C'est sous un soleil de plomb, et accompagné de deux autres reporters (Laure Wattelez, de Radio Scarpe Sensée, et Tom, de GigView), sous la tente artistes, que Sylvaine accepte de répondre à quelques questions sur sa vision de la musique, ses émotions et les souvenirs qu'elle porte dans son œuvre.

Laure : Bonjour, pouvez-vous vous présenter ?

Sylvaine : Je m'appelle Catherine, mais sur scène je suis Sylvaine, et je viens de Norvège. Je suis multi-instrumentiste, et je porte ce projet solo, Sylvaine, depuis 2013. Depuis, j'ai sorti quatre albums, je travaille actuellement sur le cinquième, ainsi que quelques EP et d'autres projets. C'est un bon résumé.

Tom : Le nom Sylvaine ne vient pas seulement du mot « forêt », mais aussi de Paul Verlaine. Êtes-vous fan de poésie, et avez-vous un poème préféré ?

S : Oh là là, j'ai toujours du mal à choisir, j'ai peur d'oublier ce que j'aime le plus. Mais j'ai toujours beaucoup aimé la poésie de Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, les classiques français. Je ne sais pas si on peut le qualifier de beatnik, mais dans un registre plus contemporain, il y a aussi Bukowski. Edgar Allan Poe a également eu une grande influence sur moi, tout comme Percy Bysshe Shelley et Lord Byron, beaucoup de poésie romantique. Je n'ai pas un poème précis à citer là, tout de suite, mais ce sont surtout les poèmes qui m'ont marquée durant mon enfance.

T : Vous avez une citation préférée, tirée de l'un de ces poèmes ? Que vous connaissez par cœur ?

S : On va voir si je me trompe ! Il y en a une de Bukowski que j'aime beaucoup, un poète assez sombre, et ce n'est peut-être pas le vers le plus émouvant qui soit, mais il dit : « Je suis née pour briser des roses sur les avenues des morts. » Je trouve ça vraiment beau. Il y en a aussi une de Baudelaire, en français, mais la traduire là, maintenant... il fait trop chaud pour moi, j'ai le cerveau dans le brouillard, ce qui tombe plutôt bien pour le concert de ce soir (rires). Mais oui, ce vers de Bukowski ne m'a jamais quittée, je ne saurais pas dire pourquoi.

T : La poésie est un langage universel, tout comme la musique, une musique qui transcende les cultures. Était-ce votre ambition, avec Sylvaine, de créer un langage commun pour des émotions communes ?

S : Je pense que la musique, en général, est déjà ce langage commun, universel. J'aime l'appeler le langage de l'âme : celui où on n'a pas à se soucier des frontières culturelles, de l'origine de chacun, de rien de tout ça. Il parle directement d'une âme à l'autre. En créant ce projet, je crois que je voulais simplement que ma musique puisse parler à tout le monde, je ne cherchais pas à inventer un nouveau langage, mais à me servir de celui, déjà universel, qu'est la musique en tant que forme d'art. J'espère pouvoir accueillir le plus de monde possible à travers ce projet. Peu importe le genre, je crois que la musique reste un langage universel.

T : Dans la musique actuelle, sentez-vous qu'il y a suffisamment de place pour les émotions sincères, ou avez-vous l'impression qu'il y a trop d'émotions « performées » ?

S  : Bonne question. L'émotion authentique contre l'émotion performée... Je pense qu'on va, en général, vers une société de plus en plus polarisée, qui se divise entre deux extrêmes plutôt que de se retrouver au milieu. Dans la musique, beaucoup de projets reposent sur des recettes, sur ce qu'il « faudrait » faire, sur les codes d'un genre, pour espérer fonctionner ou rencontrer le succès. Mais il y a aussi, dans tous les styles, de plus en plus d'artistes qui sont brutalement honnêtes et vulnérables avec leurs émotions. Je pense qu'il y a un peu des deux. Avec une société très marquée par la technologie, et bien sûr l'IA, qui devient une part énorme de nos vies, et une source d'inquiétude pour quiconque fait de l'art visuel ou de la musique, je pense que le public est de plus en plus attiré par l'émotion authentique plutôt que performée. J'ai ma théorie : les artistes qui misent sur une recette, un procédé pour « faire » de l'émotion, peuvent connaître un certain succès, facilement. Mais face à des projets où l'émotion est sincère et honnête, je pense que ça dure plus longtemps, et que le public y répond davantage, même sans toujours savoir dire pourquoi. L'émotion authentique finit toujours par l'emporter, je crois.

T : Et pour vous, comment ça fonctionne ? Faites-vous de la musique pour votre propre catharsis, ou la voyez-vous comme une thérapie pour le public ?

S : Les deux ! C'est une thérapie pour moi, et j'espère qu'au bout du compte, quand les gens écoutent ma musique et ouvrent leur cœur à mes histoires, ils se sentent vus dans leurs propres émotions, qu'ils s'y reconnaissent, même si je ne raconte pas de situations très précises, et qu'ils y projettent leurs propres histoires. C'est un voyage qui commence de façon très égoïste : c'est un besoin, quelque chose que je ne peux pas toujours mettre en mots autrement qu'à travers la musique, et qui doit finir par être mis en mots quand ça devient une chanson. Ça commence donc comme quelque chose d'assez personnel, j'ai besoin d'exprimer une émotion, et j'espère qu'une fois enregistrée, la chanson devient une catharsis collective. Donc oui : la catharsis personnelle avant la catharsis collective.

T : Est-ce que vos fans vous disent parfois ce que votre musique représente pour eux ? Quelle est la réaction la plus surprenante, ou la plus touchante, que vous ayez reçue ?

S : Oui, souvent. Beaucoup de gens viennent me voir après les concerts pour me dire ce que ma musique a signifié pour eux, ce qui me surprend toujours, j'ai encore du mal à croire que des gens, partout dans le monde, écoutent ce que je fais. Je n'ai pas toujours eu confiance en moi côté musique, donc ça me touche énormément à chaque fois. J'ai reçu des messages sur les réseaux sociaux, des gens sont venus me voir avant ou après des concerts, dans toutes sortes de contextes. Ce qui m'a le plus marquée, ce n'est pas tant qu'on me dise qu'une chanson ou un album a « sauvé » quelqu'un dans un moment difficile, je réponds toujours que c'est la personne elle-même qui s'est sauvée, mais je suis heureuse d'avoir pu faire partie de la bande-son de ce moment-là. Il y a aussi eu des choses bouleversantes, je vais essayer de ne pas trop m'émouvoir en le racontant, comme cette femme, aux États-Unis, venue me voir lors de notre deuxième tournée, qui m'a raconté que sa grand-mère, gravement malade, avait choisi d'écouter certains de mes albums durant ses derniers jours. Ça a signifié énormément pour elle : à chaque écoute, sa grand-mère était de nouveau avec elle. C'est vraiment touchant. J'ai reçu beaucoup de messages comme ça, qui m'ont arrêtée net, chez moi. Il y a aussi des choses plus légères, des gens qui me disent avoir fait écouter mes chansons à leur bébé, et que ça leur a plu, ce qui est très mignon. Donc oui, j'ai reçu beaucoup de messages de ce genre, ils comptent énormément pour moi, et je ne m'y suis jamais habituée. J'espère, très sincèrement, que ça continuera.

T : Ce soir, quand vous montez sur scène, quelles émotions ou pensées voulez-vous transmettre au public ?

S : Je ne veux pas dicter ce que les gens doivent ressentir pendant mes concerts, je veux simplement qu'ils ressentent quelque chose. Idéalement, j'aimerais leur offrir une forme d'évasion par rapport à leur quotidien, les emmener dans un voyage aux confins du monde. Mais au-delà de ça, je n'ai pas une émotion précise que je cherche à provoquer chez eux, je veux juste que mon public ressente quelque chose, que ce soit de la joie ou autre chose. Je suis très ouverte là-dessus, et je pense que c'est aussi une forme de conversation avec le public : ça dépend des réactions, ça évolue selon l'état d'esprit de chacun. J'essaie toujours de raconter mes histoires du mieux possible, et je veux simplement qu'elles soient ressenties. C'est tout ce que je souhaite.

T : Nous vivons une époque agitée, les gens ont besoin d'un point d'ancrage. Pensez-vous que la musique pourrait occuper la place qu'a longtemps tenue la religion ?

S : Très belle question. Ce serait formidable, et tellement plus sain que l'institution religieuse. Honnêtement, je pense que l'art, en général, en est capable. Pour moi, la musique est la forme d'art la plus précieuse, parce qu'elle a cette capacité à être un langage universel, au-delà de tout le reste, où les gens peuvent communiquer sans limites. Dans ce sens, oui, je pense que l'art peut devenir une forme de nouvelle religion : un ancrage pour rester sain d'esprit et en paix, un moyen de créer une échappatoire, du sens, des réponses, dans une société de plus en plus difficile à traverser. Je serais très heureuse si la musique pouvait remplacer l'institution religieuse, même si je pense que la spiritualité, elle, reste très importante.

T : Votre musique oscille constamment entre vulnérabilité et intensité extrême. Est-ce un choix délibéré, ou la conséquence naturelle de votre processus créatif ?

S : Je crois que c'est les deux. En tant qu'auditrice, j'aime quand des éléments qui ne devraient pas fonctionner ensemble finissent par créer une forme de beauté, une harmonie dans la dysharmonie. Le rude et le doux, le laid et le beau, le lourd et le léger, tout ce qui s'oppose. C'est quelque chose que je voulais mettre en avant dès la création de ce projet, et c'est devenu un vrai axe de création pour nous. Mais c'est aussi venu très naturellement, dès que j'ai commencé à mettre mes émotions dans mes chansons. Par exemple, quand j'écris une partie en chant saturé, ce n'est pas pour représenter de la colère, je ne suis pas quelqu'un de très colérique dans la vie, mais plutôt pour exprimer ces instants où la clarté, la beauté et la douceur ne suffisent plus à traduire à quel point certains sentiments sont urgents et intenses. C'est là que le côté plus brutal intervient : comme pour dire « écoutez-moi, je n'ai pas les mots pour vous dire à quel point ça compte pour moi ». C'est là que cette dureté amplifie le sentiment. C'est le produit naturel de ma façon de voir la vie, de la façon dont le monde fonctionne par oppositions. Donc oui, je dirais que c'est les deux.

T : Merci beaucoup, je laisse le micro à Laure.

(Les photos appartiennent au beau Gauvain Gaggini, merci à lui pour son talent sans faille)

Laure : J'aimerais me concentrer sur Eg Er Framand. Pourquoi avoir construit cet album ainsi ? Quelle logique avez-vous suivie ? Qu'est-ce que vous vouliez, en le faisant ?

S : Cet EP se compose de trois morceaux originaux et de trois morceaux traditionnels norvégiens, ce sont mes interprétations de ces chansons, dont on ne connaît pas toujours précisément l'origine. L'une d'elles, Eg Veit I Himmelrik Ei Borg, est essentiellement l'un de nos morceaux traditionnels les plus célèbres, repris par énormément d'artistes. Les deux autres, Dagsens Auga Sloknar Ut et Eg Er Framand, sont plus méconnues, même en Norvège. Mais ce sont des morceaux qui m'ont profondément touchée, surtout Eg Er Framand : la première fois que je l'ai entendue, j'ai été littéralement bouleversée. Dans le meilleur sens du terme. J'avais l'impression que cette chanson m'appartenait déjà. En travaillant sur l'album, j'ai dû modifier des mots comme « Dieu » ou « Jésus », parce que je ne suis pas chrétienne, et je ne voulais surtout pas manquer de respect aux personnes qui le sont en chantant des mots auxquels je ne crois pas moi-même. J'ai donc remplacé ces mots par des termes comme « lumière » ou « êtres », qui font davantage sens avec ma propre spiritualité. Je voulais me consacrer à la musique norvégienne depuis longtemps, mais ce morceau m'intimidait énormément : c'est une chanson lourde de sens, ancrée dans une tradition, qui compte énormément pour notre culture. J'avais un peu peur de ne pas lui rendre justice. J'ai donc attendu plusieurs années avant, en 2023, de me lancer enfin, j'en avais vraiment envie depuis longtemps. J'ai acheté des micros, je suis allée dans une église, et j'ai enregistré le morceau en une semaine. Je voulais enfin réaliser ce rêve : proposer ma propre version de la musique traditionnelle norvégienne.

L : Avez-vous suivi une direction artistique précise ? Comment décririez-vous vos influences ?

S : L'influence principale, c'est la musique norvégienne elle-même. Le thème de l'album rejoint celui des autres disques de Sylvaine : il est très centré sur la spiritualité. Les trois chansons traditionnelles que j'ai reprises sont d'ailleurs toutes des chants religieux, je ne sais pas exactement pourquoi les chansons religieuses me parlent autant, mais c'est le cas. Comme je le disais, j'ai légèrement réécrit les paroles pour prendre leur dimension religieuse et la rendre plus spirituelle, à ma façon, sans manquer de respect à l'original. Le thème central, c'est vraiment ce sentiment de réconfort : savoir qu'il existe un au-delà à cette vie. Et en même temps, ressentir à la fois ce réconfort et une forme de nostalgie envers cet « ailleurs » d'où je crois que nous venons. C'est toujours étrange de mettre la spiritualité en mots, c'est d'ailleurs pour ça que j'ai fait tout un projet autour de ça, plutôt que d'avoir à l'expliquer. Voilà, en substance, le thème : cette lumière d'où nous venons, le réconfort de savoir ce qui nous guide à travers cette vie, mais aussi la déconnexion qu'on ressent en tant qu'êtres spirituels vivant une expérience humaine.

L : Y a-t-il une forme d'art, en dehors de la musique, qui vous inspire ?

S : Oui ! Laquelle choisir... J'aime beaucoup les arts visuels, cela va sans dire pour la musique, mais les arts visuels aussi : la photographie, l'illustration, l'art numérique, la peinture. J'apprécie particulièrement le symbolisme et l'ère préraphaélite. C'est vraiment ce que j'aime le plus, avec le cinéma et la télévision aussi, je trouve de la beauté un peu partout, je dois dire. Et bien sûr, la nature reste une source majeure, qu'on retrouve d'ailleurs beaucoup dans l'art : le symbolisme, par exemple, est traversé par la nature dans ses peintures. Donc oui, les arts visuels comptent énormément pour moi.

L : Eg Er Framand signifie « Je suis une étrangère ». C'est intéressant : est-ce lié à votre propre vie, ou à autre chose ?

S : Un peu des deux. Le titre vient directement de la chanson Eg Er Framand, ce n'est donc pas moi qui l'ai écrit. Mais je crois que je n'avais jamais ressenti une connexion aussi forte à l'écoute d'une œuvre qui n'était pas la mienne, l'impression que ces mots parlaient de mon expérience, de ma vie. C'est pour ça que j'ai construit tout cet EP autour de cette seule chanson : j'avais l'impression que c'était un signe, que je devais le faire à ce moment précis, quand je l'ai découverte pour la première fois, en 2022. Puis en 2023, je me suis dit : d'accord, on fait un album entier autour de cette chanson. Ce n'est donc pas un titre que j'ai choisi en tant qu'auteure, mais il est parfaitement adapté, parce que Sylvaine, en tant que projet, parle essentiellement d'une forme de déconnexion spirituelle. C'est difficile à mettre en mots, mais je vais essayer : pour moi, nous sommes des êtres de lumière, nous sommes tous un. Nous arrivons dans ce monde, envoyés dans un corps humain qui est un peu comme un véhicule que notre âme conduit. Nous sommes donc tous des étrangers ici : ce n'est pas vraiment notre foyer, c'est une sorte de halte où l'on s'arrête pour apprendre, apprendre de la vie, de l'amour, de la douleur. Le titre s'applique donc pleinement : je suis une étrangère parce que je le suis ici, dans mes croyances spirituelles. Et aussi parce que, à cause justement de ces croyances un peu particulières, je me suis souvent sentie en marge, toute ma vie, certaines personnes m'ont clairement fait sentir « mais qu'est-ce qui ne va pas chez toi ? », ce que je comprends très bien. C'est pour ça que je pense que la spiritualité et la religion sont des sujets très personnels : je n'essaie jamais de convaincre qui que ce soit d'y croire aussi. Mais quand je parle de mon projet, je dois forcément l'évoquer, tant ça a été une source d'inspiration. Donc oui, je suis une étrangère, au sens spirituel du terme, et je me suis sentie en marge toute ma vie. Je n'ai jamais vraiment trouvé ma place, et je crois savoir pourquoi aujourd'hui, grâce à Sylvaine, une forme d'éveil spirituel, si on veut.

L : Et cet éveil spirituel vient-il de vous-même, ou de vos expériences ? Vous avez vécu dans plusieurs pays...

S : Ça m'a forcément influencée, en tant que personne, à travers mes différentes expériences. Je pense que tout ce qu'on vit finit, d'une manière ou d'une autre, par nourrir notre art. Les endroits où j'ai vécu ont beaucoup influencé le son de ma musique, ainsi que la partie de mon histoire qui a nourri mon éveil spirituel.

