d’échanges avec le groupe Alcest, Clément de BRUIT ≤ (Violon, basse, guitares, claviers…) et leur tour manageuse au sein du restaurant de la SMAC parisienne.

L’échange était animé par Mado qui orientait les débats ou qui laissaient la parole au public resté en nombre.

Un moment singulier où l’on ne pouvait ni prendre de photos ou enregistrer pour rester pleinement dans l’échange. Une belle occasion pour certains pour poser des questions sur la formation d’Alcest, le processus créatif des deux groupes, sur l’organisation de la tournée, sur les prises politiques de BRUIT ≤ et plein d’autres questions entre anecdotes et questions philosophiques.

Mais Neige a pu aussi nous poser des questions sur notamment comment nous, le public, découvrons de nouveaux groupes maintenant ? Quels sont les médias les plus utilisés pour parvenir à dénicher la perle rare ? Est-ce les magazines, les plateformes de streaming, les concerts, les festivals, les chaînes de télévision comme Arte, le bouche à oreille…

En tout cas, le moment était fort intéressant. Heureusement pour le groupe, ils avaient des impératifs horaires à respecter, car sinon je pense que la foule serait restée jusqu’au bout de la nuit pour discuter.

Texte par Guillaume et Gauvain.

Photos par Gauvain

Le 17 octobre sort le premier album de Karaba F.C. à retrouver chez Voice of the Unheard en format vinyle ou chez Microfaune Records en format CD. Après deux EP, respectivement Empty Rooms en 2021 et April Dancer en 2023, le combo à la moitié parisienne et bretonne sort enfin son premier LP ! Le combo mêle la sauce Indie-Rock avec le Post-Hardcore pour nous proposer un mélange dont eux-seuls ont le secret.

L’album se décompose comme suit :

• Neighbours
• Trails
• Celebrate
• Even Summer
• Always Aging
• Aftersun
• Life
• Happy
• Tides

De mon côté j’ai assez peu d'informations à vous partager sur l’album en question puisque je n’ai eu en ma possession que l’album sans les paroles ou autre dossier presse, donc nous nous contenterons que de la musique cette fois-ci. Toutefois, sur les réseaux sociaux du combo, on apprend que Symbionts a été enregistré et mixé par Elliot H-Argh et Stw Dust à la Cuve Studio, puis masterisé par Magnus Lindberg (rien que ça !). Et c’est vrai que cet album semble bien au-dessus en termes de production ou de puissance que les précédents disques, donc il est important de les nommer.

Sinon, nous voilà donc face à 9 titres pour un peu moins de 40 minutes de musique inédite, même si je me demande si certaines n’étaient pas jouées en live ces derniers temps.

Symbionts nous propose un disque aussi plus riche en termes d’influences musicales avec des petits côtés Math-Rock, Cold-Wave et Post-Rock que je n’aurais pas forcément pensé retrouver dans leur musique. En effet, on était plus habitué à du Emo Rock ou du Post-Hardcore voir du Pop-Punk parfois.

Ainsi, Karaba F.C. nous partage toute la musique qui les a bercée vraisemblablement ces dernières années, mais avec toujours cette même énergie brute.

Quoi que, on sent aussi plus de tensions ou de nuances telles que sur leur titre Always Aging qui est définitivement un titre bien riche qui promet de nous transporter en concert !

Surtout que le travail sur les voix semble lui aussi plus abouti, on ne se lasse pas des questions réponses à deux chanteurs ou des doublements de refrains qui apportent un véritable corps aux compositions.

D’autant plus que si certaines personnes pouvaient trouver que leurs refrains manquaient un peu de pêche par rapport à d’autres projets du même style, Symbionts nous démontre aisément que Karaba F.C. sait nous délivrer des refrains fédérateurs mais aussi criant de rage (ou de tristesse).

Bref, dur de ne pas être comblé en tant que personne ayant déjà été conquise en live par ce quatuor. Pourtant, je pense que ce disque n’est pas non plus fait pour tout le monde, en effet le chant aigu étant bien singulier, il pourra certainement désarçonner quelques personnes, mais il serait dommage de ne pas pousser l’exploration, tellement cet album est généreux.

Ainsi, si vous aimez la musique Emo, Post-Hardcore ou même Punk-Rock, je pense que vous devrez tout de même y jeter une oreille, car vous serez indubitablement conquis par au moins une des chansons composant ce disque.

Maintenant, il va falloir essayer de voir ces compositions en concert, car je pense qu’il y a moyen d’en ressentir davantage d’émotions que ce que retranscrit déjà ce disque.

Et ça tombe bien, ils seront au Supersonic à Paris le 3 novembre avec L'Idylle et Midscale, donc n’hésitez pas : c’est gratuit ! Sinon, avant la fin du mois d'octobre, ils seront avec Pluie Cessera en Normandie et Bretagne.

D'autant plus qu'en 2023, je n'avais pas réussi à me rendre disponible, il était donc grand temps de rattraper son retard.

Cold Beaches (Indie Jazz Pop - FR)

Projet musical porté par la chanteuse et guitariste américaine Sophia Nadia, Cold Beaches est un quatuor. Ce dernier nous joue un mélange entre la Funk, la Pop, le Math Rock ou le Jazz soit pour les citer du "Indie Jazz Pop".

Avec le trajet depuis Reims, je n'ai pu que voir le dernier tiers de leur concert, mais leur énergie et l'alchimie qui régnait sur scène était très jolie.

De plus, une invitée était présente ce soir en la personne de Gabriela qui jouait du saxophone sur certains morceaux.

Définitivement un groupe à écouter pour ma part, surtout que leur album Ambient Joy est disponible depuis le mois dernier.

cotoba (Math Rock - Corée du Sud)

Qu'est-ce que cotoba ? Un quatuor coréen délivrant du Math-Rock de haute volée avec de savoureux passages plus Pop.

Et on peut dire que voir les morceaux que l'on a dévorés pendant des années se jouer à la perfection de nos yeux et de nos oreilles ébahies, il y a de quoi être époustouflé !

Mais la musique ne pouvait s'enchaîner sans pause ! Ainsi la chanteuse pourra nous partager en français quelques mots avec son antisèche : " Merci Paris, vous nous avez manqué ! Paris restera toujours notre endroit préféré. Créons ensemble le meilleur concert !". Plus tard, ce sera au tour du guitariste, appelé Duolingo pour l'occasion, de présenter le projet en français.

Qui dit concert d'exception, dit setlist d'exception et la rétrospective de tous leurs disques en était le parfait exemple. D'autant plus que la chanteuse guitariste était possédée pendant la plupart des chansons en sautant et dansant dès qu'elle le pouvait !

On eut le droit à plusieurs interludes parlés assez mignons, même si le dernier grand discours se fit en coréen et fut ponctué par un "merci mon chou" ; mais malheureusement, je n'ai pas saisi le contexte... Peut-être un lien avec leurs journées précédentes où ils ont visité Paris et Disneyland ?

Et quoi de mieux que de finir le concert par "Merci beaucoup, car l'on était très impatient de revenir sur Paris après le concert d'il y a deux ans. Je n'ai pas envie de dire "au-revoir" mais "à bientôt"!".

Bref, une magnifique soirée, où le talent des artistes se mêla avec leurs gentillesses et le souhait de parler en français dès que l'occasion était possible.

En effet, on espère à bientôt pour une soirée d’anthologie !

Lonlax (Post-Ado Math Grunge - FR)

Projet émergent Strasbourgeois de Punk Rock barré et loufoque, Lonlax est un trio ! Le chanteur et guitariste Lonlax est accompagné d'un batteur et d'une guitariste pour nous interpréter des morceaux de leurs répertoires. Sa voix se retrouve nimbée d'effets pour donner un résultat un peu agaçant, mais assez drôle pour coller à la fois aux chansons et aux interludes parlés.

De quoi apporter un peu de légèreté lorsque le groupe rappelle qu'il met à disposition une tirelire pour "Urgence Palestine - Strasbourg".

Lonlax est un projet qui semble chanté en français, avec toujours des mélodies jouant sur des montées de tension. Bref, de quoi apporter une belle énergie en première partie !

D'autant plus que le groupe est très "Hardcore" dans sa façon de faire avec du merch à prix libre (du moins pour les affiches sérigraphiées). Donc n'hésitez pas si vous les voyez !

PROJECTOR (Post-Punk - UK)

Un groupe visuellement bien anglais entre le t-shirt du club de foot de Newcastle pour le chanteur guitariste et le t-shirt du groupe CTRL DRP pour la bassiste chanteuse. Bref, on savait déjà que ça allait être bien et les nombreux sourires entre les différents membres ainsi que le déferlement de morceaux efficaces n'en étaient que les preuves de cette prophétie !

D'autant plus que le groupe a essentiellement joué ses deux albums ponctués de quelques titres plus anciens comme Non ou Zero.

En plus bien sûr que de vouloir parler en français au maximum, que ce soit lors des interactions de la bassiste ou lors du refrain de S.O.M.O.D que le chanteur a déclamé dans la langue de Molière.

Si vous aimez Ditz ou Knives, foncez écouter ce groupe, vous ne serez pas déçus ! Surtout qu'ils sont aussi généreux sur scène qu'après le concert !

©Miniature de l'article : PROJECTOR

Fournaise (Rock Volcanique - FR)

Fournaise, dont le nom provient du Piton de la Fournaise, est un groupe de Rock Volcanique pour les citer. Un terme à propos, puisqu'en plus de souligner les origines réunionnaises de la chanteuse et bassiste Hélène, il en profite aussi pour souligner l'engagement féministe rageur des textes. À l'instar de Lorsque les Volcans Dorment, Fournaise utilise son projet musical pour passer un message universel et féministe.

Ainsi, entre quelques cours de créole avec "Komen i Lé" (comment ça va), on aura donc le droit à quelques salutations envers "tous les pointeurs du monde" tels que "Epstein, Andrew Tate et tous leurs potes". Mais aussi quelques messages sur la liberté, avec entre autres la résistance des peuples de la Palestine, de Madagascar et du Maroc.

Bref, une très belle ouverture engagée qui n'a pas hésité à rappeler le slogan "More Women on Stage" et sa déclinaison "More Women Backstage", association féministe dont fait partie Lola, la bassiste de Pogo Car Crash Control.

Pogo Car Crash Control (Punk - FR)

La première surprise pour les personnes habituées à P3C, c'est la scène qui se retrouve décorée : entre la pince géante de l'album au-dessus de la batterie et trois draps blancs pendant sur scène. Ces derniers serviront d'effets de lumière pour l'entrée des artistes sur "Cerveau mort".

La seconde surprise, c'est le caractère explosif de cette date : en plus d'être complet, le club bouillonnait véritablement. Il n'a d'ailleurs pas hésité à spontanément créer des pogos ou walls of death ou même quelques sessions de stage dive quand l'envie lui prenait.

Il faut dire aussi que le groupe lui rendait bien, entre leur énergie explosive, les quelques taquineries du chanteur avec "on est complet parce que des Parisiens sont venus ?" (suivi d'huées de la part du public), le fait qu'Olivier Pernot adore communiquer avec les premiers rangs durant les chansons...

De plus, plusieurs morceaux étaient agrémentés de backing tracks (chant, guitares folks, percussions électroniques...), ainsi, tout s’enchaînait assez rapidement.

Bref, tous les ingrédients étaient réunis ce soir pour que le concert soit explosif !

En espérant que leur promesse de défrayer la totalité du public pour remplir leur concert de la Cigale tienne toujours, car je crois que personne ne l'oubliera de sitôt. Maintenant, il faudra aussi voir si Olivier demandera à cette date si les "complets de Reims" sont bien dans la salle...

Pour le concert de P3C, je n'étais pas accrédité, d'où le manque de photos et nous nous en excusons. Mais rassurez-vous, il y avait d'autres photographes sur ce concert qui ont pu immortaliser cette soirée.

Dans l'intimité du Club Transbo, Nova Twins ont offert bien plus qu'un simple concert : un moment de communion brute et électrique avec leur public. La petite salle Lyonnaise, crée une proximité inhabituelle entre les artistes et la foule. Une proximité que le duo britannique a su transformer en atout, cultivant une ambiance chaleureuse et complice du premier au dernier riff.

Dès les premières notes, Amy et Georgia se sont montrées aussi intenses que généreuses. Leur complicité évidente sur scène, entre regards, sourires et une énergie parfaitement synchronisée, se prolongeait naturellement dans la salle. Le public, serré contre la scène, vibrait à l'unisson, porté par la puissance d'un son qui faisait trembler les murs du Club Transbo.

Un des moments forts de la soirée reste sans conteste l'exécution de "Choose Your Fighter". Sans prévenir, Nova Twins ont quitté la scène pour plonger littéralement au milieu du public, continuant à jouer entourées de fans survoltés.

HotWax

Horizons / West marque un retour aux sources dans sa manière d’être enregistré. Moderne et d’actualité, il constitue aussi — fait rare dans la carrière du groupe — une véritable suite directe à l’album de 2021.

Touchant à plusieurs styles musicaux et parvenant à mêler Hardcore, Pop, Punk, Post-rock et Ambient dans un seul et même opus, Thrice nous embarque pour 43 minutes d’écoute que l’on n’aura aucune envie d’interrompre. 

Nous sommes bousculés dans tous les sens à mesure que l’album progresse, secoués par des passages énergiques comme Holding On, Gnash — qui, soit dit en passant, possède l’un des meilleurs breakdowns de l’année pour les métalleux qui nous lisent — ou encore Blackout, une ouverture puissante qui annonce un voyage prometteur.
Mais d’autres morceaux plus doux ou plus émouvants ne tardent pas à se montrer, calmant le jeu et nous permettant de respirer au milieu du chaos et des tensions, The Dark Glow, Vesper Light ou encore la clôture de l’album avec Unitive/West qui nous achève avec un silence pesant pendant de longues minutes. Mention spéciale à Undertow, véritable chef-d’œuvre, digne des plus beaux titres de Loathe, Deftones ou Superheaven, capable de nous faire fermer les yeux et nous laisser dériver loin du monde qui nous entoure.