L : Et quelle évolution avez-vous suivie, depuis vos débuts jusqu'à aujourd'hui ?

S : Je vois mon projet musical un peu comme un journal intime en musique, ce n'est pas très original, beaucoup d'artistes le disent. J'aime penser à chaque album, chaque EP, comme une photographie de qui j'étais au moment où je l'ai composé. Il y a des piliers qui restent constants, la spiritualité, notamment, qui a toujours été là et le restera sans doute toujours au cœur du projet, et puis, selon ce qui se passe dans ma vie, d'autres thèmes viennent s'y ajouter. Mon premier album, Silent Chamber, Noisy Heart, parlait vraiment de moi cherchant à me trouver, à mettre des mots sur cette hésitation permanente, ce sentiment d'être toujours en marge, que je n'arrivais pas vraiment à définir. Le deuxième, Wistful, est né de mon installation en France pendant un temps : ça m'a donné un nouveau sens de l'éloignement, dans un nouvel espace, sans parler la langue, isolée d'une autre façon. Ça a ajouté une nouvelle couche à tout ça. Le troisième, Adam's Land, Coming Undone, a été très marqué par ce sentiment, encore une fois, d'être en dehors de la société, à me demander pourquoi les humains passent autant de temps à se faire du mal, pourquoi on semble être notre pire ennemi, pourquoi on se déteste autant les uns les autres et qu'on cause tant de souffrance, et d'en être un peu révoltée, en me disant : ce n'est pas normal, pourquoi est-ce comme ça ? C'était le premier album où le monde extérieur a vraiment eu une influence directe sur ma musique. Nova, lui, est né d'un événement très personnel : je traversais un deuil, un processus de souffrance, au moment même où le monde entier vivait le sien, à cause du Covid. Et ce nouvel album, sur lequel je travaille actuellement, est vraiment une forme de renaissance après tout ça, la fin d'un chapitre. Donc oui, ça a été une évolution naturelle, qui a simplement suivi ma vie, année après année.

L : Très intéressant. Désolée si la question paraît étrange : n'est-ce pas particulier d'interpréter aujourd'hui des chansons que vous avez écrites à une autre époque, en étant devenue quelqu'un d'autre, avec des sentiments différents de ceux d'alors ?

S : C'est le cas, et c'est ce que j'adore ! Ce qui est vraiment intéressant, c'est que si tu as écrit une chanson sur une situation, une personne ou un événement précis, et que ta vie continue d'avancer, ces mots finissent par prendre un nouveau sens. Cette chanson n'est plus seulement liée à cette situation passée : elle devient soudain une autre personne, un autre événement, un autre poème qui a déclenché quelque chose de nouveau. J'aime cette idée que la musique reste aussi vivante. J'ai des chansons écrites sur des choses très précises, et quatre ans plus tard, sur scène, je me surprends à les chanter avec un ressenti totalement différent, mais toujours aussi pertinent. C'est juste une histoire différente, racontée à travers une histoire plus ancienne. C'est très particulier, aussi, de commencer les interviews pour un nouvel album qu'on a peut-être terminé un ou deux ans plus tôt : il faut revenir en arrière, essayer de se reconnecter à qui on était et à ces émotions, parfois les revivre. Ça peut coûter cher, émotionnellement, presque comme un syndrome de stress post-traumatique, dans certains cas. C'est une chose fascinante, en tant qu'artiste : voir comment ces morceaux prennent leur propre vie, apportent un sens nouveau. Mais c'est vraiment beau, aussi.

Guillaume : Bonsoir, je vais essayer d'aborder ce qui n'a pas encore été évoqué (rires). Comment s'est passée la sortie de Eg Er Framand ? Avez-vous eu des retours, que ce soit sur les concerts ou sur la version studio ?

S : Bonne question, parce que j'étais un peu inquiète des retours sur cet album. J'ai toujours eu le sentiment que tous mes disques comportaient des éléments folk norvégiens, mais celui-ci allait plus loin que ce à quoi les gens s'attendaient. J'étais curieuse de voir si mon public l'accepterait. Je savais que certains diraient « oh, c'est trop doux, ça ne va pas me plaire », ou « c'est trop spirituel »... Il y a mille raisons pour lesquelles un projet peut ne pas toucher les gens. Mais à ma grande surprise, mon public a vraiment accueilli cet album, et j'ai aussi touché un nouveau public qui ne connaissait rien de mon travail précédent — et qui est parfois un peu surpris en allant écouter mes hymnes très christiques pour ensuite tomber sur mes morceaux plus scream (rires). Mais oui, c'était vraiment surprenant, dans le bon sens : je n'ai vu aucun retour négatif, ce qui est presque étrange. Les gens ont été très ouverts et accueillants envers cette nouvelle direction, j'ai reçu énormément de commentaires positifs.

G : Vous revenez d'une tournée en Australie, en Nouvelle-Zélande et en Asie. Comment s'est passée cette expérience ? Avez-vous coché toutes les cases de votre liste de rêves ?

S : J'ai coché beaucoup de cases, c'est vrai. Je rêvais de tourner en Asie depuis l'adolescence. Ça peut paraître un peu ridicule, mais pouvoir jouer à Tokyo, l'une de mes villes préférées, pour mon anniversaire, et recevoir un gâteau sur scène en plein concert... j'ai tellement pleuré de joie, ce soir-là. Je suis quelqu'un de très sensible, sur scène comme en dehors. Je dirais que ces tournées en Océanie et en Asie comptent parmi les meilleures de toute ma carrière, et il y a bien sûr toute la beauté de découvrir des endroits lointains, exotiques, et d'y trouver un public toujours prêt à ouvrir son cœur à ma musique, à écouter mes histoires. Ça continue de m'étonner, complètement. En Australie, j'ai assuré la première partie d'Eivør, l'un des êtres et des projets les plus beaux qui soient, originaire des îles Féroé. J'étais seule, en solo. Ouvrir un concert seule peut toujours être un peu intimidant : on se demande si le public a vraiment envie d'écouter mes petites chansons tristes, à la guitare. Mais les gens ont été vraiment très ouverts. C'était une très belle expérience, sur scène comme en dehors : découvrir de nouveaux endroits, rencontrer les fans, voir la façon différente dont ils expriment leurs émotions selon les régions du monde. C'était vraiment incroyable, honnêtement.

G : Avez-vous ressenti un choc culturel, ou trouvé votre public plus universel que prévu ?

S : Ce n'est pas vraiment surprenant qu'en Australie et en Nouvelle-Zélande, le public nous ait semblé plus familier. En revanche, on a vraiment remarqué une différence en Asie, et particulièrement en Chine. C'est un pays dont on nous parle souvent, et plutôt en mal, à travers les médias occidentaux. Or, on a découvert qu'on y était très populaires, et j'avais vraiment envie d'y aller, c'est d'ailleurs devenu l'un de mes endroits préférés au monde. Mais j'ai remarqué que le public là-bas exprime son intérêt et ses émotions de façon très différente de ce qu'on connaît. Je me souviens en particulier d'un concert à Chengdu, où j'ai vraiment ressenti une sorte de séparation : eux faisaient leur truc, nous faisions le nôtre, sans cet échange d'énergie auquel je suis habituée. Après le concert, je me suis posé plein de questions : « Est-ce qu'ils ont détesté ? », « Est-ce qu'ils ont un peu aimé ? », « Est-ce que je peux me satisfaire d'un concert comme ça ? » Et puis on a rencontré les fans, et ils ont tous été unanimes : c'était, pour eux, un concert exceptionnel, avec énormément d'enthousiasme ! Donc la façon d'exprimer les émotions, extérieurement, était juste très différente de ce à quoi on est habitués en Europe. Ce n'était pas vraiment un choc culturel, plutôt quelque chose de nouveau, auquel il fallait s'habituer. Mais comme je le disais plus tôt, je ne cherche jamais à dicter ce que le public doit ressentir en écoutant ma musique. Donc, quelle que soit la façon dont ils expriment leurs sentiments, c'est très bien ainsi. C'était juste différent pour nous, mais c'était cool.

G : Toujours sur l'expérience live : Sylvaine a débuté comme un projet profondément personnel. Comment votre rapport à la scène a-t-il évolué depuis vos débuts ?

S : Je dois avouer que j'ai commencé comme quelqu'un qui avait peur de chanter, même pour elle-même, j'étais effrayée rien qu'en entendant ma propre voix, sans personne autour. Au début, je n'étais pas du tout sûre de moi, ni de la façon dont le public allait réagir. Je pense que la vraie différence, c'est qu'au fil des années, à force d'accumuler cette expérience d'interaction avec le public, j'ai gagné en confiance : dans ma façon de me produire, dans ce que je fais, et surtout dans l'idée que j'ai le droit d'être là. Ça reste un stress aujourd'hui encore, mais avant, j'étais persuadée de ne pas avoir le droit de « voler » le temps des gens avec mes histoires. Ça se traduit par plus de mouvement sur scène, plus de confiance, plus de place pour l'improvisation. J'aime, quand il y a une petite erreur ou un imprévu sur scène, pouvoir simplement reprendre, encore et encore, sans stresser. On développe cette capacité à vraiment jouer avec les accidents, à suivre le courant, et ça, ça ne s'acquiert qu'avec l'expérience, et un peu de confiance en soi, en se disant qu'on en est capable, qu'on peut chanter et jouer ces chansons. Ce qui reste identique depuis le début, en revanche, c'est que mes concerts sont toujours très honnêtes. Il n'y a pas vraiment d'artifice : rien de spectaculaire visuellement, pas de pyrotechnie, pas de vidéos. Mais c'est, à chaque fois, une vraie catharsis, et j'essaie de garder ça sincère. Ça, ça n'a pas changé depuis le début.

Laure : Quel serait votre meilleur souvenir depuis les débuts de Sylvaine ?

S : Oh non, impossible de choisir, je suis vraiment nulle pour ça ! (rires) Mais récemment, je dirais forcément la tournée asiatique : le concert quasiment complet à Tokyo, voir le public japonais chanter mes chansons, le CAN Festival en Chine avec une production démesurée, on s'y est sentis comme à Coachella, la scène était immense. J'ai dû me pincer, en plein concert, pour vérifier que je vivais vraiment ce moment. Mais je pense que l'un de mes tout meilleurs souvenirs reste la création de mon premier album. Je n'osais en parler à personne, persuadée que je n'y arriverais pas. Je dois toujours me pousser à travers toutes ces petites voix bizarres dans ma tête. Le meilleur souvenir, d'une certaine façon, c'est la toute première fois où j'ai enregistré mon propre album, seule, en faisant tout moi-même, y compris l'ingénierie son, que je ne maîtrisais pas du tout. J'ai appris ça en enregistrant l'album, à l'université, et je me revois m'asseoir, ouvrir la session, appuyer sur play, et écouter l'album en entier pour la première fois. C'est peut-être mon plus beau souvenir de Sylvaine, parce que c'est là que tout a commencé.

L : Et le pire souvenir ?

S : Oh non ! Il y a plein de choses qu'on s'est promis, en groupe, de ne jamais raconter ! (rires) Mais sincèrement, il y a eu un concert en Chine où rien ne s'est passé comme prévu. Il y a eu des problèmes techniques, et j'ai l'habitude de gérer ça avec sang-froid, en direct, ce sont des choses qui arrivent, on est humains, c'est du live. Mais ce soir-là, plus j'essayais de retrouver l'émotion, d'oublier ce qui se passait, plus les choses tournaient mal. Et il y a eu une erreur, de la part de quelqu'un d'autre, qui a affecté ma performance. Au moment de quitter la scène avant le rappel, j'ai regardé mes musiciens et je leur ai dit : « Je suis désolée, j'essaie tellement fort, mais ce soir je n'y arrive pas, je ne suis pas assez bonne. » Je pense que c'est mon pire souvenir : quitter la scène sans avoir envie d'y retourner, alors que j'avais traversé le monde entier pour ce concert, qui, selon mes propres standards, était vraiment raté. J'étais triste pour le public, je savais que j'aurais pu faire tellement mieux. J'étais déçue de moi-même, et même si tout le monde me disait que ça allait, je n'arrivais pas à me sortir cette déception de la tête.

L : Y a-t-il des artistes avec qui vous aimeriez collaborer ?

S : Décidément, impossible d'échapper aux choix ! (rires) Il y a tellement d'artistes avec qui j'aimerais jouer... Rien que sur ce festival, il y a Author & Punisher, j'adorerais poser ma voix sur un projet comme ça, et Faetooth aussi, un groupe incroyable. J'aimerais aussi énormément tourner avec des artistes comme Chelsea Wolfe, ou mon amie Emma Ruth Rundle. Si je pouvais rêver encore plus grand, j'aimerais faire quelque chose avec des musiciens de Smashing Pumpkins ou de Slowdive, même si c'est peut-être un peu trop mainstream pour nous. Et si je pouvais jouer avec un artiste disparu, ce serait avec Type O Negative, mon groupe préféré. Sur un tout autre registre, j'aimerais beaucoup tourner avec Wardruna, un très beau groupe norvégien. Il y a trop de monde avec qui j'aimerais collaborer !

Guillaume : Y a-t-il un message que vous aimeriez adresser au public ?

S : Avant tout : hydratez-vous bien, avec cette chaleur ! Et merci d'avoir suivi cette interview, ça me touche vraiment. J'espère vous voir à un concert. Continuez d'écouter de la musique, continuez de la soutenir, c'est l'une des choses les plus précieuses dans nos vies. Et merci à vous aussi, de m'avoir reçue.

Tom : Dernière question : qu'est-ce qui attend Sylvaine, dans le futur ?

S : Je travaille actuellement sur mon cinquième album, je suis en plein enregistrement, c'est ce qui occupe le plus clair de mon temps, et c'est pour ça qu'on ne joue pas beaucoup de concerts cette année. Qui aurait cru qu'il fallait rester plus de deux jours au même endroit pour écrire un album ? (rires) La tournée reprendra l'année prochaine, une fois l'album sorti. J'ai déjà des dates prévues jusqu'à la fin de l'année, et pour 2028. C'est tout ce que je peux dire pour l'instant.

Laure : Et enfin, sur quelles plateformes et réseaux peut-on vous suivre ?

S : Vous pouvez me retrouver sur Instagram, Facebook, TikTok , même si, à 35 ans, je suis un peu trop vieille pour TikTok, mais j'essaie, parce que c'est ce que tout le monde fait aujourd'hui ! Instagram reste la plateforme la plus active pour moi, et je réponds moi-même à tous les messages que je reçois de mes fans. Vous trouverez aussi ma musique sur ma boutique, avec mon label Season of Mist, ainsi que sur les plateformes de streaming, même si, pour rappel, ces dernières ne rémunèrent pas vraiment les artistes. Mais vous pouvez me trouver un peu partout !

Baleine (Post-Rock / Bossa Nova - France)

Une petite douceur pour commencer cette soirée avec le son frais de Baleine : un mélange de Post-Rock, Math-Rock avec un brin de Bossa Nova !

Même si la musique peut sembler alambiquée de prime abord, elle arrive toujours à nous embarquer, car le trio sait avant tout proposer une musique efficace !

Et on a même eu le droit à deux nouvelles chansons de leur troisième album, une affaire à suivre donc ...

Bandeliers (Rock Alternatif - France)

Ne les ayant découverts que lors de l'arrivée de l'artiste Bleu Reine au sein du line-up, j'avais pu grandement apprécier leur premier single "Come Clean", puis "Shed Skin". C'est donc avec grand plaisir que j'ai pu les découvrir dans leurs versions lives ce soir-là. Ainsi que bien sûr les autres morceaux, plus anciens, que j'avais pas encore pris le temps d'écouter.  (NDLR : hormis "Marco Polo", "Come Clean" et "Shed Skin", toutes les chansons étaient des nouveautés)

Je m'attendais donc moins à découvrir des influences proches de M83 sur "Marco Polo", comme j'avais décelé du Anathema dans "Come Clean", ce n'est pas forcément une influence que j'attendais. 

Pourtant, Bandeliers nous propose un Rock Alternatif empruntant au Shoegaze, à la Pop, mais aussi au Space Rock avec cette superbe envolée qu'est "The Ritual".

Malgré ce que l'on pourrait qualifier d'apothéose, le concert se conclut par le morceau de Cory Hanson "I Can't Keep My Eyes Open". Une excuse de voir le batteur abandonner ses fûts et chanter en devant de scène, là où la bassiste a pu finir le concert à la batterie !

En plus, d'être un très bon groupe en live, ils arrivent à faire découvrir la France à Seirén en les accompagnant en tournée, mais aussi en leur faisant goûter quelques spécialités locales comme le Brie ou la Fourme d'Ambert qu'ils ont visiblement adorés puisqu'ils "étaient saucés" !