L’exploration musicale de Thrice est audacieuse et met en lumière, à travers les textes de Dustin Kensrue, toute la réflexion et la pensée philosophique du groupe. Sans jamais imposer une réponse unique, les thèmes abordés — la quête de soi, la manipulation des foules, l’avancée inquiétante de la technologie, la peur et l’évolution elle-même — nous poussent à remettre en question les certitudes que l’on croyait acquises. 

En mêlant réflexion et émotion, Horizons / West s’impose comme une œuvre à la fois introspective et viscérale, preuve que Thrice continue d’évoluer sans jamais se trahir. 

Une chose est sûre, Thrice est loin d’en avoir fini avec nous et cela ne peut que nous réjouir. 

Et ensuite une petite playlist pour écouter tout ça :

Je précise que le dernier album de Phantom Spell n'est pas sur Spotify, alors à la place :

Au revoir, à bientôt.

Cette convention allie des activités, conférences et ateliers gratuits la journée à des concerts payants le soir. De quoi passer une journée à s'enrichir seul, entre amis ou en famille, puis de profiter d'une ambiance plus Metal le soir !

Si ce format vous donne envie, lisez jusqu'à la fin, car nous avons 2x2 places pour la Firemaster Convention à vous faire gagner !

Et plutôt que de vous détailler chaque activité et groupe qui s'y trouveront, voici le planning complet du week-end :

Ce programme vous donne envie ? Alors rendez-vous sur nos réseaux pour gagner vos entrées ! Il y aura à gagner 2 places sur Facebook et 2 places sur Instagram. Tirage au sort parmi les participants lundi 06/10 à 18h !

Pour suivre la Firemaster Convention :

• https://www.instagram.com/firemasterconvention
• https://www.facebook.com/firemasterconvention
• https://www.firemaster-convention.fr/

Les personnes les plus chanceuses se souviendront certainement du morceau Rain chanté en français en chœur entre les deux sœurs !

Même si j'ai pu voir Eivør cet été au Motocultor Festival (photos à découvrir ici), je me suis laissé porter une nouvelle fois par le plaisir de la revoir !

Elinborg (Electro Pop - Iles Féroé)

Si en 2022, son EP Vera allait sortir, aujourd'hui c'était son album Í Ævir qu'elle était venu défendre. Un album prévu pour Halloween qui était déjà disponible au merchandising sous la forme d'un vinyle coloré spécial pour la tournée ; les CD étant déjà épuisés alors que le premier tiers de la tournée n'était même pas terminé. Une occasion pour elle de le produire avec beaucoup d'entrain et d'excitation, car, comme lors de son dernier passage, son projet n'est pas encore totalement disponible et n'attend qu'à être découvert.

Sinon, elle était accompagnée d'un batteur et d'un claviériste, Elinborg s'occupant du chant et de la guitare, et a pu jouer plusieurs morceaux issus de Vera, mais aussi des morceaux de son prochain album qui sont déjà disponibles, si vous souhaitez les découvrir. Comme par exemple Blóð qui a pu conclure son set, certes court, mais envoutant.

Elinborg joue en effet une Electro Pop flirtant avec la musique Ambient ou parfois minimaliste. Ce qui, en plus de coller très bien avec l'ambiance Trip-Hop de certains morceaux de sa sœur, nous permet de facilement tomber sous le charme de sa voix ou des mélodies simples, mais efficaces.

Il faut dire aussi qu'Eivør a participé, en partie, au processus créatif de l'album Í Ævir ...

Site officiel : https://www.elinborgmusic.com/

Instagram : https://www.instagram.com/elinborgmusic/

Ásgeir (Folk-Pop - Islande)

Ne connaissant pas du tout cet artiste islandais, pourtant riche de 12 années de musique, j'étais donc le plus curieux de ce que j'allais écouter. Surtout que j'ai appris que son premier album, Dýrð í dauðaþögn, était le disque le plus vendu en Islande.

J'ai pu être ainsi surpris que la moitié du set était plutôt orientée Electro/Trip-Hop avec lui aux claviers et une boite à rythme en backing track. De plus, il m'a semblé qu'il gérait lui-même en direct les effets type vocoder sur ses doublements de voix.

Bref, on semblait suivre le ton de la soirée initiée par Elinborg, jusqu'à ce qu'Ásgeir décide d'interpréter en avant-première son titre Julia issu de l'album éponyme prévu pour février 2026, ainsi que Ferris Wheel un peu plus tard dans la soirée. Durant ces moments de partage, Ásgeir quittait son clavier pour prendre la guitare et ainsi nous offrir des morceaux plutôt typé Folk-Pop.

On a eu même le droit à une chanson chantée en islandais : Dýrð í dauðaþögn, qui a fait rire le public visiblement confus de comment retenir le nom du morceau...

Site officiel : https://www.asgeirmusic.com/

Instagram : https://www.instagram.com/asgeirmusic/

Eivør (Electro-Folk / Trip-Hop ... - Iles Féroé)

Même si j'avais un peu peur que la setlist se rapproche grandement de celle jouée il y a un peu moins d'un an au Trianon, Eivør a réussi à nous surprendre avec quelques morceaux plus vieux comme Boxes ou So Close to Being Free.

Moi qui attendait avec espoir Rain chanté en français, je ne fus pas déçu de découvrir le morceau Upp Úr Øskuni chanté avec Elinborg ou même Us and Them avec Ásgeir. Chose assez surprenante, car Eivør ne nous a pas trop habitué aux reprises surtout pour des chansons de Pink Floyd !

Par contre, une chose qui n'était pas surprenante, c'était bien Eivør qui nous rappelle son amour pour la France. En effet, tourner en France est pour elle une de ses choses préférées entre la nourriture, le vin et les salles de concert magnifiques dans lesquelles elle se produit. D'autant plus, que cette tournée était "spéciale car elle était accompagnée de ses ami(e)s et de sa sœur" ! Et on peut dire que ça se voyait, les interactions entre Eivør et ses invités étaient empreints d'une certaine alchimie qui était super belle à voir ! Mention spéciale au cri : "c'est ma sœur Elinborg " (en français) qui a valu un franc sourire de sa part lors de leurs prestations communes sur Upp Úr Øskuni .

Pour l'occasion, Eivør était donc avec une tenue un peu extravagante avec des nattes qui pendent. Une robe qui n'a pas manqué de la faire sourire quand elle a souligné sa praticité pour se coincer partout. Et bien sûr, comme prévu, la robe s'est coincée durant Í Tokuni dans le pied de micro ce qui nous a valu un petit fou rire de sa part sous vocoder sur ce qui devait être le début d'un couplet. Bref, une belle parenthèse bien rigolote.

On a eu même le droit au rituel depuis quelques années avec des titres issus de la bande son de la série télé "The Last Kingdom". Un moment généralement plus calme dans le set.

Ce qui était très chouette aussi ce soir-là, c'est que l'ambiance semblait un peu plus électrique qu'à l'accoutumée. Certainement grâce à quelques noyaux durs de fans éparpillés dans le public qui ne manquaient pas une occasion pour crier leurs engouements ou relancer des applaudissements très chaleureux. Il n'en fallu pas plus à Eivør pour nous dire que l'on avait une "énergie incroyable qu'ils essaieraient de prendre avec eux jusqu'à la fin de leur tournée et qu'elle avait déjà hâte de revenir ici" !

Mention spéciale à la contrebasse électrique qui a signé son retour sur certains morceaux et c'est vrai qu'elle rajoute une certaine tension pendant les morceaux qui est tout bonnement superbe !

En tout cas, cette soirée fut, comme à chaque fois, une soirée mémorable et incroyable ! Ce qui était aussi chouette c'est que tous les artistes sont venus au stand de merch signer des choses ou prendre des photos. Bref, un moment très convivial et chaleureux en somme.

Soulline

The Narrator

Mental Cruelty

Gaerea

Nanowar Of Steel

Thrown

Kataklysm

August Burns Red

Wind Rose

Hatebreed

Heilung

Skindred

Aujourd'hui on parle du nouvel album du groupe suisse Vígljós, entre abeilles et champignons hallucinogènes, celui s'appelle Tome II: Ignis Sacer. C'est sorti le 19 septembre chez Les Acteurs de l'Ombre et c'est bien cool !

Une interview avec le groupe devrait apparaître prochainement, merci encore aux Acteurs de l'Ombre et à Solstice Promotion qui ont pu faciliter ça ! Le moment venu, je vous mettrai un lien ici-même pour la lire !

Pour voir la chronique :

Quelques liens pour écouter et en savoir plus :

https://ladlo.bandcamp.com/album/tome-ii-ignis-sacer
https://www.facebook.com/vigljos
https://lesacteursdelombre.net/product-category/bands/vigljos/

Et je vous renvoie vers le clip dont je parle dans la vidéo :

Au revoir, à bientôt.

Au programme, 5 concerts en 3 jours avec 12 chanteurs et 8 musiciens. Le tout au 013 Poppodium gonflé à bloc par 15 000 personnes de 71 nationalités différentes sur l'ensemble des festivités.

A cette occasion, la Next Stage du 013 Poppodium (NDLR : le club) s'est transformé en véritable boutique de souvenirs où se côtoyait tout type de marchandises : mugs, t-shirts, hoodies, t-shirts à manches longues, autocollants, magnets, patchs, 2 bières brassées par Loc Brewery (NDLR : brasserie locale et quasi voisine de la salle) mais non goûtées par Arjen, car il n'est pas un amateur de houblon (promis, il fera du vin la prochaine fois pour qu'il puisse en profiter lui aussi) ...

Seule musique à se mettre sous la dent : le dernier album solo d'Arjen Lucassen "Songs no one will hear", dédicacé par Arjen lui-même, ainsi que la réédition de son tout premier album solo "Pools of Sorrow". En effet, j'aurais bien aimé retrouver quelques CD ou DVD des autres projets d'Arjen, mais c'était déjà une belle caverne d'Ali Baba.

Pour les personnes restant sur place, un camping avait été mis en place avec quelques événements à travers la ville, notamment des visites de la ville et des soirées à thème au Hall of Fame, et même quelques concerts matinaux à la Next Stage.

Bref, Tilburg était fin prête à accueillir le phénomène néerlandais Ayreon !

Voici le line-up de l'événement :

• Chanteurs et chanteuses :
  • Arjen Lucassen (Ayreon, Star One,...)
  • Robert Soeterboek (Ayreon, Star One,...)
  • Damian Wilson (Arena, Ayreon, Star One,...)
  • Anneke van Giersbergen (Ayreon, Devin Townsend Project, The Gathering, Vuur,...)
  • Marcela Bovio (Dark Horse White Horse, Stream of Passion,...)
  • Irene Jansen (Ayreon, Star One,...)
  • Heather Findlay (Ayreon, Mantra Vega,...)
  • Maggy Luyten (Ayreon, ex-Nightmare,...)
  • Mike Mills (Ayreon, Star One, Toehider,...)
  • Tommy Karevik (Ayreon, Kamelot,...)
  • Dino Jelusick (Michael Romeo, Whitesnake, Whom Gods Destroy,...)
  • Wudstik (Ayreon, For All We Know,...)

• Musiciens :
  • Timo Somers - guitare (Arjen Lucassen's Supersonic Revolution, Charlotte Wessels,...)
  • Ferry Duijsens – guitare (ex-The Gentle Storm, Vuur,...)
  • Johan van Stratum – basse (Stream of Passion, ex-The Gentle Storm, Vuur,...)
  • Joost van den Broek – claviers (Arjen Lucassen's Supersonic Revolution, Ayreon, Star One,...)
  • Ed Warby – batterie (Ayreon, Star One, ex-The Gentle Storm, Vuur,...)

• Ensemble d'orchestre :
  • Ben Mathot – violon (Ayreon, Epica, Stream of Passion, ex-The Gentle Storm,...)
  • Jurriaan Westerveld – violoncelle (Ayreon, Stream of Passion,...)
  • Jeroen Goossens – instruments à vent de la famille des bois (Ayreon, Epica, ex-The Gentle Storm,...)

Pour agrémenter votre lecture, nous vous proposons d'écouter la setlist complète du concert :

J'étais donc présent pour un seul des cinq concerts, celui du samedi 13 septembre en début d'après midi.

La première chose marquante est l'effervescence dans la ville et dans les quartiers proches de la salle : beaucoup de personnes avec des t-shirts d'Ayreon sont déjà là de bon matin, notamment pour profiter de la boutique installée à proximité ainsi que des visites de la ville en petit comité.

Malheureusement, à cause du monde, je n'ai pas pu profiter du concert matinal de Heather Findlay, mais pas de regret, nous sommes prêts, mon père et moi, a bien profité de cet événement.

Car, pour avoir longtemps voulu voir ce projet en live, on ne va pas bouder son plaisir. D'autant plus que la veille, j'ai eu la confirmation que je pouvais prendre des photos du concert : une superbe occasion pour ramener d'autres souvenirs que ceux proposés en boutique.

En effet, pour proposer des spectacles immersifs, l'usage des téléphones portables était très restreint. L'organisation pouvait venir pendant le concert vous dire d'arrêter de photographier l'événement.

Chose amusante, plusieurs bannières ainsi que des fresques aux couleurs des albums d'Ayreon étaient accessibles à la boutique pour prendre quelques photos souvenirs. Une belle pensée pour les fans pour admirer les pochettes en taille géante ou prendre de belles photos devant.

Par ailleurs, le chanteur Damian Wilson s'est même donné la peine de venir saluer et discuter avec la file d'attente. Je ne sais pas s'il a fait les 3000 personnes présentes, mais l'intention était très touchante. Surtout que la foule était déjà quasi au complet une heure avant l'ouverture des portes. Il semblait que personne ne voulait manquer le concert pour rien au monde.

Mais après une petite heure d'attente, le concert a pu commencer :

Rideau fermé, silence, Mike Mills arrive devant pour nous introduire le concept de la soirée. Après quelques instants, la scène se dévoile vide, mais pas moins décorée de différents rochers et instruments. Toutefois, ce sera véritablement l'animation sur les écrans géants, un sur tout le fond de scène et deux verticaux sur le côté de scène, qui lanceront pleinement les hostilités avec notamment un avatar virtuel nous souhaitant la bienvenue et nous arguant plusieurs fois.

Ce sera donc le début de l'Acte 1 : "Live Debuts"

• My House on Mars
• Sail Away to Avalon
• Green and Cream (Guilt Machine cover)
• Days of the Knights (Arjen Anthony Lucassen song)
• Day Six: Childhood
• Dragon on the Sea
• Day Thirteen: Sign (Shortened)
• Sea Of Machines
• The Year of ’41 (Star One cover)
• The First Man on Earth
• The Lighthouse
• The Argument 2
• Carried by the Wind

Suivit par l'Acte 2 : "Ayreon Classics" et le retour de l'avatar

• The Theory of Everything, Part 1
• Actual Fantasy
• Into the Black Hole (Shortened)
• The Awareness
• Dawn of a Million Souls
• Valley of the Queens
• Day Sixteen: Loser
• The Castle Hall
• Amazing Flight (Shortened)
• Everybody Dies

Puis enfin par la conclusion du concert :

• Set Your Controls (Star One cover)
• Day One: Vigil (sur bandes)
• Day Two: Isolation

Ainsi, nous avons donc pu découvrir pour la première fois en live 13 morceaux répartis sur plusieurs albums d'Ayreon, mais pas que : notamment une chanson du projet Star One, de la carrière solo d'Arjen et une reprise de Guilt Machine.

N'étant pas un grand féru de la discographie complète d'Ayreon, j'ai trouvé cette partie un peu plus inégale que le reste du concert. En vérité, c'est surtout parce que j'ai beaucoup poncer les albums ou les best-ofs DVD, donc certains m'étaient étrangers.

Toutefois, entre les différentes chanteurs, chanteuses et musiciens voguant au gré des différents morceaux, il était dur de s'ennuyer, car tout allait vite.

De plus, les écrans permettaient d'afficher le nom de chaque nouvelle personne arrivant sur scène pour que chacun puisse mettre un nom sur les visages. Une belle façon de présenter les invités sans dégrader le rythme du concert.

En effet, il n'y avait aucune interruption entre les morceaux, tout s'enchainait et c'était parfait !

Un certain bémol, néanmoins, pour les nombreux visuels projetés sur les écrans qui étaient pour la totalité réalisés par IA. Certes, la démarche d'avoir plusieurs plateaux et animations par morceau étaient un véritable plus pour l'immersion et le voyage, mais les animations faites par IA m'ont plus fait sortir du spectacle qu'autre chose. Ainsi, je me suis retrouvé à plus regarder les artistes que les visuels.

Il faut dire aussi que les artistes se connaissant quasi tous et toutes très bien, les différents morceaux proposent ainsi toujours des beaux moments d'alchimie sur scène !

Le spectacle, car c'est bien plus qu'un concert, a duré quasi 2h30 avec une seule interruption de la part de Arjen et Joost qui a duré une dizaine de minutes avant la conclusion du concert.

Un moment pour se livrer et partager autre chose que de la musique au sens large. Tout d'abord, nous avons eu le droit à un "Hello World!", rien à voir avec l'informatique (NDLR : comprendra qui pourra), mais bien aux 71 nationalités présentes sur l'ensemble du weekend ; pulvérisant ainsi le record de la dernière tournée (NDLR : 01011001 – Live Beneath the Waves), qui était, seulement, de 64 pays.

Un chiffre qui le fait presque culpabiliser de ne pas organiser de tournées, mais malheureusement, il n'aime pas tourner et embarquer tout ce monde en tournée mondiale serait une vraie plaie à organiser.

Il a eu une pensée pour le chanteur Edward Reekers qui devait être présent, mais à cause de métastases des poumons impossible à guérir, il a été obligé de renoncer aux concerts. Il n'est donc là qu'en pensées.

Arjen a tenu à remercier deux personnes sans qui ce genre d'événement n'aurait jamais eu lieu; pas son frère, même s'il l'a bien affiché devant toute la salle, mais :

• Lori : sa partenaire qui a fait la plupart des visuels ainsi que gérer un homme très nerveux ces derniers temps (NDLR : Arjen restait souvent sur le côté de la scène quand il ne chantait pas pour tout observer ; on sent que le concert lui tient vraiment à cœur)
• Joost : le claviériste du projet qui a tout arrangé musicalement pour que l'on puisse en profiter pleinement !

Joost qui en a profité pour remercier Arjen pour avoir donné sa chance à un claviériste de 18 ans pour rejoindre Ayreon il y a plus de 20 ans. Un projet musical qui a formé son jeu ainsi que sa maîtrise des claviers Hammond. Il est d'ailleurs impatient de pouvoir fêter les 50 ans pour être aussi vieux que le projet !

Après une dernière chanson de Star One et la dernière intervention de l'avatar, le concert s'est conclu avec le titre "Day Two : Isolation" de l'album Human Equation. Une belle excuse pour amener l'ensemble des artistes sur scène pour soigner le final !

Un final résonant sur les dernières notes et une explosion de confettis, donnant une bonne raison à Arjen Lucassen de venir sur scène profiter du moment avec le reste du groupe.

Ce qui m'a fait beaucoup rire, c'est que pour immortaliser le final, le photographe officiel a dû s'installer sur un escabeau pour réussir à photographier l'ensemble du groupe ainsi que la salle !

Bref, de superbes souvenirs et hâte de découvrir le DVD live de cette tournée !

Une première pour nous qui fut tout bonnement mémorable !

Après vous avoir partagé nos photos et nos différentes interviews, voici enfin l'heure d'en parler !

Chapitrage de la vidéo

00:00 : Jour 1

01:31 : Blessings

02:52 : Hemelbestormer

04:18: Astrosaur

05:44 : BRUIT ≤ (set 1)

07:45 : Telepathy

10:07 : Psychonaut

12:27 : Barrens

14:29 : God is an astronaut

15:38 : Lo! & Johan G. Winther

17:28 : This will destroy you

18:44 : Fin de journée

19:28 : Jour 2

21:25 : Törzs

23:27 : you, infinite

24:54 : The Gorge & Pothamus

26:47 Bear & Gouter vegan

28:36 : Interview Pothamus et Hypno5e

29:45Lizzard

31:13 : BRUIT ≤ (set 2)

34:22 : Gösta Berlings Saga

36:36 : The Hills Mover

39:25 : Conclusion

Pendant cet entretien d'une vingtaine de minutes, nous avons pu échanger de leur vision musicale, de leur album Abur et surtout du Codex Pothamus prévu pour cet automne !

Bref, une belle occasion pour en apprendre d'avantage sur le combo avant la sortie dudit Codex !

La liste des questions ainsi que les time-codes associés sont dans la description de la vidéo en elle-même.

Sinon, la voici :

00:00 : Présentation

00:21 : Avis du public sur Abur

01:58 : Langues utilisées dans vos chansons

03:47 : Absence de De-varium dans l'artbook et sa signification

07:06 : Sous-titres en néerlandais des chansons

10:06 : Codex Pothamus

13:01 : A qui est destiné le Codex ?

14:49 : Inspirations musicales

18:04 : Chiaran Verheyden (Hippotraktor) et Pothamus

19:19 : Une tournée avec Hippotraktor ? Pour faire le Hippopotamus tour ?

20:48 : Conclusion

Liens utiles pour retrouver le groupe :

Facebook : https://www.facebook.com/Pothamus/

Instagram : https://www.instagram.com/pothamus/

Bandcamp : https://pothamus.bandcamp.com/album/abur

Vous pourrez retrouver le groupe en France prochainement :

- Festival Frisson Acidulé (14/09/2025) : https://yp.events/472547d1-9af3-4f25-bf1b-09c6037743bd/FRISSON-ACIDULE-5

- Festival les Lunatiques (03/10/2025) : https://www.helloasso.com/associations/tout-rennes-sature/evenements/festival-les-lunatiques-2025

Si jamais le codex a piqué votre intérêt, il est précommandable ici : https://pothamus.bandcamp.com/merch/codex-pothamus-2

Une date organisée par Sanit Mils avec l'accord de Swamp Booking.

Bleu Reine (Pop éthérée - FR)

Pour reprendre les termes de Léa Lotz : cette soirée est assez intimidante. Est-ce par ce qu'elle joue devant Cinder Well (elle était cachée sur le côté pour écouter le concert) ou bien parce que c'était sa première date de la saison ? Elle-même ne le savait pas, mais cela ne l'a pas empêché de délivrer une très jolie prestation où le silence quasi religieux de la salle ne se brisait que pour applaudir ou pour lui répondre.

Car même si le concert se voulait très intimiste, il fut aussi très participatif. En effet, Bleu Reine n'a pas hésité à discuter avec son public pour raconter quelques anecdotes ou pour briser cet étrange silence respectueux qui régnait dans la salle pendant qu'elle jouait. Mais il n'en fallu pas plus lors de sa remarque pour libérer, sous son propre un aveu, "un monstre".

Mais le public pu retrouver son calme olympien par la suite, sauf à la demande de l'artiste lors du deuxième accordage où Vangelis de Sanit Mils Records n'a pas hésité à lui demander l'anecdote sur "Les Braises". Un titre qui lui a valu la suppression de son album "Saison fantôme" de l'intégralité des plateformes de streaming (Bandcamp compris) pour un pic d'écoute suspect émis depuis la Bretagne ; soit dit en passant en Breizh ! Mais oui, ces derniers temps, les plateformes de distribution semblent faire la police aux écoutes suspectes, quitte à supprimer des albums des plateformes d'écoute ou même à infliger des "amendes" aux artistes concernées. Un fléau qui touche plusieurs artistes "underground" en France ces derniers temps. De quoi bien redorer le blason de Spotify, surtout que c'est toujours cette plateforme qui est la source du problème ...

Bref, trêve de digression, revenons au concert. On a par conséquent appris que ses cours d'allemand LV1 avait permis à Bleu Reine de découvrir la sirène Lorelei. Une sirène allemande qui attirait les marins vers des récifs grâce à sa voix ; un personnage qu'elle avait trouvé badass lors de sa scolarité, ce qui la conduit à écrire la chanson Lorelei.

Ainsi, pendant la soirée, s'est enchainé des morceaux plus ou moins récents tels que "Loin des lions", une chanson écrite il y a 8 ans. La première partie d'un diptyque sur l'emprise dans le milieu de la musique. Et même "Cavalier seul", un morceau composé chez elle pour retranscrire les sentiments ambigus ressentis après sa tournée européenne en solo à l'âge de 33 ans.

Un concert qui s'est conclu d'une belle façon, même si Bleu Reine a avoué traverser un peu une "saison fantôme" entre son absence de merch ou d'album disponible. Mais si jamais, n'hésitez pas à la suivre sur les réseaux sociaux pour l'annonce des prochaines dates ou des nouveaux morceaux !

Facebook : https://www.facebook.com/bleureineofficial/

Instagram : https://instagram.com/bleureine__

Cinder Well (Folk - US)

Après avoir découvert Cinder Well, Amelia Baker de son prénom, dans la salle du Hall of Fame du Roadburn 2025, il nous était impossible de manquer cet événement.

Et là encore, la magie s'est opérée. Amelia Baker était seule sur scène, accompagnée de ses trois guitares, selon l'ambiance souhaitée sur ces morceaux, et d'un fond vidéo où les images de nature défilaient paisiblement en même temps que ses musiques. Parfois, quelques pistes supplémentaires venaient apporter quelques cordes frottées, des sons de nature ou encore quelques ambiances vocales sur notamment "The Crow".

Un cadre simple, identique à son concert du Roadburn, mais propice à l'introspection et au voyage. Il faut dire aussi que la musique du projet Cinder Well, bien qu'intimiste, se veut très communicative.

En effet, il est aussi chouette de voir des artistes qui ont autant à cœur de partager leurs amours pour leurs arts ou même des anecdotes.

Ainsi, il n'a pas été rare de connaitre quelques détails sur ses chansons comme les chants traditionnels qu'elle aime chanter :

• "Wandering Boy" : chant traditionnel dans une version qu'elle a empruntée à un ou une artiste du Kentucky.
• "The Cuckoo" : chant traditionnel qui parle de son thème préféré dans les vieilles balades Folk : pas la forêt, la migration ou la guerre, mais les avertissements donnés aux jeunes filles sur le danger de tomber amoureuses des garçons. Là encore, dans une version qu'elle a empruntée à un ou une artiste du Kentucky.

On a eu même le droit à deux nouvelles chansons, dont une basée sur le film français "Portrait de la jeune fille en feu". Une histoire qu'elle nous a brièvement racontée ; même si une bonne partie du public le connaissait déjà, sur une femme dont la mère cherche à la marier et qui, par conséquent, embauche une peintre pour en faire le portrait et le présenter à un parti - il était en effet pas aisé de connaître le visage de sa dulcinée au 18e siècle. Celle-ci n'étant pas du tout pour cette idée, la peintre la côtoiera pour en dresser un portrait plus tard. Après une première destruction du portrait, vient [SPOILER] le moment du portrait et l'échange qui a marqué Cinder Well :

" - Quand sait-on qu’une œuvre est finie ?

- Quand un moment, on s’arrête. "

Au final, le concert était une véritable communion entre le public et l'artiste, bien représenté par la fin du morceau "Old Enough" repris en cœur. Je dois bien vous l'accorder qu'on a eu un petit cours avant pour être sûr de le chanter correctement.

Décidément, un superbe concert qui a l'air d'avoir bien plu à la chanteuse ; surtout qu'elle était très contente d'avoir pu écouter Bleu Reine dont elle apprécie énormément la musique. Ce soir-là pas de rappel, car elle se voyait mal faire semblant de partir, donc on a eu le droit à la dernière chanson dans la foulée de The Crow avec un beau remerciement pour "la meilleur toure manageuse du monde".

Bref, une artiste que je ne saurai que vous recommander chaudement !