Seirén (Post-Rock - Mexique)

Une découverte totale pour ma part, puisque j'étais avant tout venu ce soir pour voir en live les précédents groupes. Je suis donc resté sagement pour découvrir ce genre de Post-Rock teinté de Shoegaze et d'autres choses, ce que l'on pourrait résumer en du Art Rock.

Je dois bien l'avouer, je n'ai pas été charmé par tout le concert, je trouvais qu'il manquait à certains morceaux, surtout au début, quelque chose pour vraiment se démarquer du reste de la scène Post. Bien que le concert semblait être une véritable histoire, puisque quasi chaque morceau était entrecoupé de dialogues préenregistrés, j'avoue ne pas avoir spécialement accroché sur ce point.

Mais c'est plutôt lorsque la chanteuse nous montre toute son amplitude vocale que l'on comprend pourquoi le groupe peut charmer et ravir de nombreuses personnes !

En effet, la guitariste a une voix très versatile qu'elle peut pleinement utiliser dans certains morceaux qui sortent du lot automatiquement ! Mais il a eu aussi ce fameux morceau sur les champignons : "Mackennaii" ! Un morceau bien groovy qui pourra rappeler certains groupes très influents de la scène psychédélique et qui révèle un potentiel incroyable en live.

Un concert tout de même très plaisant qui a su quand même titiller ma curiosité ...

Une live session acoustique et un blindtest express se cachent dans cet interview !

Suivez Lafayette sur leurs réseaux : 

• Facebook : https://www.facebook.com/Lafayettefr
• Insta : https://www.instagram.com/wearelafayette
• TikTok : https://www.tiktok.com/@lafayette_fr

C'est deux heures avant de monter sur la scène de Bourlon que nous avons eu l'occasion d'intercepter King Yosef pour parler de sa vision de la musique, de ses questionnements et de son rapport à la scène.

Guillaume : Un peu comme pour ta musique, tu as commencé en produisant du hip-hop et de la trap, et tu fais aujourd'hui un mélange de punk hardcore, de metal industriel et d'ambiances oppressantes. Qu'est-ce qui a motivé ce changement ?

King Yosef : Bonne question. En réalité, j'ai toujours baigné dans la musique industrielle : ma mère écoutait beaucoup Skinny Puppy, ce qui m'a donné une base solide. Ensuite, en grandissant avec mes amis, j'ai découvert plein de façons de faire de la musique et des groupes de plus en plus pointus. Je pense avoir commencé par la trap parce que c'était le plus simple, et plus je comprenais ce que j'aimais et ce que je faisais, plus j'avais envie de me diriger vers les styles qui me correspondaient vraiment.

G : Tu dirais donc que tu es parti d'un style musical que tu n'appréciais pas vraiment ?

K.Y : Pas exactement. On écoutait un peu de tout à cette époque, et je maîtrisais bien les codes du genre. Mais par la suite, j'ai découvert la batterie... (il désigne son batteur qui passe derrière nous) Tiens, d'ailleurs, le voilà justement. C'est un ami d'enfance, il m'a appris la batterie en m'imitant des fills à la bouche. Je crois que le seul rythme que j'ai jamais vraiment su jouer, je le dois à ça — et aux blagues qu'on se faisait en imitant des sons de batterie à la bouche.

(Nous aurions adoré partager l'enregistrement des cinq minutes de fous rires qui ont suivi, mais le son était inexploitable à cause du concert qui se jouait en même temps derrière nous.)

K.Y  : J'espère vraiment que tu arriveras à tirer quelque chose de cette interview plutôt que des blagues !

G : Dans le pire des cas, j'aurai un bon souvenir ! Revenons à l'interview : tu as enregistré ton dernier album, Spire of Fear, avec Kurt Ballou, le guitariste de Converge. Cette collaboration a-t-elle façonné l'album ?

K.Y : Je ne dirais pas que c'était intimidant, mais on a eu l'impression qu'il fallait tout prendre très au sérieux — encore plus que d'habitude. Réaliser ce que ça signifie de travailler avec Converge, là, maintenant... On était déjà allés dans ce studio, mais cette fois, tout semblait s'aligner. C'était inspirant, mais aussi intimidant, dans le bon sens du terme.

G : Tu n'avais pas peur de faire des erreurs ?

K.Y : Pas vraiment. Il a beaucoup d'humour, il est très accueillant, mais aussi très cash pour le travail — ce qui devient vite une habitude, et de moins en moins stressant. Beaucoup de gens pensent qu'il est intimidant de jouer de la guitare devant Kurt. Mais ce qui est intimidant, c'est de lui dire qu'on n'aime pas ce qu'il nous a demandé de jouer, parce qu'il a une vision très précise de ce que doit être la musique. Cela dit, comme c'est mon ami et qu'on travaille ensemble depuis longtemps, j'ai l'impression d'être dans un espace où je peux me confier : je peux lui dire quand je ne suis pas d'accord, quand je sens que je devrais faire quelque chose de différent. On a un bon équilibre.

G : Une sorte de mentor ?

K.Y : Oui, exactement. Il donne des conseils incroyables, c'est un mec génial, et travailler avec lui, c'est génial.

G : Tu as dit, à propos de ton dernier album, avoir poussé les curseurs de « terreur » au maximum. Qu'est-ce que tu entends par là ?

K.Y : Je pense que c'est être oppressif, mais aussi savoir le faire de façon dynamique. Si un film d'horreur est effrayant dès le départ et cherche juste à l'être du début à la fin, il ne fait plus vraiment peur. Ce qui rend quelque chose d'effrayant, c'est la pression, la tension, les hauts et les bas. Je pense avoir réussi à atteindre ça : quand les choses deviennent vraiment intenses, elles fonctionnent bien ; quand tout doit redevenir calme, on peut y arriver autrement, par un retour à des dynamiques plus basses. Des montagnes russes fonctionnent parce qu'il faut monter, patienter au sommet, puis redescendre. Si tu ne fais que monter, ou si tu restes en haut sans jamais redescendre, ça perd tout son intérêt. Il faut doser ça progressivement.

G : Oui, sinon on tombe dans le nanar ou la parodie.

K.Y : C'est marrant, j'ai entendu des gens me parler de l'album en évoquant « terrific », en me citant cette interview, alors que j'avais bien utilisé le mot « terror ».

G : C'est vrai qu'en français, terrific sonne comme « terrifiant », ce qui est très proche de terror.

K.Y : Ah, c'est pour ça ! Il y a des différences très étranges entre l'anglais et le français, mais aussi beaucoup de mots qu'on vous a empruntés. Le plus drôle que j'ai découvert en France, c'est de réaliser qu'« appetizer » vient de votre mot pour désigner le repas d'avant repas, alors que pour nous, c'est simplement de la petite nourriture.

G : Ah oui, l'apéritif ?

K.Y : Exactement ! C'est de la nourriture, mais on ne la conçoit pas de la même façon.

G : J'ai vu pas mal de tes concerts sur YouTube : tu donnes souvent tout ce que tu as, et tes musiciens aussi. Est-ce que jouer devant des gens qui ne te connaissent pas change ta façon d'être sur scène ?

K.Y : Honnêtement, je pense que je me bats encore plus fort dans ce cas-là. Je viens de la scène DIY, je sais que ma musique n'est pas pour tout le monde. Parfois, personne ne sait qui on est, les gens nous regardent de loin sans s'approcher de la scène. Dans ces moments-là, je me dis : « OK, je vais jouer aussi fort que possible. » C'est indéniable : même si les gens n'aiment pas, ils ne pourront pas dire que je n'ai pas essayé. Souvent, après un morceau ou deux, je sens que je capte leur attention - c'est là que je donne tout. Jouer devant un grand public, c'est facile, la plupart des gens sont déjà acquis. Ce qui est plus difficile, c'est de faire entrer un petit groupe de personnes dans ta vision, dans ton monde. Comment crois-tu en tes capacités quand il n'y a que 25 personnes devant toi ? Je dis toujours : si tu ne sais pas jouer devant 25 personnes de façon à ce qu'elles retiennent ton nom à la fin du concert, tu ne sauras pas jouer devant 1 000 personnes. Il faut parfois souffrir, et ça nous arrive encore.

G : Tous les musiciens sont passés par des concerts devant trois personnes.

K.Y : J'ai une comparaison amusante. Aux États-Unis, 100 pennies font un dollar, et 4 quarters aussi. Avoir 100 personnes devant toi qui ne retiennent rien parce que tu n'as pas tout donné, ou avoir 4 personnes devant toi à qui tu as tout donné sur scène, et qui retiennent tes morceaux, achètent ton merch, veulent devenir tes amis... je préférerai toujours jouer pour ces 4 personnes-là. J'aurai gagné un public, et elles auront gagné un nouveau groupe. C'est une façon positive de voir les choses.

G  : C'est bien pensé, en effet.

K.Y : Oui, ça a pris du temps et beaucoup d'apprentissage. Si tu joues devant 4 personnes et qu'elles reviennent avec des amis, tu passes de 4 à 10, puis à 20, et ainsi de suite. Il n'y a pas de raccourci dans ce processus. On a joué un concert à Anvers devant seulement 5 personnes, il faisait une chaleur épouvantable, on pensait faire nos morceaux sans plus. Mais dès qu'on a commencé à jouer, l'adrénaline est montée. On vient tous d'une petite ville d'Amérique du Nord, et sur scène, on a réalisé qu'on avait de la chance d'être là : des gens étaient venus, alors on a tout donné.

G : J'ai du mal à imaginer ce que ça fait de jouer sa musique dans le monde entier.

K.Y : C'est incroyable, et je sais qu'on a de la chance.

G : C'est sans doute pour ça que vous donnez tout sur scène.

K.Y : On n'en parle pas beaucoup, mais j'ai souvent ces moments où je me revois... Toi, tu as commencé la musique à quel âge ?

G : Moi ? J'ai commencé la guitare vers 9 ans.

K.Y : Eh bien, si tu pouvais dire au toi de cette époque qu'un jour, tu ferais un concert à l'autre bout du monde - même devant seulement 5 personnes - tu ne penses pas que tu serais fou de joie ?

G : Je crois que ça doit être fou, oui.

K.Y : On a joué en Suisse devant 30 personnes, et je me suis demandé ce qu'en aurait pensé le moi de 14 ans. Je n'aurais jamais imaginé venir en Suisse, à l'époque.

G : Je n'ai plus qu'une question à te poser.

K.Y : On peut en faire plus, si tu veux.

G : Je retiendrai la leçon pour la prochaine fois ! Après la sortie de ton dernier album, tu as dit avoir répondu, à travers ta musique, à beaucoup des questions que tu te posais dans la vie. Alors, question un peu tordue : quelles questions te restent sans réponse ?

K.Y : (d'un ton beaucoup plus sérieux) Si je ne dis pas de bêtise, j'avais dit me poser beaucoup de questions sur le passé et le présent avant cet album. Spire of Fear, lui, parle du futur. Alors, qu'y aura-t-il après ça ? J'ai toujours vu ma musique comme mon propre médicament : j'écris ce dont j'ai besoin pour me sentir mieux, mais si je ne sais pas ce que je cherche à résoudre en écrivant, ça ne marche pas. C'est un sujet énorme pour moi en ce moment, mais je pense avoir évolué au-delà de tout ce qui m'est arrivé. Les prochaines questions pourraient être : « Comment vais-je devenir la personne que je veux être ? », « Comment rendre ma vie aussi bonne pour moi que pour mon entourage ? » Comment devenir une meilleure personne... Oui, c'est la grande question que je me pose en ce moment. Désolé.

G : Ne le sois pas. Mais qu'est-ce que tu entends par là ?

K.Y : J'ai déjà répondu à cette question dans une précédente interview, et je n'aime pas me répéter. Mais pour te l'expliquer différemment : mon dernier album parle de mes peurs. Pas uniquement, mais la chose que je trouve la plus effrayante, c'est l'idée de finir vieux, sur un lit d'hôpital, en me disant que je n'ai pas fait tout ce que je voulais faire - que je ne suis pas devenu la personne que je voulais être. Je pense que c'est une question que je vais me poser pour le reste de ma vie : est-ce que ma musique va m'aider à dépasser cet obstacle ? Peut-être sur le prochain album... Je trouve ça effrayant, l'idée de vieillir et de finir seul.

G : Je n'avais pas perçu tout ça en écoutant l'album, mais avec le recul, il y a effectivement une certaine obscurité dans les paroles.

K.Y : Et encore, il m'arrive de changer les paroles en cours d'enregistrement : je compare les versions et je garde celle dont l'histoire me parle le plus, sans trop l'expliquer. Il faut que la chanson reste à la fois pour tout le monde et pour moi. C'est drôle, mais Spire of Fear, la chanson-titre, je dis souvent que c'est la seule chanson positive que j'aie écrite, parce que pour moi, les paroles le sont. Pour les autres, c'est différent — certains la trouvent terrifiante.

G : Oui, c'est un effet fréquent avec les morceaux personnels : on y projette souvent ce qu'on a envie d'y voir. Et je pense que le fait de ne pas tout expliquer contribue beaucoup à l'attachement des gens à certains titres.

K.Y : Exactement. Si quelqu'un ressent la même chose que moi sur mes morceaux, tant mieux ; mais si quelqu'un y ressent autre chose, que cette chanson devienne son propre médicament - la musique est merveilleuse pour ça. Il y a une phrase de James Baldwin que j'aime beaucoup, et que j'aimerais utiliser pour conclure cette interview.

G : Je t'en prie.

K.Y : « On lit quelque chose qu'on croyait n'être arrivé qu'à soi, et l'on découvre que c'est arrivé cent ans plus tôt à Dostoïevski. C'est une immense libération pour la personne souffrante et en difficulté, qui se croit toujours seule. Voilà pourquoi l'art est important. » C'est pour ça que l'âme est importante.

G : Je crois que je peux te libérer, après ça. Merci beaucoup pour cette interview.

K.Y : Non, merci à toi, c'était très intéressant !

Avec encore mille et un remerciements pour les photos du grand Gauvain Gaggini

Kick Your Brass

Fange

Umuru

Moundrag

Occult Hand Order

Håndgemeng

Green Milk From Planet Orange

Electric Citizen

Alber Jupiter

MAQUINA.

Coltaine

Rezn

Faetooth

Uncle Acid and the deadbeats

Les 34h 2026 sont terminées, elles ont eu lieu le week-end du 18/19 juillet et c'était le feu ! On sait toutefois que des gens parmi vous auront peut-être raté le meilleur du live, ainsi donc, nous vous proposons des rediffusions directement sur YouTube ! 

Découvrez dans cette vidéo l'interview qu'Hakim a menée avec le groupe de Crossover Thrash/Punk lyonnais Sledgehammer, où l'on parle de leur premier album, Destroy/Rebuild, sorti en mai 2026, de taper des fascistes et... de la Pat' Patrouille. 

Allez m'écouter cette petite merveille d'album de bagarre : 
https://sledgehammer.bandcamp.com/album/destroy-rebuild 

Les voici sur les réseaux : 
FB : https://www.facebook.com/Sledgehammer.Thrash/ 
Insta : https://www.instagram.com/sledgehammer.thrash/ 

Et maintenant, l'interview :

Pensez à aller voir sur YouTube nos autres contenus dédiés aux 34h 2026 !

Au revoir, à bientôt.

Suivez Imparfait sur leurs réseaux :

• Facebook : https://www.facebook.com/imparfait.musique
• Instagram : https://www.instagram.com/imparfait.musique/

Photo de couverture par notre talentueuse photographe Anaïs : https://www.instagram.com/hayden.cinematic/

Un festival à l'esprit DIY à la programmation pointue, mais éclectique qui avait encore une fois de quoi nous régaler ...

En attendant de découvrir notre bilan vidéo du festival, nous vous proposons de découvrir en images les concerts auxquels Gauvain a pu assister sur la deuxième journée, soit le 27 juin !

Teigne

Mortal Scepter

Tons

Stress Positions

XIAO

Witch Fever

Bombardement

Poison Ruïn

Denial of Life

Conjurer

Frontierer

Conan

Cryptic Shift

BRUIT ≤

J'ai pu m'entretenir avant le show avec eux afin de leur poser quelques questions et notamment la plus importante : "Quand est-ce que vous rentrez en studio ?". Cela devrait justement bientôt se faire car ils ont prévu d'enregistrer leur premier EP (ou album car ils ne savent pas encore) en septembre. Bien sûr, ils m'ont dit que je serais le bienvenu pour vous partager en avant-première des photos de leurs sessions d'enregistrement.

En attendant voici les photos de la soirée.

Et pour ceux qui voudraient en savoir plus sur le groupe, en 2025 nous les avions reçus pendant notre live annuel de 34h et vous pouvez retrouver l'interview juste en dessous.

Mòr

Canteleu

Toru

Bank Myna

mourir

Author & Punisher

Vacuous

nothing

King Yosef

Agriculture

Youth Code

Sylvaine

C'est après quelques minutes de conversation avec Théo, autour de ses différents projets musicaux, de leurs tournées et de leurs coups de cœur vus en concert, qu'Alex nous a rejoints pour démarrer l'interview.