Le 12 septembre 2025 chez Pelagic Records, Barrens revient avec un nouvel album intitulé Corpse Lights. Après un magnifique Penumbra qui m’avait transporté en 2020, le trio remet le couvert cinq ans après avec le même line-up, ainsi que la même équipe technique : Kristofer Jönson pour l’enregistrement et la production ainsi que Magnus Lindberg (Cult of Luna) au mix et au mastering. On retrouve donc :

• Johan G. Winther (Guitares, Synthés)
• Markku Hildén (Batteries, Percussion)
• Kenta Jansson (Basse, Synthés)

L’album se décompose comme suit :

• Memory Eraser
• The Derelict
• Sorrowed
• Periastron
• Apastron
• No Light
• Collapsar
• Remnants
• A Nothing Expands

En cinq ans, mes attentes avaient de quoi être très hautes. En effet, Penumbra, m’avait plus que conquis et fut même un des éléments déclencheurs de ma découverte du label Pelagic Records. Ainsi, j’étais plus qu’impatient que de sombrer dans leur nouvel album pour découvrir le tout ! Surtout que cela fait 5 bons mois que l’album a été teasé avec leur premier single Periastron. Un single qui, je l’avoue, ne m’avait pas forcément emballé plus que ça, le single me paraissant sympathique, mais sans plus. Néanmoins, avec du recul, cela est un peu normal, car le diptyque Periastron/Apastron ne forme pas la pièce la plus accrocheuse ou mémorable de l’album, mais nous permet d’apprendre de nouveaux mots ! Si l’album précédent nous avait introduit aux trois étapes de l’ombre : Antumbra, Penumbra et Umbra, ici on nous présente une notion d’astronomie avec le point le plus proche ou le plus éloigné entre deux étoiles qui sont en orbite l'une autour de l'autre ; respectivement le périastre et l’apastron.

Il est d’ailleurs assez rigolo, que le groupe choisisse toujours des noms de morceaux avec un lien plus ou moins proche de la lumière ou l’ombre. Une façon d’illustrer leur volonté d’avoir une musique contrastée afin d’éviter d’ennuyer les auditeurs et auditrices avec une musique trop monolithique (cf. notre interview filmée au Pelagic Festival). Donc, vous n’allez pas avoir le même riff joué pendant 5 minutes.

Et on peut dire que leur pari est réussi, comme avec Penumbra, on navigue dans un univers contrasté et bouillonnant. Tantôt calme, tantôt dynamique, la musique de Barrens est pour moi l’illustration parfaite du Post-Rock bien fait : une musique riche en influences qui arrive à nous faire voyager dans un univers propre à notre imaginaire.

Il faut dire que le groupe a pensé son album comme étant la description de ce que pouvaient être nos relations entre humains, tantôt proches, tantôt éloignées, tantôt joyeuses, tantôt plus maussades.

Corpse Lights se veut donc au moins aussi intéressant que son prédécesseur avec toujours des morceaux mémorables grâce aux claviers qui peuvent créer rapidement des leitmotivs entêtants, comme sur notamment Sorrowed où la guitare et les claviers s’amusent à jouer la même mélodie.

On retrouve ici les mêmes influences musicales que pour Penumbra, mais il semblerait que le travail sur les textures soit un peu plus mis en avant, comme s’il y avait parfois plus d'instruments qui jouent en même temps.

On ne se demanderait même s’il n’y a pas parfois une voix à la “pg.lost” qui ne se cacherait pas derrière toutes ces couches, comme sur Collapsar où la base du morceau faite aux synthés me rappelle ce que peuvent apporter les voix électroniques dans certains morceaux de pg.lost. Aucune idée si c’est un fantasme pour ma part, car je n’ai pas eu le temps de poser cette question au groupe lors de notre entretien. Mais j’espère qu’il y répondra s’il lit ma chronique !

Par ailleurs, je ne sais pas pourquoi, mais dès que je me lance l'album, Memory Eraser me rappelle inlassablement le morceau Wishes d’Interlaker. On dirait que son ouverture avec le piano en fond me joue instantanément le morceau d’Interlaker sur la musique de Barrens.

Les morceaux n'ont pas grand-chose en commun pourtant, mais je trouvais l’anecdote amusante à partager.

Autre fait surprenant, le groupe reproduit avec son titre final “A Nothing Expands” le même gimmick de fin qu’avec “Umbra” de Penumbra avec un ultime accord qu’on laisse mourir et un moment de silence, comme pour nous signifier avec douceur la fin de notre périple.

Pour conclure, Corpse Ligths est assurément un superbe album ! Est-ce qu’il est mieux que Penumbra ? Il est un peu tôt pour le dire ; d’autant plus que j’aurais du mal à l’écouter autant de fois que Penumbra avant sa sortie, mais objectivement, il semble plus perfectionné que son prédécesseur. En tout cas, Barrens nous avait promis une belle aventure musicale et sur ce point, il n’a pas menti : Corpse Lights est une épopée mémorable !

J’ai d’ailleurs été ravi de pouvoir découvrir quelques-uns des nouveaux morceaux joués en live au Pelagic Festival. Ils rendent très bien, même si mon affect n’est pas encore aussi fort pour ces nouveaux titres. Il faut dire aussi que j’ai été biberonné ces dernières années par Penumbra, donc quel plaisir de pouvoir écouter certains de ses morceaux en concert.

Décidément un album à écouter si vous aimez le Post-Rock et les synthés en tout genre !

Aujourd'hui, on parle de Bal-Sagoth. Quel meilleur groupe pour nourrir une passion pour l'Heroic Fantasy, je vous le demande ? N'hésitez pas à proposer des suggestions pour la suite !

La vidéo :

Voici une playlist pour écouter des titres du groupe, et plus encore :

Au revoir, à bientôt.

Une belle journée à (re)découvrir à travers nos différentes photos, toujours en compagnie de mon acolyte Anaïs !

Solitaris (par Gauvain & Anaïs)

MØSI (par Gauvain)

Angelmaker (par Anaïs)

Wyatt E. (par Gauvain)

Party Cannon (par Anaïs)

Doodseskader (par Gauvain)

Thrown (par Anaïs)

Margarita Witch Cult (par Gauvain)

Cobra the Impaler (par Gauvain)

King Buffalo (par Gauvain)

Gost (par Gauvain)

Fear Factory (par Anaïs)

Gaupa (par Gauvain)

Between The Buried And Me (par Gauvain)

Landmvrks (par Gauvain & Anaïs)

Monolord (par Gauvain)

Harakiri for the Sky (par Gauvain)

Candlemass (par Gauvain)

Kanonenfieber (par Anaïs)

The Bloody Beetroots (par Gauvain)

Green Lung (par Gauvain)

Pendant cet entretien d'une vingtaine de minutes, nous avons pu échanger de leur vision musicale, du concept se cachant (ou non) derrière leur musique, de leur futur album disponible le 12 septembre...

Bref, une belle occasion de découvrir le groupe ou de se préparer à la sortie de Corpse Lights !

La liste des questions ainsi que les time-codes associés sont dans la description de la vidéo en elle-même.

Sinon, la voici :

00:00 : Présentation

00:14 : Une musique de contraste dès Penumbra

01:48 : Conclusion identique pour Penumbra et Corpse Lights

05:29 : Même équipe de production

08:45 : Le choix du nom Corpse Lights

11:05 : Nouvelle direction artistique

14:21 : Le nom des chansons

15:19 : Concept derrière l'album

14:49 : Dualité ombre/lumière

19:42 : Conclusion

Liens utiles pour retrouver le groupe :

Facebook : https://www.facebook.com/BARRENStheband/

Instagram : https://www.instagram.com/barrens_official/

Bandcamp : https://barrenstheband.bandcamp.com/

Une belle journée à (re)découvrir à travers nos différentes photos, toujours en compagnie de mon acolyte Anaïs !

Hürlement (par Gauvain)

Hexecutor (par Gauvain)

All For Metal (par Gauvain et Anaïs)

Hiraes (par Anaïs)

Ni (par Gauvain)

Johnnie Carwash (par Gauvain)

Rendez vous (par Gauvain)

Tenside (par Anaïs)

Poesie Zero (par Gauvain)

Pelican (par Gauvain)

Slope (par Gauvain)

Paleface Swiss (par Gauvain & Anaïs)

Extreme (par Gauvain & Anaïs)

Envy (par Gauvain)

Trivium (par Anaïs)

Snot (par Gauvain)

Cult of Luna (par Gauvain)

Kap Bambino (par Gauvain)

Krav Boca (par Gauvain)

Une première pour nous qui fut tout bonnement mémorable !

On vous réserve d'ailleurs de belles interviews et une vidéo résumée de l'événement, mais en attendant, vous pouvez découvrir nos photos des deux deux jours ci-dessous :

Jour 1

Blessings

Hemelbestormer

Astrosaur

BRUIT ≤ - Set 1 : The Age of Ephemerality

Telepathy

Psychonaut

Barrens

God is an astronaut

Johan G. Winther

This will destroy you

Jour 2

Törzs

you, infinite

Pothamus

Lizzard

BRUIT ≤ - Set 2 : Monolith & The Machine is burning and now everyone knows it could happen again

Gösta Berlings Saga

The Hills Mover

Une belle journée à (re)découvrir à travers nos différentes photos ! De plus, cette fois-ci j'ai été rejoint par mon acolyte Anaïs !

Houle (par Gauvain)

Vestige (par Gauvain et Anaïs)

Wegferend (par Gauvain)

Five the Hierophant (par Gauvain)

Heriot (par Gauvain)

Imperial Triumphant (par Gauvain et Anaïs)

Blackbriar (par Gauvain)

The Gorge (par Gauvain)

Lacuna Coil (par Anaïs)

Skálmöld (par Gauvain)

Fleshgod Apocalypse (par Anaïs)

Klone (par Gauvain)

Kerry King (par Anaïs)

Eivør (par Gauvain)

Sólstafir (par Gauvain)

Ihsahn (par Gauvain)

Dimmu Borgir (par Anaïs)

Carpenter Brut (par Gauvain)

Une belle journée à (re)découvrir à travers nos différentes photos :

Saqqarah

The Callous Daoboys

Lazuli

Year of no Light

TesseracT

Ne Obliviscaris

Mogwai

Magma

Diiv

Dool

Sans chercher à en faire trop, EXTREME a misé sur une scénographie efficace. Les éclairages, précis et colorés, ont accompagné chaque morceau en soulignant les changements de tempo et les moments clés du set. Le résultat : un rendu visuel élégant, qui renforçait le propos musical sans l’éclipser.

Un des moments les plus marquants reste, sans surprise, les performances de Nuno Bettencourt. Véritable maître de la guitare, il a livré des solos d’une grande fluidité, mélangeant technicité et expressivité. Sa prestation a rappelé pourquoi il demeure l’un des guitaristes les plus respectés de sa génération.

En clôture, le groupe a tenu à saluer la carrière de Ozzy Osbourne, figure majeure de l’histoire du rock et du metal. Un hommage simple mais chargé d’émotion, accueilli avec ferveur par le public, qui a chanté et applaudi à l’unisson.

Le passage d’EXTREME au Motocultor 2025 a confirmé que le groupe conserve une énergie intacte et une capacité à fédérer des générations de fans. Entre rigueur scénique, virtuosité instrumentale et respect des légendes du genre, leur concert restera comme l’un des moments marquants de cette édition.

Merci aux équipes d'EXTREME de m'avoir permis de couvrir le concert durant cette soirée au Motocultor.

Pendant cet entretien, le groupe en a profité pour nous lâcher quelques infos croustillantes sur notamment l'écriture de leur prochain album ou la sortie hypothétique, mais très probable, d'un album live de leur prestation au Radar Festival 2024.

La liste des questions ainsi que les time-codes associés sont dans la description de la vidéo en elle-même.

Sinon, la voici :

00:00 : Presentation

00:24 : War of Being et sessions d'écritures

01:42 : The Grey : Sonder ou War of Being ?

02:39 : DVD live du RADAR ?!

04:08 : Des invités à prévoir pour le prochain album ?

05:32 : Le changement de son

06:30 : La versatilité du chant

08:20 : Ecrire les paroles de TesseracT

09:34 : War of Being - le jeu vidéo

12:34 : Le concept des "An Evening With..."

Quelques liens utiles pour retrouver le groupe : https://tesseract.os.fan/

Facebook : https://www.facebook.com/tesseractband

Instagram : https://www.instagram.com/tesseractband/

Patreon du jeu : https://www.patreon.com/DMTesseracTLtd

Twitch :

twitch.tv/dmtesseract

twitch.tv/jaytesseract

twitch.tv/tesseractofficial

"Fondé en 2018, Touccan est un duo lyonnais composé de Valentin (Batterie) et Clovis (Guitare). Amis d'enfance, ils jouent dans diverses formations en passant par le Ska Punk, le Death Metal ou encore le Punk Melocore."

En 2022, est sorti leur premier album "Full Sentimental", mais il semblerait que les prochains mois nous promettent de bien belles choses...

Touccan en 2025 ça bastonne (ou quelque chose du genre).

Pour les suivre :

Facebook : https://www.facebook.com/touccanband/?locale=fr_FR

Instagram : https://www.instagram.com/touccan_band/?hl=fr

YouTube : https://www.youtube.com/channel/UCAIc2M7q5iT66AR_wfo_8MA

BandCamp : https://touccan.bandcamp.com/album/full-sentimental

Site internet pour choper la disquette (entre autres choses) : https://touccan.fr/

Prochains concerts :

- 19 septembre à Montreuil avec Baleine

https://www.facebook.com/events/759245496505078/?active_tab=discussion

- 23 octobre date au Ninkasi Cordeliers avec Totorro

https://shotgun.live/fr/events/totor-ro-toucan?utm_source=songkick

Voici un nouvel épisode du Hasardisque, où ma camarade Sophie me propose de discuter de 5 disques issus de ma collection ; comme toujours, sans que je sache à l'avance ce qu'elle a choisi.

La vidéo est ici :

Une petite playlist avec les trouvailles du jour. Et à ce propos, compte tenu de l'évolution de Spotify, même si on sait que c'est ce que la majorité utilise, on aimerait pouvoir passer par une autre plateforme, et que ça puisse convenir à tout le monde (sans qu'on doive faire une playlist par plateforme alternative). N'hésitez pas à proposer des suggestions de plateformes de streaming sur lesquelles ont peut faire des playlists similaires que vous utilisez, merci d'avance !

Au revoir, à bientôt.

Présentation rapide des membres présents

Rock : Moi je suis Rock, le guitariste, chanteur, leader du groupe. Et lui c'est Elom.

Elom : Elom, essentiellement le growler du groupe. Rap growler. Deux expertises pas incompatibles.

On va commencer par la création du groupe. Comment a germé l'idée de faire un groupe de Metal ?

Rock : Juste en écoutant du Metal quoi. Parce qu'au Togo, il n'y en a pas assez. Il y a des CD, des cassettes et bien sûr sur internet aussi. Donc à ce moment-là, j'écoute une musique qui me parle, et j'en fais.

Elom : Ouais c'est pareil pour moi.

Elom, tu avais un autre groupe avant. Tu avais monté H Weapons.

Elom : Ouais, effectivement. Ça c'était avec mon autre frère. Et c'était essentiellement du Nu Metal. C'était beaucoup plus avec du rap et tout au style Linkin Park. Mais bon après lui il est parti plus sur l'audiovisuel. C'est lui qui réalise nos clips, le visuel. Et donc finalement, moi j'ai rejoint Arka'n.

Du coup vous aviez deux projets, il y a eu un rapprochement avec des featurings...

Rock : En fait ce n'est pas trop différent, ce qu'on faisait. C'est facile de se mettre ensemble. Parce que le rap n'est pas qu'américain. Le rap est aussi une philosophie africaine. Le chant, le fait de parler. Donc le Rap Metal africain, ça passe bien je pense.

En 2015 vous vous êtes réunis. Il y avait Arka'n, H Weapons, et c'est devenu Arka'n Asrafokor. Pourquoi ce nom ?

Rock : Arka'n c'est un mot qui est formé de lettres. Chaque lettre est le début d'un mot, d'une phrase, de notre langue, qui a un rapport avec le côté caché de l'univers. Car l'univers n'était pas seulement ce qu'on voit. Il y a ce qu'on ne voit pas, mais qui est plus grand, plus fort que ce qu'on voit. Et le mot Asrafokor a deux racines avec plusieurs trucs. Le mot Asrafo veut dire guerrier en langue Ewe. Et le mot Kor a trois significations également. Le Kor qui fait référence au Metalcore. Et puis également, le Kor veut dire poing. Comme on est cinq, on est le poing du guerrier. Le Kor veut également dire le QG du guerrier. Donc Kor qui est le Metalcore, le Asrafocore. Le Kor qui est le poing, le Kor qui est le QG.

J'ai une question par rapport au Togo. Quelle est la difficulté de monter un groupe de Metal au Togo ?

Rock : En fait ce n'est pas très compliqué, il faut juste trouver des musiciens qui adhèrent. Parce qu'on a des guitares, des amplis, des batteries. Donc on n'a qu'à jouer le Metal. Il suffit de trouver ceux qui aiment ce qu'on fait. Donc on a commencé par des amis musiciens qui viennent, qui partent. Et puis finalement, un line-up s'est formé en 2010 jusqu'en 2015. Et le line-up qui s'est formé en 2015-2016 est là jusqu'à maintenant.

Il n'y a pas de difficulté, il faut juste trouver les musiciens.

Et le public au Togo est présent ?

Rock : Bon, oui et non. Il y a un public qui aime le Metal comme on le connaît, mais n'est pas très nombreux. Mais par contre, les Togolais eux-mêmes peuvent aimer ce qu'on fait. Ce qu'on fait n'est pas du Metal classique. C'est un mélange entre le Metal occidental et le son africain. Donc la langue, en Ewe, avec les percussions et les chœurs africains. Donc ils se retrouvent dans ce qu'on fait, ce n'est pas loin de ce qu'ils aiment en fait.

Elom : Bon, tout a été dit. Mais je pense que la difficulté justement, c'est le fait que, comme il a dit, c'est le fait de trouver des musiciens qui adhèrent à la chose puisque le Metal n'est pas répandu dans le pays. On est le seul groupe qui fait du Metal. À part ça, il y a des groupes rock, des très bons groupes rock. Mais le Metal, comme on le fait, on est les seuls. Donc il faut trouver des musiciens qui aiment la chose, qui sont passionnés de la chose. Et je pense que c'est là où réside essentiellement la difficulté en fait. Mais à part ça, bon, ça va.

Rock : Et puis, bizarrement, il y a des guitaristes qui aiment le Metal, mais pas les batteurs, les bassistes. Les guitaristes, il y en a plein. 

Musicalement, c'est du Metal, mais pas que, c'est du Metal alternatif et Folk.

Rock : Asrafocore, quoi. Un nouveau genre (rire). Le genre de Metal togolais.

Quelles sont vos influences en termes de Metal, mais aussi en termes de rap ou de musique traditionnelle togolaise ?

Rock : En termes de Metal, on a tellement écouté de musique, on a tellement écouté de Metal... Killswitch Engage, Cannibal Corpse, Scorpions, AC/DC, les vieux groupes... Mudvayne, Linkin Park, Metallica, Slipknot. Franchement, les vieux, le Nu Metal, finalement. Et du côté de nos musiques, Il y a le agbadja, il y a le gazo. C'est du rythme ternaire.

Elom : Il n'y a pas que ces deux rythmes-là au Togo. Il y en a beaucoup plus, mais c'est essentiellement ces deux-là qu'on utilise dans notre musique.

Rock : C'est les plus guerriers.

Pour ceux qui seraient intéressés par la musique traditionnelle, est-ce qu'il y a des groupes à écouter ?

Rock : Franchement, là... Venez au Togo, c'est le mieux (rire).

Elom : Il y a des groupes, mais pas des groupes comme on définit. Mais c'est des collectifs et on les appelle bobobo. Il y en a beaucoup. Mais des "groupes" comme ça, il y en a quelques uns, mais ce n'est pas aussi répandu que les collectifs.

Rock : En fait, chez nous, c'est des groupes qui sont là pour jouer pour les événements.

Côté thématique, on a beaucoup le côté guerrier, Il y a aussi un peu les esprits. Pouvez-vous détailler ?

Elom : Quand on parle du côté guerrier, c'est simplement, en fait, c'est la connexion à soi-même. Une connexion qui doit aller, comment dire, à l'encontre de soi. C'est-à-dire qu'il faut retrouver sa lumière intérieure pour combattre l'obscurité ou les ténèbres qui sont tout autour de nous. Parce que, comme on l'a dit, il y a deux choses à ce niveau. L'univers n'est pas que ce qu'on voit. Mais il y a aussi des choses qui sont au-delà de ce que nos yeux peuvent voir. Ça, qu'on le veuille ou pas, c'est comme ça. Et le deuxième côté, c'est quand on voit l'état du monde, il faut faire quelque chose. Sinon, on est en train de se foutre en l'air, en fait. Donc, il faut vraiment qu'il y ait ce réveil-là. Parce que si on laisse les ténèbres nous envahir, on risque de s'éteindre, en fait. Donc, il faut que, s'il y a des étincelles un peu partout dans le monde, que toutes ces étincelles réunies puissent former une grande flamme. C'est essentiellement ça. Et aussi, il y a l'environnement. Il faut prendre soin de l'environnement. La terre, la mer, c'est ce qui nous porte, qu'on le veuille ou pas. Il faut qu'on entretienne la Terre parce que je pense que c'est l'un des rôles de l'humain sur la planète, en fait. Je pense que nous sommes les gardiens de la terre et de la mer.

Pour le choix des langues, il y a de l'anglais, du français et de l'ewe. Pourquoi ce mélange et comment l'organisez-vous dans votre musique ?

Rock : Ça dépend de comment la musique même appelle la langue qu'il faut, en fait. Il y a des passages qui appellent forcément la langue Ewe, d'autres la langue anglaise. Ce n'est pas forcément qu'on fait un choix, c'est plutôt comment la musique même appelle ça. Et du coup, le français, c'est que dans un seul morceau.

Et où est la suite de ce morceau en français ? Quand on regarde par exemple les écoutes sur Spotify, c'est le morceau le plus écouté.

Elom : Ce qu'on va faire, c'est le faire dans le troisième album (rire).

Et alors, du coup, toutes les percussions un peu traditionnelles, comment vous les incorporez dans la musique ?

Rock : Déjà, quand on pose la batterie rythmique et tout, déjà, on sent la place de la percussion. Parce que la batterie et la percussion font un style ensemble. C'est un rythme percus-batterie. Sans percus, c'est vide. C'est une symbiose des deux.

Il y a eu un album en 2019, un autre en 2024. Comment sont construits ces albums ?

Rock : On prend des morceaux qui ont une espèce de feeling commun. En 2019, on avait déjà des morceaux, mais on a vu qu'il y avait des morceaux avec un univers en commun. L'album numéro un, c'est un album qui est beaucoup plus éclectique. Qui retrace un peu tout notre parcours. Donc, il y a un peu de tout. Le second album est beaucoup plus spécifique. Plus Asrafokor, beaucoup plus Metal, plus agressif. Je crois qu'on va faire encore plus fort que ça.

Et alors là, ça fait combien de fois que vous tournez en France ?

La quatrième. Deux fois en 2022. On a fait le Motocultor et le Cabaret vert. Et là, on fait notre quatrième fois, oui.

Comment ça se passe de venir en France ? Ce n'est pas trop difficile de venir jouer en France pendant quelques dates éparses ?

Elom : C'est un peu difficile parce que, déjà, il faut savoir que les billets d'avion, ce n'est pas donné. Ce n'est pas donné pour tout le monde. Et surtout quand on n'a pas de tourneur et que nous prenons tout en charge nous-mêmes. C'est ce qui fait que ça rend la chose un peu difficile. Après, pour circuler à l'intérieur (de l'hexagone), on s'arrange. On essaie de trouver des formules qui marchent, mais c'est toujours cher.

Béa, manageuse du groupe : Oui, ce n'est pas facile du tout parce qu'il faut organiser la tournée, avoir suffisamment de dates pour pouvoir justifier une demande de visa. Parce que la difficulté en termes de mobilité pour les artistes africains ou de l'océan Indien ou des Caraïbes, c'est justement d'avoir les visas. Et ça devient extrêmement difficile. Avant, on avait des visas qui pouvaient couvrir une année, qui permettaient de mieux programmer. Maintenant, il faut avoir déjà un planning solide pour pouvoir convaincre les autorités d'accorder ces visas. Arka'n, heureusement, n'a jamais eu de problème. Mais on sait qu'il y a beaucoup d'artistes qui n'ont pas cette possibilité-là. Après, en plus des billets d'avion, il faut effectivement prévoir le déplacement. On ne peut pas prendre l'avion tout le temps, on ne peut pas prendre le train, donc on a une location de van, etc. Donc, on est obligé à chaque fois qu'on a une date de réfléchir à la faisabilité économique du projet. C'est pour ça que, malgré le fait que cette fois-ci on a trois dates, et on est très contents : on a des festivals qui ont fait appel à Arka'n, qui aiment le groupe et le Brin de Zinc qui nous accueille ce soir, on est super contents. Donc, partout où il y a la possibilité que Arka'n joue, que ce soit en salle, que ce soit en festival, on est partant parce qu'on a vraiment besoin de ça, et également pour continuer à faire connaître la musique du groupe, et donc pour avoir de nouvelles dates.

C'est quoi la suite ? J'ai entendu parler d'un troisième album. C'est pour quand ?

Rock : Pour l'instant, on écoute les esprits. On est en train de contempler l'album, de voir quelle forme l'album aura, après on attaque. Il n'y a pas de date fixe, mais disons, forcément, peut-être un single ou une EP qui vient fin d'année, début d'année prochaine.

Et des dates ? Il y a encore une date après celle-là (Au Brin de Zinc) ?

Béa : Et la suite, elle est chouette. La suite, c’est le Chien à la Plumes (à Auxerre) vendredi. Et après, on revient début octobre pour plusieurs dates en France. Pour le moment, on peut annoncer Angers, Omega Sound fest le 10 août. Après, on a une date déjà annoncée pour la Tunisie, le Mena Rock fest à Tunis le 19 octobre. Il y a une belle date à Oslo, en Norvège, le 31 octobre. On est très contents de voir que cette partie de l'Europe cherche à découvrir Arka'n. Et voilà, entre toutes ces dates, il y en a d'autres qui sont en cours de confirmation, évidemment. Donc, le groupe sera là à nouveau en octobre. Et puis, on prépare évidemment les tournées 2026 aussi.

Pour les suivre :

• Facebook : https://www.facebook.com/arkanasrafokor
• Instagram : https://www.instagram.com/arkanasrafokor/
• Youtube : https://www.youtube.com/channel/UCUcAkJyfL22XdRJjVPwhcqg

Gauvain a essayé de sélectionner pour vous un groupe par créneau, mais devinerez-vous lequel n'a pas trouvé grâce à ses yeux ?

A titre d'information, les groupes suivants ont dû être charcutés pour que cette vidéo soit disponible : Heriot, Imperial Triumphant, Solstafir.

Lien vers la playlist du live :

Lien vers une alternative à Spotify : https://www.deezer.com/fr/playlist/14141172121

Aujourd'hui, on s'attaque à un gros poisson qui m'a été pas mal demandé : Burzum. Mais cette vidéo sera radicalement différente des précédentes car dans la fond, si je ne devais parler que de la musique, je dirais très honnêtement que Burzum, je trouve ça mauvais. Vraiment, je n'ai jamais aimé.

Mais bon, la musique étant fondamentalement un vecteur de discours, notamment politiques, je vais me faire plaisir et dire plus en détail ce que je pense du projet. Comme ça, pour les gens au fond qui essaient de me taquiner avec des groupes affiliés à l'extrême-droite, vous savez ce que je pense.

Pas de playlist, j'ai pas non plus envie de vous faire souffrir, allez écouter de meilleurs groupes, il y en a pléthore.

La vidéo, juste ici :

Au revoir, à bientôt.