Guillaume : Si quelqu'un n'avait jamais entendu Mourir et que vous deviez expliquer ce que vous cherchez à provoquer chez l'auditeur, que diriez-vous ?

Théo : À provoquer ?

Alex : De l'inconfort, je dirais. Et en même temps, une forme de transcendance ou de méditation, d'une certaine manière.

T : Oui, une sorte de transe.

A : Mais avec des moments qui te sortent très brusquement de là. Mais de manière... « pas bien », non, c'est pas les bons mots...

G : Pour « déranger », peut-être ?

A : Oui, mais pas vraiment non plus. D'une manière choquante qui conduirait à un malaise. Je dirais que c'est ça que Mourir cherche à faire.

G : Et il faut admettre que ça se ressent bien. Déjà dès les titres — je vous ai littéralement découverts il y a peu avec Nous, le Venin — et les titres représentent bien le malaise.

A : Ah, tu nous as découverts avec Nous, le Venin ?

G : Oui, j'avoue qu'on a reçu l'album chez Metal Sound Media et, moi qui n'écoute pas de black metal habituellement, je suis resté scotché de A à Z.

A : Mais tu es d'accord avec ça ?

G : Ah bah complètement, c'est une musique extrêmement violente émotionnellement. J'ai pris pour habitude d'écouter des groupes qui me font ressentir une sorte de malaise, que ce soit sur le traitement du sujet, du contexte ou de la musique.

T : Oui, on parlait d'Amenra tout à l'heure d'ailleurs.

G : Exactement, et on ressent le même genre de chose je trouve. On se laisse emporter par ce mur sonore et il y a beaucoup de passages qui, derrière, nous tirent de cet état. Dans un flou, sans vraiment d'explication.

T : Oui, tout à fait.

A : C'est dans le thème, et parfois on en sort complètement.

G : Voilà, c'est mon ressenti pour quelqu'un qui vous a découverts.

A : Mais tu as tout à fait raison.

G : D'ailleurs, par rapport à toute cette violence, je connais plus ou moins la réponse, mais qu'est-ce qui vous inspire à écrire tout ça ?

T : Bah, c'est le monde qui nous entoure.

A : Quand on parle de black metal, on pourrait dire que c'est une inspiration quelconque.

T : Un truc ancestral ou autre, je ne vais pas jeter la pierre, je vais juste énoncer des clichés. Tu as le camp sataniste, le côté « vampire-je-ne-sais-quoi » d'Europe de l'Est.

A : Il y a un folklore.

T : Oui voilà, les paysages nordiques ou autres. Mais nous, c'est plutôt le monde actuel. Ce monde dans lequel on vit.

A : La justice sociale, l'état du monde qui se dégrade.

T : En fait, c'est globalement cette sensation de vivre un effondrement de civilisation.

G : C'est ce qu'on ressent encore très bien en ce moment, aujourd'hui, avec le dérèglement climatique.

T : Oui voilà, que ce soit écologique — on en subit les effets actuellement.

A : Voir le niveau de vie qui se réduit alors qu'on nous parle de croissance.

G : Le capitalisme poussé à ses extrêmes.

A : La violence sociale extrême, aussi.

G : Je m'en étais douté un peu. Quand j'ai vu la liste des musiciens du projet et que j'ai vu quelqu'un de Bruit<, je me suis dit qu'on ne devait pas être loin des mêmes sujets.

T : Oui, il y a aussi les thématiques du son. Je considère vraiment que la musique qui a un sens, qui a un intérêt, au-delà de simplement faire un groupe de reprises, c'est celle qui réécrit le monde dans lequel on vit. On vit tous dans le même monde ; chaque groupe peut exprimer différemment ce qu'il ressent, mais nous, on parle de ce qu'on vit là.

A : C'est le sens de la musique, son utilité.

G : C'est aussi ce qu'on retient de plus en plus : tous les groupes qui marchent le mieux aujourd'hui, quel que soit le style, sont ceux qui portent ce genre de message.

Bon, petit changement de sujet : quand et comment avez-vous fait l'album Nous, le Venin ? Parce qu'avec Théo en tournée avec Bruit<, entre les différentes dates à droite à gauche...

T : Les gars bossaient pas mal sans moi.

A : Oui, finalement on avance aussi sans Théo. Comme tu dis, Théo est beaucoup absent.

T : En dehors des dates de Bruit<, je rattrapais mon retard ; les gars me faisaient des vidéos parfois pour que je puisse bosser sur des chansons déjà avancées. Et puis il y a eu un moment, en automne, où ça s'est calmé de mon côté, et on s'est mis à faire deux répétitions par semaine. On avait déjà les dates de studio calées, avec un album quasiment fini d'être écrit.

A  : Ah, on s'est mis un gros coup de jus : novembre, décembre, janvier. Ouais, c'est ça, jusqu'à fin janvier. On a eu trois gros mois.

T : En décembre, on a fait les pré-prods au studio, à Laval.

A : Après, on avait un mois de battement, et on est retournés à Laval pour faire la vraie prod. Pendant ce mois de battement, il a fallu bosser un max, parce que tu rentres toujours de pré-prod avec énormément de travail. Tu rentres avec un taf de malade, en te disant qu'il y a la moitié des compos à changer... Bon, j'exagère un peu, mais c'est quand même l'idée. « Ah, il y a des trucs qui marchent pas ! », « Ah, on a un morceau en trop, il faut en sacrifier un, lequel ? »

G : Attendez, vous avez dû faire un tri sur les morceaux ?

A : Ouais, on était partis en pré-prod avec 7 morceaux et on n'a pu en enregistrer que 6.

G : Ah, quand même.

T : On a dû retirer un morceau de quasiment 10 minutes parce qu'il ne rentrait pas sur le vinyle. Donc plutôt un enjeu technique — on ne pouvait pas faire autrement.

G : Et vous le gardez pour plus tard ?

A : On le garde pour plus tard, il existe toujours, mais on verra si on l'utilise ou pas. C'est bien d'avoir des choses en tête, d'avoir une base pour la suite. En tout cas, de ce truc-là naîtra quelque chose pour le prochain album. Je ne suis pas inquiet, il y avait de bonnes idées dedans.

G : Ça s'est déjà vu chez plein d'autres groupes par le passé, avec les limitations techniques aussi.

A : On a toujours plein de maquettes d'avance ; on a des maquettes qu'on n'a pas utilisées sur cet album, qui n'ont même pas servi à faire des V1 de morceaux.

T : Elles sont restées à l'état de maquettes.

A : Donc oui, on a plein de matos d'avance, plus des idées, des riffs, des trucs.

G : Vous avez des bases pour la suite.

A : On n'est jamais trop à court d'idées.

G : Et depuis quand avez-vous les premiers morceaux de cet album ?

T : Ah, les débuts de riffs, c'était pas il y a un an ?

A : Oui, une résidence en juin. On avait plein de maquettes conservées de l'album d'avant, et on a mélangé de vieilles idées et des idées neuves.

T : Et il y a des riffs qui traînent. C'est difficile de dire quand, sachant que certaines maquettes datent de plusieurs années.

A : Et des idées qui sont venues un mois avant le studio. Donc oui, difficile même de donner une période claire. Des idées qui viennent de moi, d'autres d'Olivier ; on a des choses qu'on construit ensemble, en répète. Il n'y a pas trop de règles.

G : Si ça peut vous flatter, ça me fait aussi penser à la composition chez Godspeed You! Black Emperor, où certaines idées naissent au hasard, restent travaillées un peu en répétitions, en concert parfois, et n'arrivent en studio que 4 à 5 ans plus tard, comme le disait Efrim Menuck. Mais ça reste compliqué à savoir, vu le peu d'interviews du groupe et ce refus d'être une personnalité, le visage du collectif.

T : Ah oui, mais ça ne m'étonne pas vu le message du groupe. On avait fait un concert lors d'un festival où ils étaient, au Portugal, et Efrim était vraiment en train de boire des coups tranquille, sans se soucier de son image.

G : Oui, et j'avoue qu'on pourrait parler des heures de Godspeed, mais l'heure tourne. Question concernant Nous, le Venin : à quoi correspond le « nous » ?

T : Bah, c'est « nous » !

G : Vous ?

T : C'est toi, c'est moi... plus lui, plus elle, et tous ceux qui sont seuls. (rires)

G : La pire référence.

T : Surtout depuis qu'il a saccagé sa carrière avec du Oasis sur un piano dans une gare.

G : Ah merde, j'avais oublié.

A : Comment il s'appelait déjà ?

T : Greg ? Grégory ?

G : Grégoire !

T : Bien joué. (rires) Mais sinon oui, c'est un peu ça, c'est nous tous.

A : Alors Olivier t'en parlerait mieux, parce que c'est lui qui écrit les paroles. Mais oui, si on doit définir des pronoms pour les albums : Disgrâce, c'est « tu » ; Insolence, c'est plutôt « je » ; et finalement, Le Venin, c'est « nous ». Tu vois, Disgrâce, c'est un constat sur le monde. C'est triste, une sorte de sidération face à un monde qui part un peu en vrille, comme on le disait avant, avec les violences. Insolence, il y avait un côté « il faut que je me sorte les doigts », « j'ai envie d'agir ». Une sorte d'activisme, tu vois ? Provoquer la révolution. Et Nous, le Venin, c'est un peu un retour en arrière, avec une espèce de constat un peu triste à se dire : « mais en fait, je fais partie du problème ». C'est donc « nous », ici.

G  : C'est une superbe idée, ce pronom.

A : Je ne vais pas faire l'artiste en disant « ça m'est venu comme ça », mais c'est vrai qu'avec le « Nous » sur le dernier album, j'ai vite pensé à ça. Mais à reconfirmer avec Olivier, parce que comme ce sont ses paroles, je ne veux pas trop parler à sa place.

G : Oui, je comprends parfaitement. Qu'est-ce qui a changé dans votre rapport à la musique depuis Animal Bouffe Animal ?

A  : Moi je crois, et je dirais essentiellement, que c'est l'arrivée de Théo qui a changé beaucoup de choses. Parce qu'en fait, nous, on est toujours le même noyau dur initial. Donc on a nos habitudes de vieux gars de 40 ans. Donc même si on teste des choses, finalement ça reste toujours au même niveau, on est dans une plaine. Déjà entre Animal et Disgrâce, il y a un gros écart, parce qu'Animal, c'était les chutes de compos du one-man-band d'Olivier qui s'appelait Vermine, une autre forme de black metal, qui était super bien.

T : Qui n'est pas nazi ! Il faut le dire, parce qu'il existe un autre projet Vermine, mais ça n'a rien à voir.

G : Ok, j'ai eu un doute pendant un instant en entendant le nom.

A : Alors oui, mais Olivier a fait son truc avant l'autre, le nazi. Donc allez écouter le Vermine pas nazi sur Bandcamp, c'est une pochette blanche et c'est super cool.

G : Je mettrai le lien.

A : Merci. Et donc c'est Olivier qui a tout fait, et après il a voulu continuer au format groupe. Il a recruté des gens, dont Maël et moi, sauf qu'on ne vient pas du black metal, on n'avait pas les codes vu qu'on n'en écoute pas, on n'a pas la culture. Olivier nous a appris un peu, et sur Animal, on apprenait avec Olivier qui avait tout fait. Pour Disgrâce, je pense qu'on avait compris les codes et on a pris part à la composition, donc une étape importante. Et là, il y a eu une autre étape avec l'arrivée de Théo. Théo est arrivé et a amené une autre facette, un peu plus noise, une culture un peu plus mur du son.

T : Avec des contrastes sonores.

A : Notre deuxième étape dans la discographie, quand il est arrivé pour l'EP Insolence.

T : L'idée, c'était de sortir un EP le plus « à l'arrache » possible, un truc pour avoir un entraînement, une sortie bonus avant de tourner. Une manière d'essayer de nouvelles choses, de m'intégrer au projet, sachant que je ne suis pas bassiste à la base. Et ça nous a aussi donné une base pour travailler sur la suite.

G : Donc finalement, ce qui a surtout changé, c'est l'arrivée progressive des musiciens ?

T : Oui, et je pense que l'intégration de nos influences dans notre jeu aussi, entre les fans de post-metal et nos groupes préférés en black metal maintenant.

A : Oui, on trouve aussi ce qu'on a en commun pour le travailler. Là, on se situe à la croisée de plusieurs chemins, qui sont nos influences respectives...

Photos de concert par notre beau Gauvain Gaggini

IMMINENCE

KANONENFIEBER

IMPARFAIT

CALVA LOUISE

AFTER THE OUTBREAK

WIND ROSE

Le festival a su rassembler tous les publics, les petits comme les grands, sous un beau soleil et une bonne ambiance sur tout le week end.

Merci à toute l'équipe du plane R fest pour leur confiance et nous avoir permis de venir couvrir leur événement. 

Un CD à gagner dans cet interview. Vous retrouverez les instructions dans la vidéo !
Tirage au sort dans les commentaires ayant la bonne réponse le 01/08.

Six ans de silence, et la difficile épreuve de la reconquête.

17 juillet 2026 - SharpTone Records

Peu d'albums de l'ère contemporaine auront été attendus avec autant d'intensité que ce troisième effort de Loathe. Six ans après I Let It In And It Took Everything, disque qui avait imposé le groupe de Liverpool comme l'un des plus influents de la scène metal alternative, l'attente aura été aussi longue que difficile à assumer. Erik Bickerstaffe l'a lui-même reconnu sans détour : l'album n'était, pendant longtemps, simplement pas terminé. Une explication à contre-courant des théories qui avaient fleuri autour de ce silence prolongé, mais qui a le mérite de la franchise. Kadeem France, de son côté, a évoqué une pression bien plus insidieuse : celle d'un public parfois incapable de distinguer l'artiste de l'homme, au point que le chanteur a fini par se retirer de certains réseaux sociaux pour tenir la distance. 

Kadeem France — chant 

Erik Bickerstaffe — guitare, chant, production 

Sean Radcliffe — batterie 

Feisal El-Khazragi — basse, claviers, chœurs

Cette genèse chaotique éclaire en partie le titre de l'album. Bickerstaffe le décrit comme la traduction d'un temps trop long sans dialogue entre le groupe et le monde qui l'entoure. A Stranger To You naît de cette distance, de cette étrangeté ravivée, et l'ensemble du disque semble construit comme une tentative de renouer le fil.

Sur le plan strictement musical, Loathe reste fidèle à son identité : un équilibre précis entre passages écrasants, quasi industriels, et embellies mélodiques, aériennes, parfois dansantes. La production, entièrement supervisée par Bickerstaffe lui-même, pousse cette dualité plus loin encore, fusionnant guitares baryton et frappes de batterie chaudes, presque organiques, dans une masse sonore dense et hyper-calibrée. Un choix esthétique assumé, qui pourra diviser à l'écoute au casque, mais qui témoigne d'une vraie volonté de proposer autre chose que la simple redite d'une formule qui avait pourtant tout gagné.

Il faut bien l'admettre : la qualité de ce disque est indéniable. Si n'importe quelle autre formation avait signé A Stranger To You, l'album serait probablement déjà considéré comme la pièce maîtresse de sa discographie. C'est dire l'exigence à laquelle Loathe s'expose en revenant après un album aussi marquant que I Let It In And It Took Everything.

L'album s'ouvre sur "Entrance", où Kadeem France installe un spoken word délicat porté par des nappes de claviers fragiles, en compagnie de bucki sugar, collaborateur régulier dont la voix parlée reviendra à plusieurs reprises tout au long du disque comme un fil conducteur. "Block Of Flats" prend ensuite le relais avec une tension plus trouble, jusqu'à une explosion post-hardcore où s'invite Olli Appleyard, de Static Dress. Ce sont des choix de featuring qui ne relèvent jamais du simple argument marketing : chaque invité, de NOWHERE2RUN sur "Revenant" à Mansur Brown sur "The Way It Breaks" en passant par Jordan Rakei sur "The Ladder", vient nourrir une couleur précise du disque plutôt que s'y imposer.

C'est justement dans cette recherche de nuances que A Stranger To You surprend le plus. Dès la première écoute, l'album semble tendre bien davantage vers la douceur que ses deux prédécesseurs, et ce n'est certainement pas la conclusion de "Gifted Every Strength" — absente de sa version single — qui viendra contredire cette impression. Les mélodies chantées, les riffs planants, les guitares acoustiques occupent une place inédite dans la discographie du groupe. "The Ladder" en est sans doute l'exemple le plus frappant : un titre presque murmuré, où l'intimité d'une prise de studio semble transparaître à travers chaque note.

Ce basculement vers davantage de retenue a de quoi dérouter une partie de l'auditoire. Les amateurs de bagarres en concert et de passages les plus brutaux du groupe pourraient légitimement ressentir une forme de frustration. Mais cette économie de moyens profite paradoxalement à la lourdeur, quand elle survient : elle n'en ressort que plus marquante, plus méritée, presque plus rare.