Avec son ambiance festive décalée, mélange d'extravagance, de riffs guerriers, de reprises improbables (de O‑Zone à Gangnam Style !), et de convivialité tonitruante, l'esprit du Plane'R Fest est resté intact, fidèle à sa réputation de « Rock in Montcul ».

À travers ce live report et les photos des groupes, je vous propose de revivre l'énergie brute, les moments d'allégresse collective et l'expérience unique qu'offre ce festival métallique au coeur de la campagne rhodanienne.

Vertex

Pogo Car Crash Control

Loudblast

Sun

While She Sleeps

Vestige

Beyond The Black

Eihwar

Amon Sethis

Eight Sins

Futur Palace

Planet of Zeus

Feuerschwanz

Locomuerte

Gloryhammer

Angelus Apatrida

Perturbator

Voici la rediffusion de l'interview de Pluvia, groupe mêlant Blackgaze et Post-Hardcore originaire de Lyon, que nous avons réalisée lors de notre émission sur Twitch, les 34h 2025, les 19 et 20 juillet derniers.

On discute de leur musique, de leurs visuels et évidemment de leur dernier EP, Saturne | Furie, sorti le 23 mai 2025.

La vidéo est disponible ici :

Vous pouvez suivre le groupe sur la toile :

https://pluvia.bandcamp.com/album/saturne-furie
https://www.instagram.com/pluvia_band/
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Au revoir, à bientôt.

Oozer Pit a vu le jour en 2024. Il réunit Adrien, Loïs, Olivier et Bastien autour d'un projet commun : faire de la musique, y prendre du plaisir, et la partager.

Entre ambiances Stoner et Post Rock, on s'imagine très vite en plein désert, au milieu des cactus au volant d'une grosse américaine, l'air chaud nous fouettant le visage.

Préparez-vous : avec Oozer Pit on ne transpire pas, on suinte 🤘

Pour les suivre :

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Retranscription écrite de l'interview

[Adrien (chanteur)]

Alors salut, moi c'est Adrien, je tente, je fais de la gratte. Parfois ça m'arrive même de faire de l'harmonica dans vos heures.

[Loïs (guitare)]

Salut, moi c'est Loïs, je fais de la gratte et c'est tout. Sinon je fais des chœurs un peu de temps en temps, pas vite fait comme ça.

[Olivier (batterie)]

Moi c'est Olivier, j'ai pas de chœur mais je fais de la batterie. C'est moi qui manipule les vérins hydrauliques.

[Bastien (basse)]

Et moi c'est Bastien, du coup je suis à la basse.

[Jérémy (MSM)]

Du coup on va commencer par les premières questions.

Comment est né le projet, l'étincelle de départ ?

[Bastien (basse)]

C'est un peu moi et Olivier où on a eu le projet. C'était venu il y a un an à peu près. Un an de ça maintenant, même bien tassé.

Pour la petite histoire, j'ai connu son frère à l'école. C'est grâce à mon frère. Et du coup, il voulait me faire rencontrer son frangin qui était batteur, très bon batteur, qui revenait dans la région de Saint-Etienne, etc.

Donc on s'est rencontrés. Ça a tout de suite matché à la première répète. Et derrière, on a posé une annonce, une offre d'embauche pour deux guitaristes et un chanteur.

Enfin, on ne savait pas trop où est-ce qu'on allait. On allait sur une formation stoner de quatre personnes. On se disait deux guitares.

Et puis du coup, ça l'a très vite fait. Et Adrien, tout de suite derrière.

[Adrien (chanteur)]

J'ai vu l'annonce. Franchement, à Saint-Etienne, il n'y a pas non plus des masses de groupes qui font du métal.

Un groupe de stoner, franchement, c'est bon plan. C'est payé. Donc on va y aller.

On va essayer. J'ai vu leurs influences. Elles étaient cool.

Et on a foncé là-dedans. Un peu après ça, je crois que Loïs nous a rejoints.

[Loïs (guitare)]

Oui, moi j'ai rejoint. En fait, ça date du coup de l'été l'année dernière, le début du projet. Et moi, j'ai rejoint en septembre.

Donc ça s'est fait assez vite. Et ouais, pareil, réponse à une annonce. Et du coup, on ne se connaissait pas du tout.

Et ça a bien matché musicalement. La composition est facile.

Et après, on part bien ensemble aussi. Donc du coup, c'est cool.

[Jérémy (MSM)]

Et du coup, pourquoi avoir choisi le stoner ?

[Bastien (basse)]

Vaste question.

[Bastien (basse)]

Parce que vous n'aimez pas le stoner ?

[Jérémy (MSM)]

Non, c'est parce que pour la petite histoire avec Bastien, on se connaît quand même depuis l'IUT. Et ce n'était pas forcément le stoner qu'on écoutait à ensemble. En fait, effectivement, ça a fait un sacré pas entre les deux.

Entre ce qu'on écoutait qui était très metal. Voire même un peu bourrin. Par rapport au stoner, ça fait confiance.

[Bastien (basse)]

C'est vrai. Je pense qu'on pourra tous donner un peu nos idées d'où est-ce qu'on vient. Mais musicalement parlant.

Comme tu dis, j'écoute même toujours beaucoup plus de choses qui ne sont pas forcément que du metal. J'écoute vraiment de tout. De l'électro, de la synthwave, du metal, du rock.

Un peu de rap, un peu de tout. Et c'est en 2019, quand j'ai eu mon deuxième groupe du côté de Lyon, qui m'a initié au stoner. C'est là où j'ai vraiment fait du stoner pour la première fois, qui était plus des influences du genre The Sword et du Black Label Society.

Des choses un peu plus dans un style. Un peu de Metallica aussi, dans les influences et tout ça. Et c'est là que j'ai vu que j'aimais beaucoup jouer de ça.

C'était pas forcément le style que j'écoutais le plus à la base, mais j'aimais beaucoup jouer ça. Parce que je suis bassiste et je suis un peu fainéant.

Il y a pas mal de trucs assez intéressants quand même à la basse, si on s'y met. Sur les compos et tout. Donc c'est vraiment cool.

[Loïs (guitare)]

En général ou juste pour le stoner du coup, intéressant à la basse ?

[Bastien (basse)]

En général, il y a tellement de choses. Non mais on sert à quelque chose.

Couper la base dans un mix, ça sert à raquer de choses.

[Olivier (batterie)]

Alors pour ma part là, pour le stoner, moi j'ai commencé à faire de la musique avec un groupe de Néo Metal à Saint-Étienne. Et déjà à ce moment là, j'aimais vraiment énormément tous les riffs stoner, tous les groupes que je jouais ou que j'entendais. Toutes les sonorités stoner déjà, ça me prenait aux tripes.

Ensuite le groupe s'est arrêté. Et avec des anciens musiciens, on avait essayé de monter un groupe de stoner, plus hardcore stoner, un truc bien bourrin, mais avec des belles sonorités stoner. J'ai joué peut-être 4-5 ans comme ça, sans jamais trouver un groupe qui décolle.

Après j'ai arrêté la musique pendant 3 ans, j'ai fait que bosser. Et là avec les 4 super zikos qui m'entourent, j'ai réussi à monter un super groupe.

[Olivier (batterie)]

En fait c'est ça, pour moi le stoner, c'est vraiment envoyer du gras.

[Loïs (guitare)]

Moi j'avoue que j'écoutais très très peu de stoner avant. J'en écoute plus, mais c'est pas non plus fou. J'écoute beaucoup plus de neo.

Au niveau métal j'écoute beaucoup de choses aussi. Au niveau métal on est plus sur du neo, sur du prog. Plus mélodique, symphonique, pas trop de trucs hardcore, même si ça peut arriver.

Au niveau du stoner, j'ai trouvé ça cool à jouer, c'est sympa. Je pense quand même plus facile en termes de composition et en termes de jeu que d'autres styles. C'est moins technique, mais du coup, c'est plus au niveau des tripes.

Je trouve ça cool, on a des riffs qui envoient quand même bien, avec des rythmes qui permettent de bouger un peu, et en fait c'est fun à jouer, ça permet d'avoir du son. Ce qu'on nous répète souvent c'est qu'on a un gros son. Surtout la basse, baissez un petit peu d'ailleurs au mix s'il vous plaît.

[Loïs (guitare)]

C'est juste qu'à chaque fois qu'on joue à des concerts, on regarde un peu moins fort la basse s'il vous plaît. Du coup au niveau influence, c'était pas du tout ça.

C'est cool à écouter, et j'écoutais des choses qui étaient assez proches, sans savoir que c'était du stoner. C'est pas trop mes origines musicales plutôt. Par contre le fait de le jouer ensemble, ça marche bien, et du coup c'est cool, c'est ça.

C'est un style qui est cool à jouer je trouve.

[Adrien (chanteur)]

En réalité le stoner pour moi, comment ça a paru dans ma vie, c'est les gars qui écoutent du death, pas mal de death et pas mal de rock classique. De death on a tous les trucs connus, Nile, Behemoth, tout ça, j'en sais rien.

Par le hasard des choses, j'ai fini par écouter les groupes de la sphère de John Garcia, qui est un gros start. Incroyable ce style. Comme je l'ai dit avant, c'est un peu chaud de monter un projet de stoner, les gens connaissent pas, c'est un peu niche, et puis ils sont pas trop motivés.

À l’époque c'est vrai qu'on montait plutôt des groupes de thrash, des groupes comme ça. Et donc j'ai continué la zic, mais tout seul, après mes deux premiers projets. C'était trop bien, on balance une bonne couche de gras, et ça s'est bien passé.

[Jérémy (MSM)]

Du coup, comme on parle de grosse couche de gras, ça m'emmène directement à la prochaine question. Vous avez déjà quelques maquettes, on a écouté tout à l'heure Lonely Knight, on va en écouter d'autres tout à l'heure. Ça dégage une certaine ambiance. Comment est-ce que vous décrivez le son, et dans quelles conditions ils sont enregistrés ?

[Adrien (chanteur)]

On enregistre tout en autoprod, les grattes, les basses, c'est à la maison, dans la carte son. Le chant et la batterie, c'est à la salle de répète, parce qu'on fait pas un procès.

La batterie, tout le monde connaît. Bastos qui nous fait un super mastering.

[Bastien (basse)]

C'est des reliquats, on en parlait juste avant l'interview, de l'IUT. Ça fait maintenant 14 ans ?

[Jérémy (MSM)]

On était jeunes et innocents à l'époque.

[Bastien (basse)]

Oui, toujours innocents pour ma part. On a fait des cours de tout et de rien, de beaucoup de choses, c'était tout très intéressant, notamment du mixage, et c'est resté. Ça m'a toujours plu.

Je parlais de mon deuxième groupe qui m'a remis dessus en 2018-2019. Comme dit Adri, c'est de l'autoprod, c'est fait avec les moyens du bord. Actuellement, on n'a pas, par exemple, de la multi-piste pour faire la batterie.

Du coup, c'est du mixage directement sur la table, puis c'est enregistré en monopiste derrière. On essaie de se débrouiller pour avoir un son pas trop cracra pour des maquettes. L'objectif, ce serait plus tard de faire potentiellement des maquettes plus pro et tout, mais là, ça nous sert,

déjà, on espère vous faire plaisir pour entrecouper dans l'interview les trois morceaux. Ça nous servira aussi pour nous à trouver des dates potentiellement. Un truc toujours plus propre qu'enregistrer au téléphone en répète avec les pains qui vont avec.

On essaie de faire au mieux.

[Adrien (chanteur)]

Du coup, vous disiez que vous enregistrez dans le local de répète. Comment ça se passe la création chez vous ? Il y a un jam, il y a quelqu'un qui fait d'abord le chant, puis après c'est la musique, l'inverse, un peu dans tous les sens.

[Olivier (batterie)]

Il y a peut-être un jam de la part d'Adri ou de Bastos. En fait, tout de suite, ça suit, Loïs pose quelque chose là-dessus. Ça m'évoque une idée.

Ils apportent des riffs, des mélodies et je dirais que j'apporte peut-être un peu plus de la structure. Là, tu as un truc bien gras, un truc qui creuse bien. On essaie de le faire tourner un peu plus, 4 mesures de plus.

On teste en fait. Ce qu'il y a de génial chez Oozer, c'est que tout le monde a sa place. Tout le monde amène des idées.

En fait, ça se fait quasiment tout seul. Des fois, on fait un jam de 10 minutes et on a créé pratiquement la moitié du morceau. L'idée, elle est bien là et on travaille beaucoup.

Mais c'est assez fluide.

[Adrien (chanteur)]

Après, il n'y a pas vraiment de process de création dans le groupe. On va dire que tout le monde amène son truc et c'est super important pour moi en tout cas parce qu'on apporte quelque chose de très intéressant musicalement dans le groupe.

Il y a des groupes où il n'y avait qu'une personne qui composait. Au bout d'une dizaine de morceaux, j'ai l'impression que ces groupes y calaient. La personne n'y arrivait plus.

C'est bien qu'on puisse amener quelque chose de complémentaire.

[Loïs (guitare)]

En fait, c'est très organique. Ça se fait simplement. En termes d'impro, on a l'avantage.

C'est notre premier groupe ensemble, mais ce n'est pas de nos premiers groupes. Du coup, on est habitués à jouer ensemble, on est habitués à jouer en groupe, à se regarder. C'est un truc qui est hyper important.

J'ai joué pendant très longtemps avec les mêmes personnes en me disant que je n'arriverais pas à trouver mieux. C'est des potes qui sont partis. Rien ne s'est concrétisé, mais on s'entend toujours très bien musicalement.

C'est compliqué de trouver des gens avec qui ça matche facilement. Ça va vite. Les structures des morceaux, ça va très vite.

On a lancé un jam la dernière fois. On a créé un morceau assez rapidement. Pour l'instant, on laisse reposer un peu.

Je ne suis pas très fan d'écrire avant ou d'arriver avec des trucs un peu préconçus.

Ça peut arriver d'arriver avec un riff. Du coup, je trouve ça cool de le construire ensemble parce qu'on s'apporte. Après, il y a un truc dont tu n'as pas parlé, mais les paroles.

[Adrien (chanteur)]

Pour les paroles, c'est un truc un peu spécial. Comme c'est moi qui chante, j'ai besoin de chanter des trucs qui sont importants pour moi, qui font partie de ce que je vis et de ce que j'ai vécu. Pour moi, c'est important d'avoir sa propre parole en tant que chanteur.

Si tu chantes des trucs que les autres ont écrits, parfois tu chantes des trucs qui ne te tiennent pas à cœur. Du coup, tu vas moins bien les chanter.

[Jérémy (MSM)]

Des trucs qui sonnent faux, intérieurement.

[Adrien (chanteur)]

Exactement. Ça ne va pas être forcément un message que j'ai envie de dire. Pour moi, un bon chanteur, c'est un gars qui va raconter.

Si c'est l'histoire de quelqu'un d'autre, on ne pourra jamais vraiment bien s'y conformer. Pour les paroles, effectivement, je me colle un peu le boulot, mais c'est un plaisir.

[Bastien (basse)]

Sur la composition, j'avais un petit peu vécu le côté où il n'y a qu'une seule personne qui écrit, qui est vraiment la personne motrice du projet, mais derrière, il n'y a pas vraiment de libre cours à étinceller un peu de chacun, d'apporter quelque chose qui lui tient à cœur.

C'est là où on retrouve dans les différents morceaux, pas que du stoner, mais aussi un peu de post-rock, sur d'autres morceaux où il y a du bourrin dedans, mais il y a aussi plus ce côté post-rock où il y aura des gros breaks, il y aura du gras, etc. J'ai un autre pote en ce moment qui est en train de monter son groupe, qui, eux, pour le coup, c'est un autre processus créatif qu'est on écrit, on prend le temps d'écrire, on prend le temps vraiment de faire les trucs au poil, etc. C'est dans un autre style qu'est le thrash, donc c'est encore un petit peu différent.

Il y a sans doute des technicités différentes à être un peu plus calées. J'adore, ça fait un an, on a un set de sept morceaux, huit sous le coude, on a fait des concerts, ça envoie super bien, ça sonne, on est mal placés parce que c'est nous-mêmes qui les écrivons, donc c'est difficile de dire si ça sonne ou pas, mais les retours qu'on a pendant les concerts, après les concerts, c'est vraiment cool, on est vraiment content, et c'est pas simplement pour faire bien. Après le concert, c'était trop cool, c'était sympa, non, il y a vraiment un vrai retour, vraiment bon, positif de la part de ceux qui étaient là.

[Jérémy (MSM)]

Tu parlais tout à l'heure des concerts, Bastien, vous avez déjà eu l'occasion de jouer, quels sont les souvenirs que vous en gardez ?

[Bastien (basse)]

Le tout premier concert, parce qu'en plus pour moi c'était mon tout premier concert aussi, qui était pour un tremplin, un deuxième tremplin à Saint-Etienne, qui s'est super bien passé. Pour une première date, je pense qu'on ne pouvait pas, moi personnellement je ne pourrais pas rêver mieux, c'était au fin fond d'un bar, dans une petite salle, mais il y avait du monde, les gens bougeaient, ça aimait ce qu'on faisait, la moitié c'était des potes, mais il y avait quand même des gens qu'on ne connaissait pas qui étaient là et qui ont bien kiffé.

Vraiment on passait un super moment à ce moment-là. Après on a fait deux ou trois autres dates, on a fait un autre tremplin, on était dans une grande salle avec un vrai setup, des vraies équipes, ingé son, lumière, ça faisait vraiment grosse scène. Là c'était super cool parce que c'est beaucoup aussi où nous on apprend, enfin moi j'apprends, c'est quoi en fait faire de la scène et des grosses scènes, et pas simplement dans les bars.

Du coup j'ai fait un bar et une grosse scène finalement, j'ai eu les deux extrêmes, et après des bons souvenirs, on a fait une autre salle associative, on est retourné dans le premier bar pour la finale du tremplin, en extérieur, où là j'ai un très bon souvenir, les restaurateurs à côté ont adoré notre set.

[Olivier (batterie)]

Ça c'est un super souvenir que j'ai en concert, on a joué dehors, c'était la première fois où on jouait dehors, dans une rue à Sainté, et ça c'était super cool. Il y a eu l'apparition d'une personne au milieu de la scène qui n'était pas d'accord avec ce qu'on faisait, mais on en a un bon souvenir, j'espère qu'elle aussi.

[Jérémy (MSM)]

Du genre quoi pas d'accord avec ce que vous faisiez ?

[Olivier (batterie)]

Trop de bruit. Pourtant on était sages, on jouait pas très fort pour une fois. Sinon les autres concerts, des super concerts pour moi.

Il y a des moments un peu rock'n'roll, parce qu'on se dit par exemple on fait l'intro courte, et on fait l'intro longue ou vice versa, donc des fois on fait un peu d'impro sur scène, mais ça passe. Il y a des cordes qui pètent. Ce qui me manque c'est d'avoir un peu plus de monde, et que ça bouge dans le pit.

Je pense que ça, ça viendra. En tout cas, 6 concerts, 6 super souvenirs. Vraiment génial.

[Loïs (guitare)]

Oui en fait, ça s'est enchaîné assez vite. On a commencé à démarcher en avril ? Non un peu avant ?

En fait ça s'est tout enchaîné. Entre mai et juin, on a fait 6 concerts. Des concerts qui se sont enchaînés.

Les 2 premières scènes qu'on a faites, c'était à 2 jours d'intervalle. Donc un petit bar effectivement, et une grosse scène à Suril-Cantal.

Il y a plein de petits souvenirs et plein de trucs, mais c'est cet enchaînement là où ça allait vraiment super vite. Les retours des gens aussi, ça fait un an qu'on bosse de notre côté, mais une chose qu'on s'est dit aussi dès le début, c'est qu'on ne se prend pas la tête. Le groupe ça marche tant mieux, ça marche pas, c'est pas grave.

C'est pas le cœur de nos vies. C'est cool, et pour moi c'est hyper important de pouvoir le prendre à la cool. On ne se prend pas la tête, on fait ce qu'on a envie, on fait ce qu'on aime.

Et avoir les retours des gens qui viennent te dire « Ouais, vous avez fait un super son, c'était très chouette, c'était vraiment cool ce que vous avez fait. » Je pense que le Stoner, on a du bol, c'est que c'est du métal plus accessible pour le grand monde. Et du coup ça amène des gens qui n'écoutent pas du tout du métal à la base.

Et moi quand je leur dis j'ai un groupe de métal, le premier réflexe des gens qui n'en écoutent pas c'est « Ah d'accord, je verrai si je viens. » Et après je leur fais écouter et ils me disent « Ah mais non, c'est pas du métal ce que tu fais. » Ça fait un petit peu con quand même.

Mais les retours des gens en fait, le fait de se faire enchaîner super vite et les retours des gens qui ont été très vite positifs et pas que la famille et nos potes, d'autres groupes, des musiciens aussi, nous font des retours cools donc c'est toujours appréciable.

[Adrien (chanteur)]

Ce n'est pas le souvenir de tous ces concerts, c'est surtout la manière dont on a été reçus en tant que musiciens. Alors ça c'est vraiment un truc cool. J'avais vraiment l'impression d'être bien reçu à chaque fois.

Alors bon, je suis moins bien que d'autres mais à chaque fois les gens étaient là, ils étaient cools. On a été bien reçus à chaque fois et pour moi c'est super important, comme ça je me sens à l'aise et ça me permet de bien faire bouger la tête des gens. C'est ce qu'il faut.

[Jérémy (MSM)]

Et du coup vous avez pour des prochaines dates ou pas encore ?

[Bastien (basse)]

Là actuellement on n'a rien de calé mais on a un joli Google Sheet avec plein de dates et de contacts. Il ne faut surtout pas qu'il fuit celui-là.

[Adrien (chanteur)]

En fait on a une date. En juillet 2026. Déjà un an avant qu'il y ait une date en juillet 2026 pour un festival.

Je ne suis pas sûr qu'on puisse encore donner la date exacte. En tout cas c'est le Volcanic Fest, c'est le deuxième tremplin. On a remporté le deuxième tremplin et donc on a gagné notre place pour le premier soir du Volcanic.

[Bastien (basse)]

On va faire l'ouverture.

[Jérémy (MSM)]

Et qui est où du coup ce festival ?

[Bastien (basse)]

Il est du côté de Saint-Étienne, du côté d'Andrézieux Bouteillon.

[Jérémy (MSM)]

On va parler un peu plus de fun et de perso. S'il y avait une reprise totalement improbable dans votre style, qu'est-ce que vous feriez ? N'importe quel style de musique. Une reprise que vous aimeriez bien faire dans votre style ?

Et oui, question piège !

[Loïs (guitare)]

Je pense que c'est complètement impossible. Mais j'ai un rêve depuis très longtemps de reprendre 99 Luftballons. Juste cette chanson.

[Olivier (batterie)]

Je suis déjà d'accord avec toi.

[Loïs (guitare)]

Cette chanson me fait beaucoup rire. De manière générale.

J'ai très envie de reprendre cette chanson. Stoner ou pas, c'est pas grave.

[Adrien (chanteur)]

Je reprendrais bien un truc de Renaud. Baston, je ne sais pas.

[Jérémy (MSM)]

Connard de virus, non ?

[Adrien (chanteur)]

Tu sais quoi ? Toujours debout.

[Olivier (batterie)]

Pour moi, ça serait Irish Rover des Dubliners.

[Bastien (basse)]

Je ne sais pas. Je te dirais du Britney Spears. Un petit Baby One More Time. Désolé, pas très original.

[Jérémy (MSM)]

Restons dans les choses inavouables. Un plaisir coupable niveau musical ?

[Bastien (basse)]

Oui.

[Jérémy (MSM)]

Il est direct. « J'attendais que ça. »

[Bastien (basse)]

J'aime beaucoup Yel. Je n'ai plus le nom ni le titre en tête.

[Jérémy (MSM)]

Je veux te voir nu ?

[Bastien (basse)]

Non, pas celle-là. C'est un album tout bleu. C'est Complètement fou.

Il y a un titre dedans qui est « Dire qu'on va tous mourir ».

[Olivier (batterie)]

Je n'en ai pas vraiment. Peut-être un petit titre de Katy Perry. Les rythmiques et le chant vont bien ensemble.

Je me fais plaisir à ce moment-là.

[Loïs (guitare)]

Oui, j'en ai plein. Mais ce n'est pas inavouable.

En fait, Katy Perry à fond. Un des derniers trucs... Il y a un groupe que j'aime bien.

Il n'est pas très connu. Il s'appelle The 1975. Ça fait très...

C'est les BB Brunes qui ont réussi.

Mais il y a des riffs de guitare. Il y a des trucs qui sont hyper bien.

[Adrien (chanteur)]

Je pense que j'ai un truc pas mal inavouable. Surtout dans le métal.

J'aime bien écouter Jul.

[Bastien (basse)]

C'est mort. Ne vomis pas, Olivier.

[Jérémy (MSM)]

Je pense qu'il y aura un nouveau chanteur dans pas longtemps.

[Adrien (chanteur)]

Ils ne me croyaient pas. Ils ne m'ont jamais cru.

[Jérémy (MSM)]

Il y a toujours un moment où tu fais un coming out.

[Adrien (chanteur)]

Je suis sorti du placard. Des fois, j'écoute Jul. SCH aussi.

Des interviews, une live session acoustique, des jeux (et des cadeaux !), du piment, des chroniques, des tops, une longue nuit et des blagues douteuses. Tous les ingrédients sont réunis pour vous faire passer un nouveau week-end d'anthologie !

Petites précisions :

• Comme chaque année, nous lançons toutes les heure l'appelle des personnes présentes ! Cet appel se passe sur notre Discord, dans le canal #présence. Chaque présence vous rapporte un point. A la fin de l'émission, ceux nous ayant suivi le plus longtemps seront récompensés !
• Les interactions pour les autres jeux peuvent être faites sur n'importe quel chat.
• Si vous participez, n'oubliez pas de nous envoyer vos coordonnées pour nous permettre de vous envoyer les lots !

Le running ordre de l'émission sera publié ce soir. Mais sachez que nous avons des tonnes d'invités !

On espère vous y retrouver nombreux !

Liens vers nos photos pour chaque jour du festival :

https://metalsoundmedia.com/articles/675/live-report-rock-in-bourlon-2025-jour-1

https://metalsoundmedia.com/articles/676/live-report-rock-in-bourlon-2025-jour-2

https://metalsoundmedia.com/articles/677/live-report-rock-in-bourlon-2025-jour-3

Spaghetti Kiss

Collectif d'Indie Rock parisien, Spaghetti Kiss nous a donc ouvert cette soirée avec plein de douceur et de légèreté. Il faut dire que lorgner vers la Dream Pop a toujours été efficace. L'alchimie entre elles était vraiment belle, d'autant plus lors des harmonies vocales pendant certaines chansons.

Une très belle découverte donc, si vous cherchez à vous apaiser.

Epona

Trio belge, fort sympathique, Epona s'est chargée de faire monter graduellement la tension dans la salle avec une musique Indie Rock. On aurait dit Indoor Foxes, mais avec une chanteuse à la voix plus chaude.

Parfois chantée en anglais ou en français, la musique d'Epona se veut plutôt personnelle, voire engagée, à l'image de morceaux comme Voice ou Naked Man (in the forest). Un concert plein de bonne humeur, à l'image d'un noyau de fans qui était déchaîné tout du long.

Il est d'ailleurs assez amusant de voir que la basse et les claviers sont joués sur bandes, puisque le groupe sur scène n'est composé que de la guitare, de la batterie et du chant.

Si j'ai bien suivi, un prochain EP intitulé "Trauma" serait en préparation pour cette année.

Die Spitz

Première fois en France pour le quatuor Texan, il fallait donc marquer le coup !

Une setlist efficace, un public en feu et un magnifique rappel, il en fallu pas plus pour que le concert fût chaud bouillant de bout en bout !