Si un reproche devait être formulé, il concernerait davantage la construction de la tracklist que le contenu des morceaux eux-mêmes. L'enchaînement choisit à certains moments de brusquer l'auditeur plutôt que de l'accompagner. "Revenant" en est l'exemple le plus net : sorti en single, porté par une intensité redoutable, le morceau semble pourtant émerger de nulle part une fois replacé dans le corps de l'album, presque en délicatesse avec ce qui l'entoure. Une position qui dessert, à mon sens, l'un des titres les plus marquants du disque.

Reste que l'obstacle principal de cet album n'est probablement pas à chercher dans ses choix de production ou de séquençage, mais dans l'ombre portée par son prédécesseur. Comment prolonger l'histoire d'un disque devenu, en quelques mois à peine, une référence générationnelle ? Loathe ne cherche jamais à reproduire I Let It In And It Took Everything, mais la comparaison, elle, s'impose inévitablement à chaque écoute.

C'est peut-être pour cette raison que "No Stranger To You…", titre de clôture, prend une dimension particulière. Le morceau referme la boucle amorcée par le titre de l'album : après six ans d'éloignement, le groupe retrouve un semblant de proximité avec son public. Sur le plan sonore, la pièce renoue avec les textures qui avaient fait la réputation de I Let It In And It Took Everything, mais avec une maturité et une pudeur nouvelles, comme le reconnaissent unanimement les premiers retours sur l'album. Un point d'orgue qui ne cherche pas l'éclat, mais la justesse — et qui n'en est que plus bouleversant.

Six ans de silence, six ans d'attente, six ans à se demander si cette histoire méritait vraiment d'être prolongée. A Stranger To You n'apporte pas de réponse définitive à cette question — aucun disque ne le pourrait. Mais il offre quelque chose de plus rare : la preuve qu'un groupe peut revenir transformé sans jamais trahir ce qu'il était. Loathe ne cherche plus à surprendre à tout prix, ni à réécrire I Let It In And It Took Everything. Il cherche simplement à se retrouver. Et à travers cette dernière poignée de minutes, l'auditeur, lui aussi, se retrouve un peu.

L'étranger, finalement, n'en est peut-être déjà plus un.

En vrac :

• Jour 1 : The Ringards, Jools, Night Swimming, Ladylike, Hunny Buzz, Heavy Lungs, Stuzzi
• Jour 2 Packaging, Ribbon Skirt, Blanket, Death Sells, Circus Trees, The New Cut, KatzPascale, Theatre
• Jour 3 Cruush, Dutch Criminal Record, Charlie Houston, One Sentence. Supervisor, Bleach Lab, Flooding

Par ailleurs, n'hésitez pas à découvrir nos photos :

https://metalsoundmedia.com/articles/835/live-report-supersonic-s-block-party-2026-decouverte-du-jour-1

https://metalsoundmedia.com/articles/836/live-report-supersonic-s-block-party-2026-decouverte-du-jour-2

https://metalsoundmedia.com/articles/837/live-report-supersonic-s-block-party-2026-decouverte-du-jour-3

Alors cette année encore, on a embarqué micro et caméra pour aller fouiner là où on ne regarde jamais. Direction Montcul, à la rencontre de celles et ceux qui transforment un champ en festival, et un festival en famille.

On a suivi les bénévoles du bar, toujours à fond, l'équipe du merch Plane'R, les artisans du coin… bref, toutes ces petites mains sans qui ce beau bordel n'existerait tout simplement pas. On a vu de la sueur, entendu des fous rires, croisé beaucoup de fatigue et encore plus d'amour.

Le résultat, c'est un reportage sincère, un peu barré et forcément bruyant, exactement comme Montcul sait l'être.

Du merch à gagner !

Comme chaque année, on repart avec des cadeaux à faire gagner grâce aux Sonorités de Montcul. Cette édition 2026, il y a de quoi se faire plaisir :

• un t-shirt édition 2026
• une casquette
• un bonnet
• un tour de cou pour trimballer sa boisson préférée
• 2 gobelets officiels du Plane'R
• des stickers
• un tote bag pour tout ranger.

Pour tenter ta chance, une seule chose à faire : laisse en commentaire de la vidéo YouTube ta meilleure anecdote du Plane'R. Pas d'anecdote du Plane'R ? Ta meilleure histoire de fest fera très bien l'affaire.

Tirage au sort pendant l'émission des "34h", les 18 et 19 juillet 2026, sur notre chaîne Twitch.

Un immense merci au Plane'R Fest et à toute l'orga, aux bénévoles, aux festivaliers et à Mme Le Maire pour leur temps et leur bonne humeur. Merci à Elodie d'Ellie Promotion, à Paco de Médiatone et surtout à Jonathan des Sonorités de Montcul pour les cadeaux.

On se retrouve l'année prochaine !

Cette petite vidéo a vocation à vous présenter les 34h, notre émission en livestream sur Twitch, LE rendez-vous de l'été (enfin, on espère). Cette année, l'émission aura lieu pendant le week-end du 18/19 juillet ! 34h, pourquoi ? Parce qu'on reste en direct sans s'arrête de samedi matin à dimanche soir. Oui, c'est un peu fou mais on fait ça tout les ans. Pire, c'est marrant ! Pire encore, il y a des personnes qui nous suivent tout du long sans dormir, et ça ça vaut des points !

Vous trouverez le lien vers notre chaîne Twitch ci-dessous !
Twitch : https://www.twitch.tv/metalsoundmedia

On peut déjà nommer quelques groupes que nous recevrons pendant l'émission si tout va bien : Lafayette, Shotgun Logic, Sledgehammer, Buy Jupiter. Et ça s'écoute ici : https://youtube.com/playlist?list=PLYhgqBqkjj9g&si=XD0D9NoYHG308I93

La vidéo où je cous donne plus de détails :

Au revoir, à bientôt.

À travers l'histoire de F♯ A♯ ∞, nous explorons également les quartiers oubliés de Montréal, l'influence de la désindustrialisation sur l'œuvre, l'arrivée chez Kranky, la naissance de Slow Riot for New Zerø Kanada, de Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven et de A Silver Mt. Zion, ainsi que l'héritage immense laissé par le collectif sur plusieurs générations de musiciens.

Un voyage entre documentaire musical, mémoire urbaine et poésie des ruines.

Le Podcast est évidemment disponible sur toutes vos plateformes préférées.

Sources principales :

• Fearless (BBC Radio) – Godspeed You! Black Emperor
• Archives et interviews d'Efrim Menuck
• Archives de Constellation Records
• Archives de Kranky Records
• Interviews de Don Wilkie et Ian Ilavsky
• Livrets originaux de F♯ A♯ ∞ (vinyle et CD)
• Documentation Hotel2Tango
• Archives de concerts et setlists du collectif

Une bonne occasion pour Projector de présenter son nouveau titre exclusif présent dans le magazine (NDLR : le titre S.O.M.O.D. en français a déjà été joué lors de leur précédent passage en France). Car si vous ne le saviez pas, le numéro 12 s'accompagne de deux vinyles 7 pouces avec :

• 1 split entre Jack And The Bearded Fishermen et Untitled With Drums,
• 1 EP de Projector.

À retrouver sur leur site internet : https://www.mowno.com/produit/mowno-12/

Trainfantome (Indie-Gaze - Lorient)

La soirée débuta donc avec le projet Trainfantome, à ne pas confondre avec leur homonyme en deux mots, un projet tout droit venu de Bretagne. Le combo était venu défendre notamment son nouvel album, Constant Farewells, paru en mai dernier.

Une bonne occasion pour découvrir pleinement leur musique qui mélange beaucoup de choses : Shoegaze, Post-Punk, Emo Rock... Bref, un bon petit cocktail sympathique qui, couplé avec leur sympathie, ne pouvait nous faire passer qu'un bon moment.

Après, petit détail amusant, le chanteur et le claviériste avaient des chemisettes de la marque Peavey et la plupart de leurs amplis étaient affublés du logo (officiellement ou non), un amour pour la marque ou un petit gimmick amusant ? Faudra leur demander ça un jour pour éclaircir tout ça ...

Ile de Garde (Synth-Punk - Rennes)

Véritable découverte pour moi ce soir, ce trio mêle Synthwave, Punk et EBM avec du spoken word ou du chant. De quoi nous proposer des ambiances assez riches et variées. Les textes sont déclamés, ou chantés, en français, en anglais et même en italien !

La chanteuse vit d'ailleurs complètement sa musique de manière très expressive, ce qui ne peut que nous convaincre davantage que de l'écouter sur, notamment, Homicide Volontaire ou le très actuel Fear the Sun. Pour ce dernier, la chanteuse n'a pas pu s'empêcher de remarquer qu'il y a 4 ans, lorsqu'elles le jouaient, le public n'avait pas du tout la même réaction que maintenant en pleine canicule.

Bref, une très belle surprise avec une superbe énergie, certainement aidée par l'idée d'une membre du public de rassembler aux premiers rangs les différentes femmes venues assister au concert pour qu'elles puissent voir et en profiter pleinement. Une démarche reprise d'ailleurs pendant Projector.

Projector (Post-Punk - Angleterre)

Après avoir adoré leur passage à Reims en 2025, j'étais obligé de les revoir, surtout pour découvrir le nouveau morceau !

Projector est un quatuor de Post-Punk avec une sublime alchimie sur scène ! Entre les regards complices, les sourires échangés et les rires francs, on sent que l'ensemble du groupe prend un plaisir fou à jouer ensemble ! Et la bonne humeur est facilement contagieuse…

D'autant plus que le chanteur avait prévu plein de petits papiers en français pour chacune de ses différentes interactions. Bien que pas forcément super clair par moment, il était assez rigolo de voir qu'il tenait absolument à tout faire en français. Cela passait par des compliments envers le public, "tout le monde est beau", envers les premières parties, "j'adore", mais aussi par leur chanson S.O.M.O.D., "cette chanson parle du serpent qui mord sa propre queue". Bien qu'écrit en phonétique, certains mots lui ont donné du fil à retordre, comme "vous criez" qu'il a dû reprendre plusieurs fois.

Bref, c'était un superbe moment, empli de bonne humeur, qui est passé à vive allure ; faut dire que par moments les morceaux s'enchainaient sans interruption.

Maintenant, il ne reste plus qu'à écouter le petit vinyle pour redécouvrir I Need A Lie Down à tête reposée…

Dans ce lieu mythique de la ville, il a su raviver la ferveur antique qui sommeille en chacun de nous. Et malgré la chaleur, le public était au rendez-vous pour les 80 ans du festival des Nuits de Fourvière qui affichait complet.

Jack White oblige, les photographes étaient interdits ce soir-là. Vous devrez vous contenter des quelques photos que j'ai pu prendre avec mon Lumix DMC-TZ6, tout droit sorti du fin fond du placard de mon enfance pour vous délivrer ses "magnifiques" clichés.

Mêlant à la fois rock'n'roll et blues des années 70-80, l'artiste est surtout connu pour son groupe légendaire des années 2000, les White Stripes.

Depuis la fin du groupe en 2011, et de ses autres aventures musicales, il a entamé une carrière solo. Et le voilà, 15 ans après, pour nous présenter quelques morceaux issus son prochain album qui sortira le 10 juillet prochain : Frozen Charlotte.

Entre riffs endiablés, jeu de lumières bleues et guitares saturées, il nous a offert un concert comme lui seul sait en donner.

Mais évidemment, en plus de ses propres compositions, il nous a aussi joué des morceaux cultes des White Stripes et Raconteurs.

Après plus de 1h30 de show et un rappel, il nous a laissés sur l'emblématique Seven Nation Army.

Si vous êtes encore là à me lire et que les photos ne vous ont pas fait mal aux yeux, bravo.

Et si vous souhaitez m'aider à m'acheter un meilleur appareil photo, vous pouvez retrouver le bouton de donation en bas du site 😛

J'espère que vous avez su répondre présent à l'invitation. Non ? Vous avez préféré aller voir Linkin Park ou bien regarder le match de la France ? Comme vous voulez.

En tout cas, vous avez manqué un beau concert mêlant scène française et locale avec les Lyonnais de Lafayette en première partie et scène australienne.

Lafayette

Les Lyonnais sont venus nous présenter en avant-première quelques morceaux de leur EP qui est sortie le soir même à minuit.

Et si vous en voulez en savoir plus sur le groupe, mon petit doigt me dit que vous allez prochainement les revoir chez nous. Mais chut ! C'est un secret !

Thornhill

Après la scène locale, place à la scène australienne avec Thornhill qui a su faire monter la température et faire transpirer à grosses gouttes son public dans la petite salle du Club Transbo.

Avec l'énergie qu'on leur connaît, le groupe a su la communiquer à son public sans déroger à leur règle de partager la scène avec eux.

En effet, aucun dilemme cornélien ne semble pointer le bout de son nez ...

Et si vous voulez découvrir une partie des morceaux diffusés (certains n'étant pas disponibles sur les plateformes), voici quelques playlists :

• Deezer

• Spotify :

Sinon, vous pouvez découvrir la playlist officielle juste ici sur Qobuz, plateforme de streaming française garantie sans IA générative : https://open.qobuz.com/playlist/64037689

Artio (Rock Alternatif - UK)

Dur d'arriver à l'heure avec les bouchons de la région parisienne, mais heureusement pour moi j'ai réussi à voir les 2/3 du premier groupe de la soirée : Artio !

Un quatuor anglais nous proposant du Rock Alternatif queer et engagé qui a sorti son nouvel album, Soul Rot, en janvier dernier.

À voir ce que leur musique peut donner en studio, car les différentes bandes que l'on pouvait entendre durant les morceaux n'étaient pas toujours parfaitement audibles. Leur musique semblant bien produite, c'était donc un brin dommage de ne pas pleinement en profiter.

La prestation était néanmoins très réussie, le groupe était d'ailleurs content de voir qu'autant de monde était déjà là pour les voir.

Overgrown (Rock Alternatif/Grunge - UK)

Artio avait déjà pu jouer une fois à Paris, mais Overgrown découvrait le public parisien ce soir. Leur musique était déjà plus dynamique que le premier groupe avec ce côté Grunge pleinement assumé, même dans le chant plus saturé.

Bien que leur musique fût plus propice aux pogos, ce n'était pas tellement l'ambiance qui y régnait dans le public (NDLR : même pour la tête d'affiche). Même si l'appel d'un circle pit a réussi à trouver preneur parmi quelques personnes. Ce qui abouti à un résultat un brin timide, mais rempli de bonne humeur. Il semblait d'ailleurs qu'il y avait quelques fans dans le public puisque plusieurs personnes n'hésitaient pas à chanter durant la quasi totalité du concert !

On était donc parfaitement en conditions pour assister au clou de la soirée !

Yonaka (Rock Alternatif - UK)

On peut dire que le public était plus qu'impatient de voir le quatuor Yonaka ! Paris étant la deuxième date de la tournée, on comptait pleinement découvrir les nouveaux morceaux avec un groupe encore bien frais !

Et bien sûr, tout y était parfait ! Le rythme effréné des chansons, les seuls moments de pause servaient à introduire quelques singles, l'énergie du quatuor, la fougue et l'entrain palpable du public, les jeux avec le public de la part de la chanteuse Theresa… Vraiment tous les ingrédients étaient réunis pour nous attraper et nous galvaniser tout du long ! Même si, vu l'atmosphère qui régnait aux premiers rangs, leur cause était déjà acquise. En effet, il y était rare de ne pas trouver quelqu'un qui chantait toutes les paroles tout du long.

C'est notamment pendant Trouble Follows que Theresa se rendit compte que le public était plus qu'enclin à chanter avec entrain. Pas besoin d'expliquer longtemps qu'il fallait répéter le titre de la chanson pour que la foule chante tout le refrain a cappella sans qu'on lui demande quoi que ce soit. Ce qui a valu que la plupart des refrains ont été laissés au public pendant la chanson.

Que ce soit les morceaux indétrônables ou les vieux singles, toutes les chansons ont été accueillies avec grand plaisir, que ce soit en électrique ou en acoustique ! Car, pour chaque concert, nous avons le droit à un morceau acoustique au milieu du concert. Malgré quelques propositions du public plus que pertinentes, Theresa nous a entonné Do it for you en "espérant que ça nous plaise". Ces moments sont toujours suspendus et ne ruinent en rien l'énergie du concert. Il le renforce même en le rendant plus fascinant encore.

Bref, avec un public aussi extatique, dansant et chanteur, il était dur de rester insensible à cette soirée, que ce soit pour nous ou pour le groupe. Theresa n'a d'ailleurs pas manqué de le rappeler à grands coups de "Je t'aime" ou "Je t'adore" pendant le concert. On peut dire aussi qu'il nous le rendait bien, car le groupe n'hésitait pas à jouer avec le public, notamment Theresa qui aimait chanter au plus près des personnes aux premiers rangs ou le batteur qui aimait se mettre debout sur sa batterie pour mieux voir le public.

On n'aurait quand même pas dit non à un petit quart d'heure de plus, mais la prestation était tout de même assez exceptionnelle pour nous contenter totalement et nous faire repartir avec des étoiles dans les yeux.

Les australiens de Thornhill ont ouvert les hostilités en nous présentant un mélange de metalcore et de nu-metal. Et à quoi ça ressemble, du nu-metalcore ? Un rythme lent, de belles mélodies, et du chant clair, le tout enrobé de parties screamées bien nerveuses. Et pour passer de l’une à l’autre, des breakdowns écrasants bien sûr ! Le groupe nous a offert un très beau set et une petite surprise en clôture : un featuring avec le frontman de Paleface Swiss, Zelli, qui est venu hurler la fin des lyrics de « Nerv », histoire de nous préparer pour la suite.

Paleface Swiss

Mais nous n'étions pas prêts.

Les Suisses ont toujours préféré rester neutres, et pourtant le début du concert de Paleface Swiss a sonné comme une déclaration de guerre. Les lyrics sont mitraillés, les riffs de guitare cognent à chaque attaque, et chaque break explose littéralement. Difficile de faire plus lourd et plus agressif que le mix de deathcore et beatdown proposé par le groupe. La rapidité et la violence du deathcore se marient parfaitement bien avec les phases lentes et lourdes du beatdown offrant un terrain de jeu parfait pour le mosh et le slam. Et ça s’est vu : la salle était aussi électrique que Zelli, qui n’a pas eu besoin d’insister pour déclencher un tsunami de crowdsurfeurs ! 

Et quel talent chez ce dernier, il oscille entre hurlement, rap, chant et scream avec une aisance folle tout en donnant l’impression qu’il ne s’arrêtera jamais ! Summum de la violence : son rap screamé qui ressemble presque à un aboiement venu tout droit des enfers. 

Nous avons pu profiter d’une courte trêve avec les jolies mélodies d’« Everything is Fine », avant que le groupe nous enterre sous un son toujours plus brutal. Paleface Swiss était venu pour ravager Den Atelier, et à en juger par le nombre de corps qui ont volé au-dessus de la fosse tout le long du concert et le chaos qui y régnait, la mission est accomplie.

Après un peu plus de 35 ans d'existence, le groupe est toujours présent même si depuis leurs débuts, le groupe s'est un peu fatigué. La scène du Transbo était un peu trop grande pour eux, mis à part Neil Fallon (chanteur) qui parcourrait la scène de gauche à droite, le reste du groupe est resté très statique. Ce qui a rendu le show un peu vide, même s'il y avait de l'ambiance dans le public. Tim Sult (guitare) et Dan Maines (basse) sont restés en retrait, campé derrière leurs pedalboard, sans forcément trop regarder le public. Un peu dommage qu'ils n'aient pas voulu faire un peu plus d'interaction avec nous.

De quoi nous captiver tout du long de notre soirée...

Pria (Pop/Trip hop - Paris)

Pour commencer en douceur, il était temps de découvrir l'univers paisible de Pria. Un projet autour de deux sœurs franco-roumaines, Emilie et Stéphanie Pria, qui nous partagent une musique électronique à la croisée des chemins entre Pop Alternative et Trip hop. Toutefois ce soir, il n'y avait qu'Emilie sur scène, Stéphanie était vraisemblablement présente dans la salle, mais pas sur scène.

Ainsi, Emilie jouait du piano ou chantait seule sur scène, bien qu'accompagnée de quelques pistes sur bandes qui apportaient du corps à l'ensemble. D'autant plus que sa voix chaude et chaleureuse était particulièrement bien mise en valeur par quelques chœurs ou la mélodie envoûtante qui l'accompagnait.

Le concert s'est d'ailleurs conclu par leur prochain morceau, Magnificat, cantique de la Vierge Marie, qui, pour citer Emilie "est engagée, voire révolutionnaire, car, étant enceinte de Jésus, elle est très passionnée sur le basculement prochain des choses".

Un magnifique moment suspendu et émouvant qui avait de quoi nous laisser songeurs pour la suite ...

Totorro (Math-Rock instrumental - Rennes)

Les ayant manqués à Reims, à cause de l'annulation de leur date par l'organisation, puis à leur release party à Paris, j'étais bien décidé à aller les voir cette fois-ci ; surtout que mon père m'en avait beaucoup vanté les mérites sur scène !

Et pas de surprise ici, Totorro en concert c'est une sacrée expérience ! Déjà que leur musique alambiquée est très lumineuse et joyeuse, la prestation scénique du quatuor amplifie grandement cette impression. Il est en effet rare de voir un projet musical aussi chaleureux sur scène : les francs sourires, les blagues et jeux ne s'arrêtent jamais ! Entre grimaces, mimes de ping-pong, cache-cache et différentes taquineries, on sent que l'on est face à une bande d'amis qui s'amusent comme des petits fous à nous proposer leur musique.

Ce qui donne directement au concert une saveur bien particulière où tout est partage dans la joie et la bonne humeur ! Et ce n'est pas les différentes interactions avec le public qui diront le contraire !

Bref, un moment incroyable où l'heure a filé à vive allure, surtout avec ce public très réceptif et participatif.

BRUIT ≤ (Post-Rock - Toulouse)

Il y a des choses immuables en cette Terre et la puissance de BRUIT≤ en concert en fait partie. Ce combo Toulousain, partout où il passe, a le chic de délivrer des prestations incroyablement denses et intenses. L'énergie des compositions studios prend une autre tournure et une force décuplée lorsqu'elles sont interprétées avec autant de ferveur. Que ce soit celles du nouvel album, The Age of Ephemerality, leur premier album, The Machine is Burning and Now Everyone Knows it Could Happen Again, ou leur EP, Monolith, toutes semblent trouver davantage d'écho lorsqu'elles résonnent avec un public.

• What is Life ?
• This is MUSIC
• What is music ?
• This is art
• What is art ?
• This is politics

Les visuels s'enchaînent en synchronicité avec la musique, de quoi nous captiver encore plus si nos cinq sens n'étaient pas déjà tous pris par ce que l'on écoute.

Mais arrive un moment où il faut bien se présenter, et ce moment fatidique prend place avant le dernier morceau. Clément se permet alors de présenter le projet, de remercier et de complimenter les premières parties, ainsi que de rappeler que ce soir est la dernière date de leur voyage le plus intense pour eux (2 mois et demi de tournée entre la Chine et l'Europe) avant d'attaquer les festivals estivaux. Le groupe est d'ailleurs absent des plateformes de streaming, hors YouTube ou Bandcamp, car il croit au pouvoir du bouche-à-oreille qui permet de faire vivre la scène indépendante et qui leur permet de vivre dans cette "fragile utopie".

Commence alors le morceau qui m'avait grandement marqué il y a quelques années et qui, pour moi, est un incontournable : The Machine is Burning. Une pièce grandiloquente et majestueuse qui ne peut vous laisser insensible.

Bref, un concert où le son, impeccable et massif, accapare tous nos sens pour nous délivrer un moment intense et unique.

Pour les personnes désireuses de connaître BRUIT≤ ou ayant manquées cette magnifique version :

Bank Myna (Cathartic Doom - Paris)

Le quatuor était donc de passage dans la ville des sacres pour nous proposer quelques morceaux de son excellent album Eimuria. L'ayant dévoré en 2025, il était dur de ne pas se laisser tenter par l'aventure malgré la chaleur écrasante qui régnait ce jour-là.

Le quatuor y a donc joué la quasi-totalité de son dernier album dans l'ordre, hormis la première piste, No Ocean Of Thoughts. De quoi donc nous plonger dans l'univers évocateur et puissant d'Eimuria, mais aussi une belle occasion de promouvoir son EP Live aux Beaux-Arts de Paris sorti quelques temps auparavant.

Et on peut dire que les 50 minutes sont passées à vive allure, tellement la prestation était intense. La musique en elle-même est déjà bien envoûtante sur album, mais la réentendre en concert a quelque chose d'encore plus prenant.

Par ailleurs, la chanteuse, violoniste et claviériste n'hésitait pas à venir danser ou chanter entre nous pendant les moments où seule sa voix était de mise. De quoi nous plonger encore davantage dans leur univers.

Bref, un beau moment suspendu qui a eu au moins le mérite de nous faire oublier la chaleur quelques temps...

Le projet est aussi à retrouver à l'affiche du Rock in Bourlon le 26 juin prochain.

Si l'article a piqué votre curiosité, vous pouvez retrouver nos différents articles sur le groupe juste ici :

• Chronique de l'album Eimuria
• Interview vidéo du groupe au complet en 2025

Le 29 mai 2026, Devin Townsend a sorti son nouvel album, The Moth. J'adore ce musicien, je devais donc prendre quelques instants pour vous en parler !

Pour écouter l'album, c'est par ici :

https://devintownsend.bandcamp.com/album/the-moth-deluxe-edition-24-bit-hd-audio

Et pour voir la vidéo, c'est par-là :

Au revoir, à bientôt.

Malgré quelques difficultés pour arriver dans les temps, j'ai eu le plaisir de découvrir mon compatriote rémois Parsa Sabet !

Parsa Sabet (R&B/Soul - France)

Si j'ai pu décrire Parsa Sabet comme étant un projet de Reims, il aurait été plus exact de dire qu'il né en Iran et qu'il a grandi en Malaisie avant de choisir la région Grand Est.

À cause des bouchons parisiens, j'aurais quand même pu profiter de la dernière moitié de son concert où j'ai pu découvrir une musique riche en influences ! On vogue entre la Pop, la Soul, le R&B, le Math Rock voire le Surf Rock pour un cocktail calme et lumineux. Une atmosphère douce qui nous a donc permis de nous rafraichir quelque peu.

Il était tout de même nerveux, car sa famille était présente dans la salle, même son neveu y découvrait son premier concert ! Un bel "aura farming" qui rendait le concert encore plus spécial à ses yeux. C'est d'ailleurs ses parents que l'on peut retrouver dans le clip de valery.

En concert, l'artiste chante et joue de la guitare avec un autre guitariste, Victor Grosselin, le reste des ambiances et mélodies étant sur bandes. Et je pense que ça manquerait d'un petit quelque chose en plus en live, je ne sais pas si l'ajout d'un percussionniste/claviériste pourrait justement aider. Il faut dire que sans connaître l'artiste, il n'était pas forcément aisé de tomber dans cet univers bien différent de ce qui allait suivre.

Geordie Greep (Rock/Jazz/Bossa Nova - Royaume Uni)

Le changement de plateau se faisant tout doucement, plusieurs musiciens du projet vont et viennent sur scène faire les ultimes balances. Mais ce n'est que quand Geordie Greep passe quelques minutes sur scène que je me rends compte du phénomène : les premiers rangs l'acclament déjà ! On sent que le public est là pour en profiter et que les attentes sont grandes...

Et j'espère qu'elles ont été atteintes, car ce n'est pas moins de deux bonnes heures de concert qui nous attendaient ! Le groupe a en effet joué la quasi-totalité de son album ainsi qu'une reprise de Lovely Day de Bill Withers. Et si vous connaissez un tant soit peu l'artiste, vous devinez aisément que l'album ne dure pas aussi longtemps. Il faut dire que le concert était quelque peu étrange avec des improvisations quasi constantes sur l'ensemble des morceaux, avec comme fil rouge parfois juste une petite mélodie de la chanson. Même le tube Holy, Holy n'a pas été épargné par ce traitement entre le tempo beaucoup plus important et la seconde moitié du morceau complètement transformée.

De quoi désarçonner les personnes comme moi qui s'attendaient à l'album avec seulement quelques expérimentations supplémentaires. Car le concert nous faisait douter de nos connaissances mêmes sur l'album tellement il en était unique. Heureusement que les regards complices entre musiciens ainsi que l'engouement du public, plus que palpable puisqu'il venait même à reprendre en chœur certaines notes de guitare, aidaient à rentrer dans le concert. Néanmoins, on pouvait parfois trouver le temps long car certains de vos moments préférés pouvaient sauter ou être absolument transformés dans une jam de 10 minutes, ce qui est pour le coup assez frustrant, comme écouter une musique inconnue pendant près de deux heures. Heureusement pour nous, Geordie Greep était bien rigolo lors de ses quelques interactions avec le public, plus ou moins voulues parce que le groupe a eu quelques pépins techniques sur ses guitares tout du long du concert.

C'était donc une soirée inoubliable pour sûr, mais loin d'être parfaite. La chaleur rendait déjà l'expérience en elle-même pas forcément réjouissante, malgré l'ouverture de toutes les portes de la salle pour la ventiler. L'aspect beaucoup moins structuré que sur album rend aussi le résultat un peu inégal par moments, ce qui peut nuire au rythme d'un concert aussi long ; même si l'aspect spontané et complètement libre avait quelque chose de fascinant à découvrir, comme les easter eggs placés ici et là ou la drôle de reprise de Lovely Day, car entendue la veille par Geordie dans son taxi qui écoutait Magic Radio (NDLR : une webradio dédiée aux morceaux des années 80). Bref, un concert incroyable, mais qui aurait pu être moins frustrant de mon point de vue si j'avais été au courant des expérimentations qui allaient suivre.

Bref, un rendez-vous plus qu'immanquable pour les amateurs ou amatrices de musiques progressives !

Kozoria (Death Melo - France)

Earthside ayant voulu des premières parties différentes et locales pour chaque pays européen traversé, nous avons pu découvrir ce soir les Parisiens de Kozoria. Un projet de Death Melodique bien groovy et bien tranchant qui variait chant clair et saturé. Certains riffs pourront certainement vous rappeler Gojira sur certains points, mais il faut dire aussi que c'est une scène que je maitrise assez peu.

Une première partie excellente, car le projet sait facilement communiquer sa bonne humeur avec le public. Parfait pour nous mettre dans de bonnes dispositions pour la suite de la soirée.

Raphael Weinroth-Browne (Classique Moderne - Canada)

Earthside a décidé de tourner en Europe avec le violoncelliste canadien Raphael Weinroth-Browne qui a pu donc nous proposer un bref aperçu de son répertoire solo pour son premier concert solo en France ! Certes, beaucoup de personnes dans le public l'avaient déjà vu lors des précédentes tournées de Leprous, mais il est vrai que ses propres chansons sont plutôt méconnues.

L'artiste propose du Classique Moderne avec une touche de Metal, notamment quelques clins d'œil à du Opeth sur son morceau Ophidian. Seul en scène avec son violoncelle, ses pédales d'effets et ses différentes boucles lui permettent de jouer plusieurs nappes en simultanée, plus ou moins surprenantes, pour offrir un voyage le plus joli possible.

Son franc-parler, en français pour la soirée, son sourire communicatif étaient eux aussi plus que bienvenus. On était donc dans les meilleures conditions pour le clou du spectacle.

Earthside (Metal Prog/Post-Rock - USA)

Le groupe vient à peine de monter sur scène qu'ils jouent déjà leurs deux derniers singles instrumentaux ! Parfait pour nous mettre dans le bain, frozen heart ~burning world et A Dying Star s'enchaînent à vitesse grand V pour ensuite amener au magnifique We Who Lament en collaboration avec la chanteuse Keturah. Et comme je le pensais, l'ensemble des performances chantées sera sur bandes. En effet, vu la poignée d'artistes prévus sur la setlist, cela aurait été compliqué de faire venir tout le monde sur l'ensemble de la tournée ou de proposer un concert avec une personne assurant le chant de toutes les différentes chansons.

Jamie van Dyck prend alors la parole en français lui aussi, même si ses cours du lycée sont lointains, il arrive très bien à communiquer avec nous malgré son stress évident : c'était leurs rêves depuis longtemps que de jouer en France !

Et comme on parle de rêver, il est tout naturel de se plonger dans A Dream in Static, avec Daniel Tompkins au chant, morceau éponyme du premier album. Et je ne vais pas mentir que ça fait quelque chose que d'écouter plus de 10 ans après cette chanson en concert pour la première fois. Un moment très fort en émotions pour moi, car chargé en souvenirs.

S'ensuivront quelques morceaux du nouvel album : Watching the Earth Sink, All We Knew and Ever Loved et Let The Truth Speak avec notamment Raphael Weinroth-Browne venu les accompagner au violoncelle jusqu'à la fin du concert.

Le temps filant à toute allure, Jamie nous annonce malheureusement "qu'il n'y aura pas de encore" au bout d'une heure seulement de concert. J'avoue qu'en tant que grand fan, je n'aurai pas dit non à tout leur répertoire, mais le show était très intense et parfaitement maitrisé ! Entre la complexité palpable des artistes, l'énergie du claviériste Frank Sacramone qui sautait partout et même dans le public, la joie sur les visages, tout nous indiquait que tout le monde passait jusqu'ici une excellente soirée.

Le concert se conclura d'ailleurs par un autre morceau de leur premier album, The Closest I've Come. Même si un "petit" Contemplation of the Beautiful pour terminer aurait été grandiose, finir la soirée par le morceau d'ouverture du premier album a quelque chose de poétique...