Die Spitz est un mélange entre Punk, Shoegaze, Screamo et du Garage ! Bref, un combo accrocheur qui a su ravir l'ensemble du public !

Il faut dire aussi que le groupe semble bien rodé à l'exercice de la scène, entre les changements d’instruments pendant le concert ou les allers-retours fréquents de la chanteuse principale dans la fosse.

Mais le plus beau fut certainement de voir les sourires et les étoiles plein les yeux, que ce soit sur scène ou parmi le public : une véritable communion !

Il est assez amusant de voir que de nombreux groupes américains soient surpris de l'engouement que peut avoir le public français envers leurs musiques et qui rendent leurs concerts en France comme parmi les meilleurs de leurs vies. Et bien sûr, ce soir fit partie de cette tradition !

Nouveau top où je vous parle de quelques sorties de qualité parues entre avril et juin 2025 ! N'hésitez pas à partager en commentaire, directement sur YouTube, ce que vous avez écouté et aimé !

Les détails en vidéo :

Pour écouter des extraits des albums dont je parle, c'est ici :

Pour écouter un extrait de Bruit, qui ne sont pas sur Spotify, c'est ici :

Pour info, pour celles et ceux qui voudraient nous suivre lors de l'émission des 34h qui aura lieu les 19/20 juillet (c'est le week-end prochain !), voici le lien vers notre chaîne Twitch : Twitch : https://www.twitch.tv/metalsoundmedia

Au revoir, à bientôt.

Ici, on va revenir sur la troisème journée avec la totalité des groupes !

Le report en lui-même sera à découvrir en vidéo, mais en attendant vous pouvez découvrir nos clichés du dernier jour.

Brass Attacks

Myar

Lowen

Witchfinder

Sacri Monti

Wormsand

Five The Hierophant

Karkara

The Midnight Ghost Train

Early Moods

Black Rainbows

Zig Zags

My Sleeping Karma

Découvrez les bénévoles surmotivés du bar, du VSS (pas de panique, on vous explique), l'accueil des artistes, le catering... Bref, toutes les petites mains sans qui ce joyeux chaos ne serait pas possible.

Spoiler : il y a du métal, de la sueur, des sourires… et beaucoup d'amour dans Montcul.

Un reportage drôle, sincère et bruyant – comme Montcul sait l'être !

À gagner :

• Un t-shirt édition 2025
• Une paire de lunettes
• Une paire de chaussettes

Pour cela, laisse en commentaire de la vidéo YouTube ton meilleur souvenir de festival !
Tirage au sort pendant les 34h (19 et 20 juillet 2025).

Merci aux Sonorités de Montcul pour les cadeaux !

Ici, on va revenir sur la deuxième journée avec la totalité des groupes !

Le report en lui-même sera à découvrir en vidéo, mais en attendant vous pouvez découvrir nos clichés du deuxième jour.

Insurgent

Oddism

Raw Peace

Destiny Bond

Big Laugh

Heave Blood & Die

False Reality

Teen Mortgage

Spaced

Brat

Initiate

Hellripper

Fulci

Health

Giirls

The Bug

Ici, on va revenir sur la première journée avec la totalité des groupes !

Le report en lui-même sera à découvrir en vidéo, mais en attendant vous pouvez découvrir nos clichés du premier jour.

Korsakov

Black Bile

Morvigor

Eyes

Dola

Alkerdeel

Thantifaxath

Coilguns

Couch Slut

Thou

Zamilska

Furia

Best-of Twitch tiré des lives diffusés sur notre chaine Twitch du 25 août et 1er septembre 2024.

Rendez-vous tous les dimanches à 20h sur notre chaîne Twitch si le cœur vous en dit : https://www.twitch.tv/metalsoundmedia

Aujourd'hui, il est de mon devoir de vous présenter brièvement ce que sont les 34h, notre grosse émission Twitch annuelle, qui cet été aura lieu le week-end du 19/20 juillet ! On espère que vous nous suivrez !

Pour rappel :
Twitch : https://www.twitch.tv/metalsoundmedia

Au revoir, à bientôt.

Le festival n'ayant que deux scènes, Gauvain en a profité pour vous présenter l'ensemble des groupes s'y produisant.

Lien vers la playlist du live :

Malheureusement, le morceau de Myar n'y est pas encore disponible et le morceau de Zamilska y est quelque peu différent...

Pour cette troisième édition, on a pu découvrir 6 groupes de toute la France alliant Punk et Rock !

On vous partage notre retour en vidéo !

Par ailleurs, si vous les avez ratées, vous pourrez trouver nos photos sous ce lien !

On reprend la série de vidéos sur le BM, et je vous parle aujourd'hui d'un projet qui, pour ma plus grande joie, a été très largement demandé par vous-mêmes, j'ai nommé, Blut Aus Nord ! Dites-moi quels autres groupes vous aimeriez que je traite par la suite, ça se passe en commentaires !

Mais avant ça, la vidéo :

En attendant, pour (re)découvrir Blut Aus Nord, voici une longue playlist (il en faut pas mal, pour plus de 30 ans de carrière) :

Au revoir, à bientôt.

Le 9 mai 2025 sortait chez RCA Records le quatrième et nouvel album du groupe anglais Sleep Token. Après un Take Me Back To Eden qui a submergé en 2023 le monde Metal et encore plus les Américains, il semblerait que Even in Arcadia va poursuivre le même chemin.

En effet, si Take Me Back To Eden signait la conclusion de la trilogie initiée par Sundowning, Even in Arcadia signe un nouveau départ pour le combo ; d’où le nouveau costume du chanteur Vessel et certainement la nouvelle direction visuelle pour les clips et la pochette.

L’album se décompose comme suit :

• Look To Windward
• Emergence
• Past Self
• Dangerous
• Caramel
• Even In Arcadia
• Provider
• Damocles
• Gethsemane
• Infinite Baths

Si Take Me Back To Eden (TMBTE) reprenait la formule de Sundowning en la complexifiant avec une bien meilleure production, Even in Arcadia reprend la formule de son prédécesseur avec quelques nouvelles touches.

On pourra citer par exemple l’ajout de saxophone, de Reggaeton ou même de Math Rock parmi les nombreuses influences musicales qu’adore saupoudrer le groupe dans ses chansons. On pourra bien sûr retrouver tous les éléments musicaux ou les gimmicks de composition du précédent, ainsi toutes les personnes ayant adoré le précédent, tomberont forcément dedans. Néanmoins, si comme moi, TMBTE vous avait moins convaincu ; ceci vous explique certainement pourquoi c’est le seul album de Sleep Token non chroniqué ici, vous serez certainement dubitatif. Le passage d’une trilogie très singulière à un album reprenant tous les codes préalablement établis par sa conclusion a forcément de quoi réduire nos attentes : où est la distinction claire avec ce nouvel arc musical ?

Si l’engouement absolu sur les réseaux pour cet énigmatique groupe anglais ne s’est pas calmé avec les années ; il faut dire que le groupe joue beaucoup avec les rumeurs et les messages codés, de mon côté, mon engouement s’est un peu terni.

Mais bon, il est dur de passer d’un groupe qui vous plaît de moins en moins alors qu’il plaît de plus en plus autour de vous. On se retrouve enfermé dans un drôle de paradoxe que je n’arrive pas trop à m’expliquer, ou du moins si un petit peu :

Si les gimmicks de composition de Sleep Token étaient très marqués dans les premiers EPs, Even in Arcadia reprend les mêmes gimmicks de son prédécesseur, ce qui enlève drastiquement l’effet de surprise sur certains changements d’atmosphère au sein des morceaux. Il faut dire aussi que je voulais m’attendre à une tout autre proposition musicale pour nous proposer toujours quelque chose d’autre.

En effet, les passages rapés à la Travis Scott, les passages trip/hop électro, les questions réponses piano/voix, le chant Black Metal à la Zeal & Ardor sont des éléments bien assimilés et maintenant presque indissociables des morceaux de Sleep Token.

Les véritables surprises pour moi furent justement les petits changements distillés ici et là avec de nouveaux genres musicaux ou de nouveaux instruments permettant de nous étonner à nouveau ou même certains sons de claviers qui iront même lorgner sur l’OST de Zelda.

Pourtant, je suis loin d’être lassé par la voix de Vessel que je trouve toujours belle et encore plus polyvalente qu’auparavant, mais musicalement, je m’y retrouve moins.

Le fait d’avoir un produit encore plus codifié m’a ennuyé.

Pour vous dire, je croyais même que le projet President serait un autre projet musical tenu par les membres de Sleep Token pour proposer quelque chose de moins codifier et d’expérimenter à nouveau - President étant un groupe arrivé de nulle part sauf pour les personnes surveillant de près la sphère de Sleep Token.

Peut-être aussi que je n’aime pas la répétition et que la reprise de codes musicaux que je trouve trop perceptibles m’ennuient ? Dans le sens où certains clins d'œil ne m’ont pas rendu extatique, juste de marbre.

Toutefois, l’album est très loin d’être mauvais, il est même au-dessus de TMBTE car je trouve les longueurs des morceaux mieux gérées ; par contre arrêtons avec les fins en fade out par pitié !

Even in Arcadia est une proposition musicale super singulière dans le paysage Rock, c'est indéniable ! Mais elle n’est que la suite logique de TMBTE et son parachèvement. Maintenant, je vais être curieux de savoir où le groupe nous mènera par la suite : est-ce qu’il continuera son voyage musical dans la même direction ultra codifiée ou se permettra-t-il de nouvelles folies par la suite ?

En tout cas, cet album semble enflammer les fans avec plein de nouvelles théories sur l’histoire qui nous est contée depuis presque 10 ans. Si jamais vous n’étiez pas au courant, tout un univers fantastique s’est construit autour des alter egos des membres, et plus particulièrement de Vessel, son chanteur, ce qui a notamment abouti à la sortie d’un roman graphique “Teeth of God” sur l’histoire de TMBTE. De plus, Vessel adore mettre des rappels ou des leitmotivs qui se retrouvent d’un album à l'autre, ce qui ne peut qu’attiser la fascination et la curiosité des personnes les plus passionnées. Et l’absence de livrets à chaque album pousse les gens à retranscrire les paroles à chaque fois, ce qui parfois amène au débat sur ce que Vessel a bien pu vouloir dire et toutes les références qui s’y cachent.

Un monde fascinant à n’en point douter !

Si mon cœur était unanime sur les premiers disques de Sleep Token, Even in Arcadia, fait comme TMBTE en son temps et me convainc qu’à moitié de sa splendeur avec des titres comme Look to Windward, Dangerous, Provider ou Gethsename. N’étant pas à une contradiction près, lesdits morceaux ne sont pas exempts des défauts que j’ai déjà pu citer auparavant.

Néanmoins, je tiens à vous préciser que les voir en concert est un événement mémorable et incroyable ! Donc, n’hésitez pas à vivre cette expérience la prochaine fois qu’ils repasseront, en espérant que ce ne soit pas non plus dans un stade d’ici-là.

Aujourd'hui, je vous propose un live report double, car je vais vous parler des deux derniers concerts organisées par l'association Phoenix Rising à Dijon, respectivement le 24 mai pour le premier et le 3 juin pour le second. Les dates étant si proches, c'était l'occasion de faire d'une pierre deux coups !

Le 24, on avait la release party d'Animalize, groupe de Heavy lyonnais, accompagnés des japonais Coven Japan et des locaux Wicked Maid. Le 3 juin, on accueillait la tournée des 40 ans de Power From Hell, album culte des anglais d'Onslaught, pour thrasher comme il se doit. Ils étaient accompagnés d'un groupe que j'adore tout droit venu des Pays-Bas, Cryptosis, qui joue du Thrash technique.

Le Live Report en vidéo :

Pour écouter les groupes, c'est par là :

Et pour info, l'association Phoenix Rising organise tous les ans le Rising Fest Heavy Metal Show à Dijon, dont l'affiche est déjà complète, c'est en octobre ! Les infos par ici :

https://risingfest.com/

Au revoir, à bientôt.

Pour cette troisième édition, on a pu découvrir 6 groupes de toute la France alliant Punk et Rock !

Le report vidéo arrivera prochainement, en attendant, vous pouvez découvrir ici nos photos !

Flash Daddy

Dirty Deep

Antenn.e

Clavicule

Karkara

Monde de Merde

Hakim et Alexis se sont débrouillés pour avoir tout un lot de sauces piquantes proposées par différents groupes, que nous avons "dégusté".

Revivez ce moment en attendant notre retour...

Aujourd'hui, c'est mon anniversaire, et je viens d'avoir trente ans. J'avais pour l'occasion envie de faire une vidéo un peu spéciale. Promis, c'est la première et la dernière de cet acabit, parce que vouloir proposer quelque chose qui s'apparente à une autobiographie musicale, même sur ce qui n'est qu'un tiers de vie, c'est bien trop long, et passablement stupide. Mais bon, je suis là pour le fun, alors pourquoi me poser la question quant à le faire ou non plus longtemps ?

Je préviens par avance, la vie étant ce qu'elle est, il y a à plusieurs moments des thèmes pas très rigolos abordés (mais au moins, c'est soutenu par de la musique).

Je ne rentre pas forcément dans les détails pour chaque groupe que je mentionne, certains feront sans doute l'objet d'une vidéo dédiée un de ces quatre, nous verrons bien. Si vous parvenez à regarder l'intégralité de cette vidéo, vous êtes des braves. Si certains de mes propos résonnent en vous, c'est cool. Si vous souhaitez parler de quoi que ce soit autour des groupes que je mentionne ou de vos propres expériences musicales et expériences de vie, n'hésitez pas à lancer la discussion en commentaire.

Tant d'années d'écoutes impliquent naturellement une très longue playlist pour découvrir une bonne partie de mon parcours et apprentissage de la musique, et notamment du Metal sous toutes ses coutures, mais aussi, progressivement du Punk qui crie fort et qui va très vite :

Au revoir, à bientôt.

Pour rappel, les personnes interviewées sont :

• Theophile Antolinos : Guitares, banjo, ambiances avec bandes.
• Clément Libes : Basse, guitares baritones, basse VI, violon, alto, orgue, piano, synthé modulaire, programmation.