Encore merci à Sanit Mils pour l'organisation de ce fabuleux concert !

Une date marquante qui nous donne envie d'une chose : que le groupe revienne à nouveau en France nous inonder de leur bonne humeur et de leur musique envoûtante !

Le 22 mai, guidés par la curiosité, nous nous sommes rendus au Café de Paris. Ce dernier accueillait la soirée du collectif "Le Boeuf Monstre" qui célébrait la sortie de sa troisième revue.

Le concept de la soirée était de mêler concerts, performances, poésie, drag, spoken word et DJ sets, en partenariat avec le collectif Techno Life.

Une soirée très riche dont nous vous proposons de raconter via le concert des Volcans. En effet, quelques pannes de RER nous ont empêchés d'assister au concert de la Roserie et à son rap queer, ainsi qu'aux différentes performances à cause de cette fois ma fatigue. Mais ce genre de soirées étant tellement intéressant qu'il faudra y retourner, je pense, pour réparer cet écart.

Lorsque les volcans dorment (Post-Traumatic Rock - France)

La soirée commença donc par un maître de cérémonie présentant le projet des Volcans. Et comme pour leur concert au Chinois d'octobre dernier, le projet a séparé chacun de ses morceaux par différents inserts audios illustrant, soit le thème de la chanson à suivre, soit le thème plus global du projet.

Le concert s'est donc déroulé comme suit, avec, vous allez le voir, quelques nouveaux morceaux pas encore disponibles :

• Ouverture
• Volcans en torpeur (feat. Adiel Goliot)
• Corps médical (feat. Manon Hincker)
• La chute du pélican (feat. Aline Boussaroque)
• We have lost communication (feat. Virginia B. Fernson)
• L'œil du cyclone (feat. Garance Ameline - résidente chez Bœuf Monstre)
• Le cœur d'une étoile (feat. Aline Boussaroque et Adiel Goliot)

N'ayant pas pu assister aux deux derniers concerts du collectif, j'ai donc eu la surprise de découvrir ce nouveau set. Ouverture étant le morceau Narciso remanié sans la performance de Simona Maurone, il nous permet de faire une belle entrée en matière avant de nous plonger dans les différents textes qui nous seront contés.

Mais la première chose qui m'a frappé est que le groupe a plus tendance à interagir avec le public, avec notamment quelques apostrophes placées avec parcimonie dans les différents morceaux. Une manière intelligente d'alpaguer le public à quelques moments clefs. Des moments qui sonnaient parfois à propos vu certaines discussions parasites qu'il pouvait avoir pendant le set.

La deuxième chose étant tout naturellement les nouveaux morceaux. Particulièrement Corps Médical qui donne la parole à Manon sur son rapport avec son corps et son évolution "cacheton après cacheton". Un morceau fort que je vous laisserai découvrir en live, car l'histoire y est bien prenante.

On eut le droit aussi au premier titre mêlant anglais et français avec We have lost communication chanté par Virginia plutôt orienté politique "globale" avec ces interactions entre la Terre et une station spatiale (?!) .

Et pour finir, nous avons pu découvrir Le cœur d'une étoile, premier titre chanté en duo par Aline et Adiel. Un morceau faisant la part belle à leurs traumas, leurs peurs, la transmission de ces dernières et la renaissance.

Ce qui est beau est que je ne m'attendais pas forcément à découvrir de nouveaux morceaux et ils ont su me cueillir parfaitement. Les nouveaux textes sont en effet fort passionnants et saisissants.

Bref, une très belle soirée que j'aurais adorée continuer si je n'avais pas été cueilli par la chaleur et la fatigue, mais à charge de revanche.

Si cela vous intéresse, la "Revue n°3" de Bœuf Monstre est encore disponible. Vous pourrez y trouver les participations de 28 contributeurs et contributrices.

Slap Rash (Noise Rock - Angleterre)

Il était donc temps de découvrir les compatriotes de Manchester Slap Rash ! Un duo composé d'un frère et d'une sœur. Le premier est claviériste et bassiste et la seconde batteuse et chanteuse.

Un combo savamment accrocheur mêlant Noise Rock et Punk à l'ancienne, ce qui ne mit pas trop longtemps à réveiller le pit. Même s'il a fallu attendre l'aval du frère : "Des gens ont visiblement l'envie de bouger ici, vous pouvez, vous avez la permission." Aussitôt dit, si tôt fait : le public s'est animé d'une même passion.

Il faut dire que les mélodies bien dynamiques et le frère qui sautait partout ont rendu le tout extrêmement efficace malgré les 30 minutes seulement.

Définitivement une formation à surveiller.

Maruja (Fusion/Post-Rock - Angleterre)

Après avoir dévoré leur concert au Roadburn Festival, j'étais curieux de voir ce que donnerait un concert de ce quatuor si singulier dans une ambiance club. Et ce qui devait arriver arriva : l'ambiance y était beaucoup plus survoltée et prenante.

La proximité entre les artistes et le public, l'engouement des premiers rangs pour chanter, rien n'égalait cette puissance qui en émanait. Cette fois-ci pas besoin de se faire prier, le public était assez excité pour lancer les premiers pogos dès les premiers morceaux. Ainsi, on était, pour les premiers rangs, très souvent ballotés par cette effervescence grandissante, que ce soit par le pit explosif, les quelques slams (du groupe ou du public), les montées sur scène ou les quelques allers et venus du groupe dans la fosse.

Car, comme pour le Roadburn, le groupe s'est beaucoup amusé à aller titiller les premiers rangs, et ainsi rendre le pit encore plus explosif !

On eut bien sûr les mêmes gimmicks bienvenus entre les discours sur la santé mentale, l'amour, la paix et la résistance : "C'est à ça que servent les concerts : propager de l'amour, de la solidarité et se faire de nouvelles amitiés".

Bien que le groupe propose une musique assez agressive, quand elle n'est pas contemplative, il a toujours porté un message de "paix et d'amour". Et c'est vrai que c'est ce qu'on a ressenti ce soir : un exutoire bienvenu, une bouffée d'air frais (à défaut de l'avoir dans la salle), un moment d'évasion quasi salutaire.

Bref, un concert intense et certainement dantesque qui n'aura épargné personne, pas même le groupe qui était véritablement choqué à la fin par le concert qu'ils venaient de donner : "Nous sommes vraiment touchés, veillez les uns sur les autres dehors, nous vous aimons profondément, soyez bénis."

En attendant de découvrir notre bilan vidéo du festival, nous vous proposons de découvrir en images les concerts auxquels Gauvain a pu assister sur la troisième et dernière journée, soit le 16 mai !

Vous pourrez donc trouver l'ensemble de nos photos avec la salle associée juste ci-dessous :

Cruush - Supersonic Records

Dutch Criminal Record - Badaboum

Charlie Houston - Supersonic Records

One Sentence. Supervisor - POPUP!

Bleach Lab - POPUP!

Flooding - POPUP!

Une belle occasion pour discuter avec le chanteur, guitariste et compositeur Mark Holley avant le concert.

Gauvain : Ça fait un moment que vous avez lancé la campagne  pour l’album THE HAAR avec le financement participatif.

Mark Holley : Oui

Gauvain : Comment ça s’est passé ? Est-ce que ça a dépassé vos attentes ?

Mark Holley : Le financement participatif s’est avéré bien meilleur que ce qu’on aurait pu imaginer. C’était juste une idée de dernière minute pour voir ce qu’on pouvait faire, parce qu’on était… On pensait avoir la garantie d’un financement public pour pouvoir enregistrer le quatrième album, et ça a échoué.

Mais ça a échoué alors qu’on était en studio. Donc on s'est retrouvés avec une dette énorme, des sommes folles, des dizaines de milliers de livres. Et oui, on a lancé une campagne Kickstarter juste pour voir si ça intéressait quelqu'un, et c'était incroyable. On n'en croyait pas nos yeux. Ça a été un énorme succès. 

Gauvain : Parfait. Et j'étais très curieux à ce sujet, au vu de la description de l'album, des enregistrements, du résumé, etc. Et oui, j'étais assez impatient pour votre album, car chaque album est très différent. 

Mark Holley : Oui. 

Gauvain : Et c’est toujours amusant pour les fans de découvrir ce qui va suivre. Surtout avec vos concerts, qui sont toujours très différents des albums enregistrés en studio. Et donc c'est toujours intéressant de découvrir ce que vous nous réservez. 

Mark Holley : Oui, c'est sûr. Mais c'est ce qu'on préfère, parce qu'en tant qu'artistes,  nous composons de manière tout à fait spontanée. Nous n’avons aucune idée de ce qui va se passer, ça vient tout naturellement et on se laisse porter.

On n’essaie pas de dénaturer la façon dont ça sort naturellement. Mais bien sûr, beaucoup de gens qui aiment notre groupe aiment nos premiers morceaux, ce à quoi notre musique ne ressemble plus vraiment aujourd’hui. Mais d’un autre côté, beaucoup de gens adorent nos nouveaux morceaux, parce qu’ils nous voient tels qu’on est maintenant, et ils ont du mal à croire qu’on ait écrit des chansons comme celles de notre premier album.

C'est donc assez drôle. Nous sommes un groupe qui va sortir de très, très, très nombreux albums. Et je pense qu'au fil des années, toute la discographie prendra tout son sens.

Gauvain : Pour l’instant, ça va. 

Mark Holley : Oui, mais je pense que ça aura plus de sens. Quand on commence à avoir 10, 11, 12 albums, on peut se permettre d’en avoir certains qui sonnent vraiment, vraiment différemment. Je pense qu’on a l’impression que chaque album est très différent en ce moment, car il n’y en a que quatre. Mais oui, on prévoit d’en faire beaucoup. 

Gauvain : J’étais tellement déçu d’avoir raté l’occasion d’acheter le making-of de THE HAAR.

Mark Holley : Le DVD?

Gauvain : Oui. C’était trop cher pour moi de faire venir en France le vinyle et le DVD, donc je pensais les acheter aux Étoiles (NDLR : concert du 24/02/2024).

Je crois que c’était ça. Et oui, vous n’avez pas pressé assez de DVD pour en avoir encore à ce moment-là. Donc j’aimerais savoir si c’est quelque chose que vous pourriez represser plus tard, ou si ça restera juste un souvenir du crowdfunding.

Mark Holley : On a tout fait nous-mêmes. Mais comme on ne peut pas te donner de DVD, je peux t'envoyer un lien YouTube privé vers le contenu complet du DVD.

Donc si quelqu'un le veut, on peut le lui envoyer. Il suffit de nous envoyer un message et on l’enverra à la personne. 

Gauvain : D’accord, c’est vraiment top.

Mark Holley : Oui, on a l’intégralité sur Youtube. 

Gauvain : Pour être honnête… j’en rigole moi-même, désolé. Je n’ai jamais écouté le bonus de l’album que vous aviez envoyé aux contributeurs du crowdfunding (NDLR : le morceau Rabbits). Je ne sais pas pourquoi, je ne me suis jamais décidé à les écouter. 

Mark Holley : Pourquoi?

Gauvain : Je sais pas vraiment… peut-être que je crains que ça ne corresponde pas à mes attentes. J’adore THE HAAR. C’est vraiment un album parfait pour moi… donc je sais pas. 

Pourtant, beaucoup de groupes sortent d’excellentes bonus tracks. 

Mark Holley : Mais si tu ne l’aimes pas, quelle est la pire chose qui puisse arriver ?

Gauvain : Rien.

Mark Holley : Exactement. Ça ne figure pas sur ta version de l'album. Ce serait donc juste un morceau que tu n'aimes pas. Et ce n'est pas grave.

Gauvain : Mais je n’ai jamais vraiment pris le temps de l'écouter avec toute l’attention que ça demande. Je ne sais même pas combien de temps ça dure. Juste m’asseoir, écouter les morceaux et en profiter pleinement. C’est quelque chose que je remets toujours au lendemain, je ne sais pas pourquoi. Pourtant, ça me revient souvent en tête et je me dis : “Allez, il faut que je le fasse.” En plus, c’est assez court, donc je peux facilement prendre le temps de le faire. 

Gauvain : Oui, c’était assez drôle, donc j’avais un peu de mal à en parler. Pour ceux qui ne le savent pas, vous avez proposé aux contributeurs du crowdfunding un morceau bonus qui n’est pas présent sur le vinyle ni disponible sur les plateformes de streaming. Je n’en dirai donc pas plus. 

Gauvain : Comment s'est passée la recherche du label pour commercialiser et faire connaître cet album ? Puisque l’album est paru plus d’un an après la clôture du financement. N’était-ce pas trop frustrant d’attendre aussi longtemps ?

Mark Holley : Oui, c'est une très bonne question, car c'était quelque chose qui échappait totalement à notre contrôle. Et pour faire le lien avec ce dont tu parlais tout à l'heure, le Kickstarter a connu un énorme succès.

On n'avait pas prévu une telle réussite. Et comme on avait, techniquement, vendu un nombre de disques en pré-commande tellement important, on a dû signer un contrat de distribution pour qu'un distributeur puisse commercialiser le disque à notre place, car on n'était pas en mesure de le faire nous-mêmes. On n'en avait pas les moyens et encore moins pour expédier un millier d'albums, tu vois ?

Mais en faisant ça, on a malheureusement signé un contrat qui n'était pas très avantageux, et il y a eu beaucoup de problèmes juridiques ; ça nous a pris un an pour régler tout ça. C'était donc super frustrant, et ça n'avait rien à voir avec le fait que le groupe ne voulait pas ou n'avait pas enregistré l'album. Il était juste là, en attente.

Donc, ouais, et c’est l’une des raisons pour lesquelles on a décidé qu’on voulait juste être un groupe complètement DIY et maintenant on fait tout nous-mêmes. C’est pour ça qu’un an plus tard on a sorti l’album live, l’année prochaine il y aura le cinquième album, l’année d’après il y aura le sixième. On s’organise pour que ça aille vite, ouais.

Gauvain : J'y réfléchissais justement, parce qu'aujourd'hui, beaucoup de groupes ont du mal à trouver un bon accord avec les labels. Parfois, l'album est prêt, mais il faut attendre sa sortie officielle, et ça peut être un vrai casse-tête. 

Mark Holley : C'est vrai. Les labels ont évidemment leurs avantages, mais je pense qu'ils perdent de plus en plus de leur importance pour les artistes. C'est vraiment le cas.

Gauvain : Oui, surtout qu’on peut aujourd’hui produire sa musique soi-même.

Mark Holley : Exactement.

Gauvain : En parlant de THE HAAR, vous l'avez en quelque sorte interprété en direct lors de la session live au Vada. Avez-vous enregistré l’album en live, en une heure environ, ou avez-vous simplement enchaîné les morceaux les uns après les autres pour obtenir un enregistrement parfait pour chacun d’entre eux ? Comment avez-vous organisé cette session au Vada ?

Mark Holley : On a passé une journée en studio avec des instrumentistes à cordes et d’autres musiciens. La plupart des morceaux ont été enregistrés dès la première prise, ce qui donnait un peu l’impression d’un concert, mais il y a peut-être eu deux ou trois chansons où on a dû refaire la prise deux ou trois fois parce que quelque chose n’allait pas tout à fait lors de la première prise ou que la caméra ne tournait pas correctement. Donc, c’était pas vraiment comme un concert, mais dans l'ensemble, c'était quand même sacrément live. On enchaînait les morceaux les uns après les autres.

Gauvain : Oui, parce que c’était assez intense. Mais avec la vidéo, j’avais quelque doute que ce soit une vraie captation de concert, j’imagine que ça devait être stressant entre le nombre d’invités et de la taille de la salle.

Et c’était assez fascinant de redécouvrir certains morceaux avec votre ADN actuel. J’adore votre approche en live, d’ailleurs, parce qu’elle me rappelle un groupe totalement différent : Riverside, un groupe de rock polonais qui aime réinterpréter ses anciens morceaux de manière très différente, justement pour ne pas proposer exactement les mêmes versions que sur les albums.

Et je pense sincèrement que c’est pareil chez vous.

La première fois que je vous ai vus sur scène, c’était juste avant le crowdfunding de l’album, et j’avais été complètement hypnotisé par l’impact et la puissance du live. Tout était différent, mais restait naturel en même temps. Ça m’avait totalement soufflé.

Donc j’étais très heureux de retrouver un peu de ça avec Live at Vada.

Et c’était assez drôle de voir que "Badlands" durait près de vingt minutes. Je ne m’étais jamais rendu compte que le morceau était aussi long en concert. C’est sa vraie durée sur scène ?

Mark Holley : "Badlands" est différent chaque soir, et pour faire écho à ce que tu viens de dire à propos du groupe de prog polonais, quand nous jouons "Badlands" ou "Diving Bell" pendant cette tournée, c’est chaque fois différent. Tu vois, on se nourrit mutuellement sur scène : certains soirs, c’est court et vraiment punk, et d’autres soirs, ça dure une demi-heure. Tout dépend de l’énergie qui règne sur scène.

Gauvain : Vous disiez être quasiment un groupe de jazz. 

Mark Holley : Ouais, on y arrive petit à petit, mais même en repensant à ce concert au Vada, on a l'impression d'être un groupe complètement différent aujourd'hui par rapport à l'époque. Évidemment, certains membres étaient différents à l'époque. Hev, notre nouvelle bassiste, fait partie du groupe depuis un an et elle a apporté tellement de musicalité au groupe, c'est incroyable. 

Gauvain : Mais elle n’était pas avec vous durant votre tournée européenne l’année dernière. 

Mark Holley : Non, elle faisait déjà partie du groupe à ce moment-là parce qu’elle avait participé à la tournée au Royaume-Uni, mais elle ne pouvait pas venir en Europe. Donc, on avait fait appel à un de nos amis, Sam, mais Heather, c’est vraiment autre chose sur scène : c’est incroyable, elle nous fait jouer différemment. Et oui, on a vraiment l’impression d’être à un très bon niveau sur scène en tant que groupe, c’est certain.

Gauvain : Pourquoi avoir choisi de faire un album live comme celui-ci, plutôt qu’un live plus brut ? Est-ce que c’était pour proposer davantage d’orchestrations, mettre en avant différentes facettes de votre musique ?

Mark Holley : C'est juste quelque chose de différent. Je suis sûr qu'on finira par sortir un album live à un moment donné, mais les choses se sont en quelque sorte alignées et on s'est dit que ce serait sympa d’immortaliser ce moment dans un enregistrement. On ne s'attendait pas à ce que ce soit une sortie d'album à grande échelle, car c'est un enregistrement live, ça n'aura jamais le même impact qu'un album studio classique. Mais on veut simplement rester cohérents dans notre rythme de sorties. On a parlé d’enregistrer un concert, peut-être dans une salle spéciale ou quelque chose comme ça, de l’enregistrer correctement et de le sortir aussi, donc ce n’est pas qu’on soit contre l’idée, c’est juste que ça s’est mis en place tout seul et qu’on l’a fait comme ça. 

Gauvain : C’est noté. J’aimerais parler de choses plus anciennes, les vidéos des sessions The Haar. J’ai été fasciné par l’esthétique de chaque clip de cet album. Toutes les vidéos sont en noir et blanc, très poétiques, intimes. D’ailleurs je ne me souviens plus de quelle vidéo  il s’agit, celle où tu es assis sur une chaise ?

Mark Holley : Oh c’est, "I Can’t Be Left Alone With It". 

Gauvain : C'est une chanson tellement parfaite, ouais, juste toi assis sur ta chaise, dans ta chambre... ça fait forte impression. Tu n'as pas eu peur de partager ce moment intime et de la réaction du public ? 

Mark Holley : Non, pas du tout, et je pense que ce qui compte vraiment pour nous, en tant que musiciens, c’est que notre musique soit sincère. Du coup, pour les images et tout le reste, je veux m’assurer que ça reflète bien la musique, tu vois ? Et cette chanson est née d’un sentiment très brut, très authentique, quand je l’ai écrite, donc c’est important pour moi de partager ça. Je ne me sens ni mal à l'aise ni vulnérable en partageant ce genre de choses, je vois juste ça comme de l’art, et j'ai pensé que c'était important pour cette chanson. 

Gauvain : Je comprends. Parce qu’en écoutant THE HAAR, ou vos concerts, j’ai l’impression que tout est très vulnérable ; sur le fil. C’est vraiment fascinant de mon point de vue.

D’ailleurs, j’ai remarqué quelque chose dans le clip : la bague Claddagh que tu portes à la main gauche. Ça m’y a fait penser parce que je suis allé plusieurs fois en Irlande, et c’est le genre de détail culturel qu’on finit par apprendre quand on fréquente le pays.

Mark Holley : Oui, dans ce cas je suis censé être marié, c’est ça ?

Gauvain : Oui, ou amoureux... Du coup, ça m’a amusé de découvrir des morceaux très sombres alors que cette bague montrait que tu étais amoureux. Normalement, on s’attendrait plutôt à des arcs-en-ciel partout.

Mark Holley : Oui, mais tout dépend de la relation j’imagine. Mais c’est une très bonne observation, personne n’a jamais remarqué ce détail avant. Être capable de voir ça dans une vidéo c’est franchement impressionnant.

Ce n’était absolument pas intentionnel. Cela dit, cette bague est un cadeau d’une ex avec qui j’étais pendant l’écriture de l’album, et elle a beaucoup de valeur sentimentale pour moi. C’est d’ailleurs la seule bague que je porte aujourd’hui.

Mais je ne l’ai pas portée pour faire écho aux thèmes de la chanson ou quoi que ce soit du genre. C’est simplement quelque chose de personnel pour moi.

Gauvain : En tout cas, c’était intéressant à voir dans une chanson plutôt déprimante.

Gauvain : L’année dernière, j’ai été agréablement surpris de vous voir sur scène avec Daria Arkova, la chanteuse française. Comment le groupe l’a-t-elle rencontrée ? Il me semble qu’elle adore ce que vous faites.

Mark Holley : J’ai toujours adoré Daria. Elle est tellement gentille, et il est simple d’échanger avec elle. Elle m’a partagé beaucoup de ses projets il y a des années et j’ai trouvé ça très cool.

Et ça a été génial de la voir évoluer en tant qu'artiste aussi. Et il se trouve qu'elle était justement au concert. On lui a dit : « Viens sur scène et chante cette chanson avec nous. »

Oui, elle est géniale. Elle est vraiment, vraiment formidable.

Gauvain : Ce qui est marrant, c’est que je l’ai découverte seulement quelques semaines avant le concert.

Mark Holley : Oh vraiment ?

Gauvain : Donc je me disais : mais qu’est-ce qu’elle fait ici ?

Mark Holley : C’est trop marrant.

Gauvain : Oui, totalement. Son projet musical est cool (NDLR : un nouvel EP est sorti en mai 2026). Mais elle ne peut pas être là ce soir, désolé.

Mark Holley : Aucun souci.

Gauvain : Elle ne pouvait pas venir; Elle habite plutôt dans l’Est de la France donc c’est assez loin.

Gauvain : D’ailleurs, tu disais que tu pensais aux prochains albums. Tes albums et tes concerts prennent de plus en plus une tournure expérimentale. Et à l'époque, tu parlais d'une orientation jazz.

Peut-on donc s'attendre à quelque chose de ce genre pour les prochains albums ? Ou est-ce encore très flou et tu verras au fur et à mesure ?

Mark Holley : On a déjà enregistré le cinquième album. Je pense qu’il va surprendre les gens d’une manière assez différente. Parce qu’en ce moment, nos concerts sont très post-jazz, assez fun et expérimental.

Mais en réalité, le cinquième album est un disque assez fun. Je pense que beaucoup de gens ne s’y attendent pas. Il y aura aussi des choses plus sombres, bien sûr. Mais dans l’ensemble, je dirais que c’est un album beaucoup plus drôle, plus libre, plus “décontracté”, avec des influences un peu americana. J’ai vraiment hâte de sortir cet album.

Gauvain : Êtes-vous ouverts à des collaborations ? Comme vous avez déjà chanté avec Daria Arkova en concert, peut-on s'attendre à voir un chanteur, une chanteuse ou un guest à un moment donné ?

Mark Holley : A 100 %. En fait, on a en quelque sorte mis en place un système avec des groupes australiens. Il y a plusieurs artistes australiens qui viennent faire des tournées au Royaume-Uni et en Europe.

Ils n'ont pas les moyens de faire venir tout leur groupe depuis l'Australie. Alors ils nous engagent, Black Foxxes, pour les accompagner sur scène. Et on est devenus très potes avec une artiste qui s'appelle Ella Ion. Elle est phénoménale. Son guitariste, Ricky Albeck, qui compose ses propres morceaux, est vraiment génial.

Et il a joué pas mal de parties de guitare sur notre nouvel album. Quand partira-t-on en tournée en Australie le mois prochain ? Dans deux mois ?

Gauvain : Oui c’est dans ces environs là. (NDLR : La tournée s’est déroulée du 17 avril au 9 mai)

Mark Holley : Il va jouer de la guitare avec nous pendant toute la tournée. On se rend compte en ce moment qu’on peut aller un peu partout dans le monde et modifier légèrement la composition du groupe sur scène. Par exemple, Sam, notre saxophoniste, ne peut pas participer à la tournée européenne. On a donc un gars qui s’appelle Mon et qui joue dans un groupe appelé Speed Dial. Il apporte quelque chose de complètement différent.

Quand on ira en Australie, on n’aura pas de saxophoniste, mais Ricky Albeck comme deuxième guitariste, qui sera le quatrième membre.

Ce que j’adore, c’est que quand les gens nous voient en concert, ils ne savent pas à quoi s’attendre. Et ce sera un set vraiment différent à chaque fois. Certains adoreront cette version.

D'autres préféreront la version avec saxophone. Mais c'est une question de goût, et c'est exactement ce que nous recherchons. Nous ne voulons pas simplement monter sur scène et jouer une chanson de trois minutes et demie répétée à l'infini, qui sonne exactement comme sur l'album à chaque fois.

Ce n'est pas le but. Ce n'est pas pour ça que nous faisons de la musique. Donc, la collaboration, absolument. Mais nous devons aimer l'artiste pour l'intégrer au groupe.

Gauvain : Je pensais à quelque chose. Le Live at Vada est disponible en ligne. Et il y a deux morceaux qui n’ont jamais été mis sur les plateformes de streaming. Moi, j’ai juste écouté le vinyle, mais je ne sais pas desquels il s’agit. Quels sont les morceaux qui ne sont pas disponibles ?

Mark Holley : Il s’agit de "Ha Ha Ha" et "Where have you been" ? Peut-être, même si je ne sais pas si ça a vraiment été inclus sur le vinyle. On l’a enregistré, mais je ne sais pas s’il a finalement été retenu sur le vinyle. Peut-être "Shakey" ? (NDLR : Ce sont bien "Shakey" et "Ha Ha Ha" qui sont absents des plateformes et "Where have you been" qui est absent partout.)

Gauvain : Parce que c’était les plus étranges ou y-avait-t-il une autre raison derrière ce choix ?

Mark Holley : Je ne les trouvais pas aussi bons que les autres morceaux. Mais pour une sortie vinyle, on trouvait que c’était sympa d’offrir un peu plus de contenu aux gens. Parce qu’on ne va presser que 250 exemplaires de ce vinyle, donc c’est déjà quasiment épuisé, il nous en reste juste quelques-uns ce soir.

Et on s’est dit que ce serait quelque chose de joli pour les gens, avec le recul, de savoir qu’ils possèdent deux morceaux que personne d’autre n’entendra jamais.

C’était vraiment ça l’idée. Mais moi, personnellement, je ne trouvais juste pas qu’ils sonnaient aussi bien que les autres.

Gauvain : C’est toujours intéressant de savoir pourquoi quelque chose se passe de cette manière. Et c’est toujours sympa d’offrir quelque chose de plus aux fans qui achètent quelque chose.

Mark Holley : Je pense aussi, surtout les disques vinyles. C’est vraiment quelque chose de personnel. J’aime tellement les objets artistiques physiques. Je suis toujours fier à chaque fois qu’on sort un vinyle. Ça compte énormément pour le groupe et moi.

Gauvain : C’est pour ça que vous ne sortez plus de CD.

Mark Holley : Oui, mais aussi parce que pas assez de gens ne les achètent. Donc ça nous coûte pas mal d’argent.

Gauvain : C’est vraiment dur avec les CDs, oui. Vous gagnez aussi moins avec les CDs que les vinyles.

Mark Holley : Oui à 100%.

Gauvain : Je dis ça car j’ai les deux premiers albums en CD et tout le reste en vinyle.

Et c'est ainsi que se conclut notre interview. Encore merci à Mark d'avoir pris sur son temps libre avant le concert pour m'accorder une si passionnante discussion. J'espère qu'elle vous aura intéressée et donner envie de découvrir le projet Black Foxxes.

Je tenais aussi à remercier mon amie Lucie sans qui cette interview ne serait certainement pas sortie aussi tôt ! Merci pour son aide précieuse, c'est grâce à elle que vous pouvez lire ces lignes aujourd'hui.

La photo de l'article a été prise par Sally Stenning.

En attendant de découvrir notre bilan vidéo du festival, nous vous proposons de découvrir en images les concerts auxquels Gauvain a pu assister sur la deuxième journée, soit le 15 mai !

Vous pourrez donc trouver l'ensemble de nos photos avec la salle associée juste ci-dessous :

Packaging - Supersonic Club

Ribbon Skirt - Supersonic Club

Blanket - Supersonic Records

Death Sells - La Seine Café

Circus Trees - Chante!

The New Cut - Supersonic Club

KatzPascale - Chante!

Theatre - Supersonic Club

En attendant de découvrir notre bilan vidéo du festival, nous vous proposons de découvrir en images les concerts auxquels Gauvain a pu assister sur la première journée, soit le 14 mai !

Vous pourrez donc trouver l'ensemble de nos photos avec la salle associée juste ci-dessous :

The Ringards - Supersonic Records

Jools - Supersonic Club

Night Swimming - Chante!

Ladylike - Chante!

Hunny Buzz - Les Disquaires

Heavy Lungs - Badaboum

Stuzzi - Supersonic Club

Et la bonne nouvelle ? C'est qu'ils passent à Lyon le 16 juin prochain au Club Transbo à Lyon.

La première partie sera assurée par Lafayette, groupe Lyonnais, qui puise dans le screamo, le metalcore ou encore le nu-metal. Dont vous aurez des nouvelles prochainement, restez à l'écoute 😉

En gros, vous aurez une grosse soirée metalcore en perspective et pour pas chère !

Billets

Si vous n'avez pas pris votre place, vous pouvez la prendre auprès de Sounds Like Hell : https://slhproductions.fr/agenda/thornhill2026/ ou via les réseaux Yurplan, France Billet, See Tickets, Ticketmaster, Dice et Pass Culture.

Tarifs :

• Normal : 30,52€
• Réduit : 28,59€
• Sur place : 32€

L'ouverture des portes se fera dès 18h00 (à confirmer) et sur place vous pourrez retrouver un bar et un foodtruck.

Accès

Pour votre venue, l'adresse c'est 3 Bd Stalingrad à Villeurbanne.

En bus : lignes C1, C4 et C5 – Arrêt Cité Internationale Centre de Congrès ou lignes C2, C26 et 70 – Arrêt Cité Internationale Transbordeur

À vélo : un parking abrité avec de nombreux arceaux est à votre disposition devant la salle, sous l’autopont + possibilité de laisser votre casque et votre batterie de vélo électrique gratuitement en consigne à l’entrée de la salle

Parking le plus proche : P2 de la Cité Internationale (payant) - le parking du Transbordeur est réservé au personnel et aux PSH

Plus d'informations ici.

Avec Les Voyages de l’âme, Alcest propose une œuvre lumineuse, portée par les visions de Neige et le jeu organique de Winterhalter.

Sources :

https://www.metalblast.net/p/alcest-neige-interview

https://pitchfork.com/reviews/albums/16289-les-voyages-de-lame/

https://thequietus.com/quietus-reviews/alcest-les-voyages-de-l-me-review/

https://www.punknews.org/review/10864/alcest-les-voyages-de-lame

https://www.discogs.com/master/395853-Alcest-Les-Voyages-De-L%C3%A2me

https://www.metal-archives.com/reviews/Alcest/Les_voyages_de_l%27%C3%A2me/322294/

pour W

En vrac :

• Jour 1 : Crippling Alcoholism, ISKANDR, Pain Magazine, pigs x7, Fauna, UFOMAMMUT, Kowloon Walled City, Maruja.
• Jour 2 : Teardrinker, Planning for Burial, Kowloon Walled City, Heaven in Her Arms, Slow Crush, 137, Portrayal of Guilt, Lathe of Heaven, Nothing.
• Jour 3 : Heaven in Her Arms, Blackwater Holylight, OTAY:ONII, RÓIS, These New Puritans, Prostitute, dälek, Oathbreaker, Slift.
• Jour 4 : Sir Richard Bishop, Slow Crush , Lili Refrain, Hugging, Warning, Boris, ECHT!, K-X-P.

Si le cœur vous dit, voici la playlist faite pour l'occasion :

• Deezer : https://www.deezer.com/fr/playlist/15141566943
• Spotify :

Par ailleurs, n'hésitez pas à découvrir nos photos :

https://metalsoundmedia.com/articles/822/live-report-roadburn-2026-decouverte-du-jour-1

https://metalsoundmedia.com/articles/823/live-report-roadburn-2026-decouverte-du-jour-2

https://metalsoundmedia.com/articles/824/live-report-roadburn-2026-decouverte-du-jour-3

https://metalsoundmedia.com/articles/825/live-report-roadburn-2026-decouverte-du-jour-4